miércoles, 22 de agosto de 2018

Entrevista a VIDRES A LA SANG (parte II): "Som", esclavos de la modernidad...

ENTREVISTA A VIDRES A LA SANG TRAS LA SALIDA DE SOM (Septiembre de 2009)

Hay grupos a los que, al "verlos crecer", ser testigos de su evolución desde que nacen, llegas a comprender y a sentirte parte de su historia. En algunos casos, pueden decepcionarte, en otros, no paran de sorprenderte. Y cuando consiguen llegar lejos, siempre puedes decir aquello de "cuando sacaron su primera demo, yo ya me había fijado en ellos". Pues bien, VIDRES A LA SANG es uno de estos grupos en mi caso, y objetivamente hablando, es uno de los mejores grupos que ha dado este país en los últimos años: cada vez más personales y únicos, hablar de VIDRES A LA SANG es hacerlo de un combo sin parangón que levanta opiniones de todo tipo, pero casi siempre favorables aunque sólo sea por el riesgo de su propuesta. Después de mucho tiempo de barbecho, y tras un magnífico "Endins", llega por fin "Som". Un disco autoreivindicativo, difícil y circular, que se acaba por convertir en obsesivo al cabo de las escuchas. Por eso, ante la inminente salida de "Som" a través de Xtreem Music, no quise perder la oportunidad de volver a contactar con Eloi, padre espiritual y material de VIDRES A LA SANG, para bombardearle a preguntas. Os invito a que leáis sus respuestas, porque demuestra que VIDRES A LA SANG es un gran grupo de puertas hacia fuera, pero también de puertas hacia dentro: una cabeza muy bien amueblada, una humildad a felicitar, y mucho entusiasmo, son los ingredientes que conforman las contestaciones de Eloi. Una vez más, VIDRES A LA SANG desafía a la muerte, y "Som" es su ataque más certero.




Mucho tiempo de silencio y pocas noticias sobre VIDRES A LA SANG, nos hacía sospechar con pavor a algunos que hasta os habíais disuelto. Conociendo vuestro perfeccionismo, supongo que habréis ultimado los detalles de cada composición y esa será en parte la causa de la diferencia temporal entre "Endins" y "Som". ¿Qué habéis estado haciendo todo este tiempo? ¿Teníais ganas de volver a grabar? ¿Habéis sentido presión de cara a esta nueva obra teniendo en cuenta que las buenas críticas se multiplican a vuestro alrededor?

Como bien dices Raúl, el hecho de ser meticulosos y honrados con nuestro trabajo nos hace tardar más tiempo del que quisiéramos para realizar nuestras obras, y en esta en concreto hemos trabajado muy duro para dar con el resultado, al margen del contratiempo que supuso cambiar otra vez de baterista cuando todo el material estaba casi acabado. Las ganas de grabar éste disco eran enormes ya que suponían la culminación de un largo y sufrido proceso con no pocas dificultades. Presión, pues la verdad, es que no sentimos más presión que la que nos exigimos a nosotros mismos. Yo creo que la presión se siente cuando se trata del pan que comes pero nosotros hacemos esto por amor al arte, y mientras nosotros estemos satisfechos con lo que hacemos lo daremos por bueno y nos mantendremos ajenos a las críticas. Las críticas siempre quieres que sean buenas pero no puedes gustar a todo el mundo así que ningún mejor critico que tu mismo para saber si tu material está listo para ser escuchado, aunque para esto hace falta conocer mucho cuales son tus virtudes y limitaciones y ajustarte al máximo a ellas.

Lo que sí me ha llamado la atención es que desde que anunciasteis que el disco estaba compuesto en noviembre de 2008 y hasta que lo habéis grabado en julio y agosto de 2009 han pasado ocho meses. Ocho meses en los que como acabo de decir habéis estado casi en silencio en lo que a noticias se refiere, y en los que poco se sabía de VIDRES. Dado que Carles, el antiguo batería de VIDRES A LA SANG había vuelto al grupo en noviembre, ¿este tiempo estaba justificado para que se empapara bien de los nuevos temas antes de grabar? ¿Queríais ensayar bien todos los temas antes de anunciar nada? ¿Ha sido simplemente cuestión de agenda?

Pues sí, ha sido un tiempo más que justificado, y aún hemos ido justos porque durante este tiempo decidimos tirar a la basura dos temas para dar el paso a otros dos nuevos. Entrar en estudio precisa de una intensa preparación ya que ahí no se puede perder tiempo, ya que cuesta dinero, y nosotros, dinero tenemos más bien poco así que había que prepararlo a conciencia, al margen de que es nuestro disco más elaborado hasta la fecha lo cual implicaba mayor complicación en tenerlo todo a punto. Hemos ensayado una barbaridad y desde luego estamos muy satisfechos con el resultado porque ha merecido la pena.

Acabo de mencionar la vuelta de Carles. La última vez que hablé contigo me comentaste que su salida del grupo se había motivado por incompatibilidad profesional: Carles tenía que asegurar su futuro y no podía combinarlo con VIDRES A LA SANG. Eso dio pie a que entrara el "enorme" Alfred Berengena en el grupo. ¿Ya puede dedicar Carles todo el tiempo necesario a VIDRES A LA SANG de nuevo? ¿Qué pasó con Alfred? Hasta donde sé nunca fue batería oficial, sino sólo de sesión, ¿se implicó lo suficiente con el grupo o lo tenía como otra actividad más en su apretada agenda?

Alfred nunca fue miembro oficial del grupo si bien le consideramos en su momento como tal para beneficiar la marcha del grupo y aprender de su experiencia como músico de contrastada calidad. El se implicó mucho y le estamos agradecidos por su extraordinaria profesionalidad, pero llegó un punto en que nuestros destinos y puntos de vista se separaron y cada uno ha hecho su camino. Propusimos a Carles el volver ya que pasaba por una situación mucho más holgada que en el pasado y la verdad es que su vuelta es lo mejor que nos podía haber pasado ya que nadie como él entiende lo que necesita la música de VIDRES en el apartado baterístico y si bien no es tan virtuoso como Alfred ni falta que le hace, le considero un baterista mucho más artístico, lo cual hace que para VIDRES y en concreto para un disco como "Som", Carles sea el baterista perfecto.




Hablemos ahora de "Som", vuestro tercer trabajo y más reciente creación. Es un tópico habitual decir que en un grupo su tercer disco es el de la consagración. Vosotros habéis seguido una trayectoria ascendente, aumentando el revuelo alrededor vuestro tanto dentro de nuestras fronteras, como fuera. ¿Es "Som" la consagración para vosotros? ¿Habéis "sentido" algo diferente en la creación de esta obra, o es un paso más para el grupo?

Sin duda, pero no porque sea el tercero, sino porque sentimos que hemos abierto nuevas puertas en el ámbito creativo que harán de VIDRES A LA SANG en el futuro una banda de la que se puedan esperar muchas cosas. Creo que "Som" representa la música que siempre hemos querido hacer, por encima de clichés y etiquetas, hemos perdido el "miedo" a expresarnos musicalmente de la manera que más nos gusta. Quiero decir, que ya no nos paramos a pensar si la música es suficientemente rápida o agresiva o Death o Black. Pensamos siempre en si es suficientemente buena para nuestros oídos y ya está. Por esto, el título del disco es así, porque lo que hoy en día puedes escuchar de VIDRES es sencillamente lo que somos al descubierto, para lo bueno y para lo malo, un ejercicio de honradez, orgullo y autoreivindicación de nuestro estilo musical y de vida que por supuesto abarca muchas cosas.

"Vidres A La Sang" os destapó como un grupo no excesivamente técnico, ni tampoco fácil de escuchar debido a lo extenso de vuestros temas, pero con un sonido personal y muchos detalles únicos, además del más evidente de cantar en catalán y vuestra imagen en el escenario. "Endins" fue, en mi opinión, una de las cumbres nacionales del año y mejoraba todos los aspectos que ya eran buenos en el debut: mayor intensidad en las composiciones, un trabajo solista más elaborado y un trabajo lírico propio. Ahora "Som" os muestra como un grupo ambicioso, más profundo y completo, más épico y por momentos totalmente hipnótico gracias a unas atmósferas muy trabajadas, contrastes continuos y un sonido definitivamente propio, o esta es mi opinión tras unas cuantas escuchas. ¿Cambiarías algo de esta evolución que acabo de describir, estás de acuerdo conmigo? Háblanos un poco de en qué lugar piensas que, creativamente hablando, coloca "Som" al grupo.

Estoy muy de acuerdo contigo y es un orgullo que así lo interpretes porque esta es la sensación que pretendemos transmitir al oyente. Hay palabras clave en tus definiciones acerca de "Som" como ambición, hipnotismo, épica, contraste y la voluntad feroz de ofrecer siempre un trabajo más completo que el anterior. Yo no sé qué tal encajará este disco en la audiencia, pero creativamente creo que hemos trabajado para situarlo unos peldaños más allá de sus predecesores, así que para nosotros el resultado es el deseado.

Gran parte de la culpa de que crea que "Som" es un disco que muestra vuestro lado más épico es una producción limpia y al mismo tiempo oscura, pero sobre todo la presencia de algún efecto adicional como los teclados (especialmente en "Som" y "No Tornaré a Ser Jove") y un trabajo melódico más amplio, al mismo tiempo que mantenéis la intensidad de los riffs y los ritmos más extremos. ¿Dónde encontrarías tú la raíz de esta sensación? ¿Cuál piensas que es el culpable de que "Som" sea un disco tan intenso melódica y atmosféricamente hablando?

Aunque parezca una obviedad, pienso que el principal culpable de que sea un disco como tu tan bien defines, somos nosotros mismos porque así lo queríamos y así hemos trabajado para que sonara, al margen de la gran profesionalidad de Mr. Ax a la hora de realizar técnicamente todos y cada uno de nuestros deseos para dar a nuestro sonido un carácter más envolvente y texturizado.

Albert también vuelve a tener un papel fundamental y la producción le ayuda mucho a sobresalir con sus melodías dobladas y toques de virtuosismo. ¿Os compenetráis a la hora de componer y encajar su trabajo solista en los temas, o cada uno va a la sala de ensayo con lo que prepara por su cuenta?

Bueno, cuando compongo una canción, siempre pienso en el espacio reservado para el solo (si es que la canción lo lleva) porque forma parte de la estructuración de la misma. Así es mucho más fácil entenderse ya que si cada uno hace las cosas por su cuenta suelen salir de maneras dispares y poco cohesionadas. Es normal que si compongo la canción y hago las letras, sea yo quien determine donde irá mejor colocado el solo, entre otras cosas porque es un factor que ya he tenido en cuenta durante la composición de la misma. Albert es un guitarrista sensacional, humilde, y con mucha clase que siempre está dispuesto a dar lo mejor para el grupo en el plano musical y en este disco se ha vuelto a superar y por esto merecía estar en primer plano en la producción.

Finalmente, lo que también me ha llamado mucho la atención es la ampliación del minutaje de los temas. De componer con una duración media, a temas como "Esclaus de la Modernitat" o el tremendo "No Tornaré a Ser Jove" (del que luego hablaré otra vez, por cierto), que sobrepasan los diez minutos. ¿Nuevos retos? ¿Os costó mucho redondear este tipo de temas? ¿Qué reacción pensáis que tendrán en directo?

Pues sí, a mayor ambición, mayor complejidad, mayor minutaje, todo es muy grandilocuente en este disco y hemos trabajado para que así fuera y esperamos que guste, y sí, por supuesto ha sido un reto importante y muy duro, pero nos gusta hacer las cosas así, y no lo podemos remediar. Quizá habrá quien diga que nos estamos empezando a poner pesados, y quizá tenga razón (Risas) pero insisto, es tal y como lo queríamos hacer y respecto al directo, creo que van a funcionar de maravilla porque son temas muy expresivos de muchos recursos agradecidos para la música en vivo.

Sólo os tengo que poner un "pero" a "Som": honestamente, la portada me parece mejorable, aunque la referencia a Dalí sea un acierto, apenas se ve el logo del grupo. Evidentemente es una opinión personal, pero ¿qué queríais expresar con esta portada? ¿Os gusta como ha quedado?

Sé que la portada va a ser otro punto conflictivo ya que ya hemos oído todo tipo de opiniones, pero es que a nosotros nos encanta. Sobre el tema logo llevas razón y ha sido rectificado a tiempo y ahora queda mucho mejor, ya lo verás (N. de R.: La portada que acompaña esta entrevista, es la definitiva, y efectivamente el logo ha sido ampliado y situado de una mejor manera.). Esta portada la hizo Marcos y es un reflejo en clave de imágenes en colage de cada una de las letras del disco. Y por supuesto, uno está en su derecho de decir que no le gusta, no hay ningún problema, pero a nosotros nos encanta, y cómo no, creemos firmemente que es la mejor hasta la fecha.

Por cierto. "Som" es vuestro tercer disco. Tres discos formados por seis temas cada uno. ¿Os ha salido una trilogía por casualidad o lo teníais pensado ya al editar vuestro primer disco? ¿Y después de cerrar esta trilogía, qué nos espera en VIDRES A LA SANG? ¿Una nueva trilogía?

Es algo que se me ocurrió justo al término del primer disco. Pensé que hacer una trilogía de tres discos con seis temas cada uno era el mejor homenaje al disco que me casó con el Heavy cuando era un niño, el "Number Of The Beast" de IRON MAIDEN. Fue mi primera cinta, me la regaló mi padre cuando tenía 7 años porque me puse pesado y la quería sin saber por qué (creo que pensaba que era una cinta de cuentos), por aquel entonces traducían en la carátula el título al castellano. Si esta cinta no hubiera caído en mis manos en su día cuando era un crío, VIDRES A LA SANG no existiría probablemente, quien sabe, en todo caso me gusta pensarlo así (Risas).

También habéis vuelto a confiar en Xtreem Music para editar este nuevo trabajo, como con los dos previos (aunque en realidad el debut lo editasteis primero por vuestros propios medios). ¿Sigue siendo vuestra primera opción o habéis estado mirando otras formas de editar "Som", antes de que Xtreem lo anunciara? Además, si mi memoria no falla, os vais a convertir en el primer grupo del sello que edita más de dos discos con Xtreem. ¿Sois un "buque insignia" para ellos o es pura casualidad?

Xtreem ha sido siempre nuestra primera opción porque en realidad son los únicos que han apostado realmente por nosotros. Hemos contemplado otras opciones naturalmente, pero a mí personalmente me gusta trabajar con la misma gente de siempre, la gente que me aprecio, con sus virtudes y defectos, porque creo que esto también ayuda en su medida a que VIDRES sea el grupo que es y mantenga rasgos distintivos que le den una personalidad definida. Si te fijas, hemos trabajado en los tres discos con la misma gente en su mayoría, mismos músicos, mismo técnico de sonido, diseño, sello, es algo que me gusta, aunque ya veremos que se depara en el futuro. En cuanto a buque insignia pues no creo, Xtreem dispensa un trato muy igualitario entre todas sus bandas lo cual para unos puede ser una virtud y para otros un defecto, depende de la política de cada sello. Nosotros lo único que podemos decir es que estamos muy agradecidos al sello que nos ha dado a conocer a la gente sin el cual pues igual no estaríamos realizando esta interesante entrevista. Y en cuanto al ser el único grupo hasta la fecha que ha realizado un tercer disco con ellos sólo decir que es un auténtico orgullo aunque pueda ser sólo casual.

Revisando tu MySpace personal, Eloi, me ha llamado la atención tu transcripción de La Sabata, un poema del escritor Josep Palau i Fabre fallecido hace poco más de un año. ¿Por qué esa elección? Un poema a medio camino entre el deseo y el grito contra el disimulo y los formalismos, parece que con bastante carga autobiográfica. ¿Has leído otros escritos de este autor? ¿Qué opinas de él?

Me sorprendes y me asustas con la carga autobiográfica (Risas). De Josep Palau i Fabra no conozco gran cosa, pero este poema lo descubrí en casa de mi madre, quien tiene afición a colgar poemas por las paredes de la entrada de casa, y me pareció profundamente revelador. Es un poema con el cual me siento plenamente identificado porque creo a nivel personal que mis "problemas" y también el de muchos hombres con las mujeres, han venido por una razón más bien sociologicopatológica que no porque ellas hayan sido mi problema. Y sí, es cierto, una vez me fui de putas por la misma razón que expresa el autor en su poema. Hombres y mujeres deben relacionarse con más naturalidad y sin miedo a afrontar las presiones y mentiras autoimpuestas de la sociedad, y afortunadamente en este aspecto se avanza, y creo que nuestros hijos ya no tendrán que sufrirlo. Muchas veces me he mostrado hastiado de cuanta hipocresía y falsedad he tenido que mostrar para echar un triste polvo, es algo que me deprime y daña mi orgullo y pisotea mi capacidad de raciocinio. El catolicismo ha hecho mucho daño a nuestra cultura de sexo y a veces me he sentido exactamente como el poema refleja. Y me parece un poema de una lucidez aplastante sobre la condición masculina esclava de sus instintos más primarios, para convertirla en un ejercicio de dignidad, ya que al fin y al cabo, Josep Palau i Fabra, de lo que habla, es de no separase de su propia condición, y lo que es triste, es que el ser humano, se empeña justamente en lo contrario con falsas apariencias, mucha hipocresía y una fuerte carga religiosa en nuestras conciencias. Quizá haya chicos que digan que esto son sandeces porque se han hinchado a follar sin tener que dejar de ser ellos mismos, y de antemano te digo que muchos de ellos mienten, y a los otros solo felicitarles porque yo, aun no habiendo sido un muerto de hambre, no he tenido dicho privilegio (Risas).




Lo anterior me sirve para enlazar con vuestros orígenes, vuestro primer disco, donde usabais poemas de Martí i Pol como lírica para vuestros temas. En "Endins", sin embargo, sólo "Torna Al Teu Clos" fue elegida como continuidad de esta faceta, siendo vuestra la autoría del resto de las letras. No obstante, la lírica oscura y desgarrada de Martí i Pol, que tanto te influyó personalmente tras la muerte de tu padre, seguía siendo patente en vuestros temas originales. ¿Es una liberación para vosotros escribir y destaparos a través de VIDRES A LA SANG? ¿Ayuda escribir a afrontarse uno mismo cada día como si se estuviera ante un psicoanalista? ¿Sentís, como un poeta, que vuestra alma está en cada canción? ¿Sigue siendo VIDRES A LA SANG un "desafío a la muerte", como en más de una ocasión os habéis definido?

Por supuesto, y es que escribir para VIDRES A LA SANG es una forma de liberación de los sentidos, inquietudes, dudas, la búsqueda de la verdad interior a través de la experiencia vivida. Y sí, tiene algo de terapéutico porque al fin y al cabo es un enfrentamiento directo a tus miedos y cuando les hablas de tú a tú, sientes un enorme alivio, al margen de que es nuestra manera de identificarnos al máximo con lo que hacemos y creérnoslo, así que seguiremos desafiando a la muerte, y como no a la vida que tantos interrogantes nos plantea.

Además siempre he dicho (y ya te lo comenté la última vez) que vuestras letras, y particularmente las de vuestro debut de Martí i Pol, influían en la musicalidad de VIDRES A LA SANG, pues os adaptabais a una métrica determinada. No obstante, mi pregunta ahora va hacia otros derroteros, y es la importancia específica que tiene cada elemento en vuestros temas ¿Es letra y música un todo en VIDRES A LA SANG o hacéis hincapié en uno de los dos elementos en especial? ¿Hay algún momento para la improvisación en vuestro proceso creativo, o todo está atado y bien atado?

Absolutamente. Música y letra son inseparables en VIDRES A LA SANG. Es un todo que no hay que obviar durante el proceso de escucha ya que de otro modo es imposible disfrutarlo plenamente o si lo prefieres de la manera que nosotros quisiéramos llegar al oyente. La improvisación es una palabra ambigua y con varias lecturas porque es necesaria durante el proceso creativo, ya que cuando compongo en mi cabeza tengo que improvisar para dar pie a una idea sobre la que trabajar, pero respondiendo a lo que creo que te refieres te diría que no hay margen en absoluto para ella, o bien muy poca cuando la idea está definida y se trabaja para entrar en estudio.

¿Cómo describiríais líricamente "Som"? Particularmente estoy muy asombrado por una letra, "Esclaus de La Modernitat"… más clara imposible. Precisamente, me parece que VIDRES A LA SANG no tenéis las nuevas tecnologías como una prioridad, en el sentido de que vuestra web no suele estar muy actualizada, nada más que para las noticias fundamentales y el MySpace tampoco. ¿Piensas que hoy en día los grupos son esclavos de esta forma de promoción? ¿Podría sobrevivir un grupo / músico sin echar mano de la herramienta de internet para darse a conocer?

Líricamente “Som” es más amplio y mejor escrito técnicamente que “Endins” en determinados puntos. “Som” se centra mucho en el “nosotros” como colectivo, y el “yo” como el individuo delante del confesionario. Obviamente volvemos a tocar todos los temas que circundan la condición humana en la sociedad que nosotros vivimos y “Esclaus…” es un tema que tenia muchas ganas de hacer porque en realidad siempre somos esclavos de algo, el decir: “no estamos tan bien como quieren hacernos ver desde arriba”, el concepto de esclavitud hoy en día esta “técnicamente” erradicado, aunque todo forma parte de un entramado mucho más complejo que nos convierte en esclavos del sistema por mucho que este nos invite bajo un aparente mundo de libertad y libre consumo. Sobre la web, pues tienes razón aunque esto es básicamente porque nos manejamos fatal en estos menesteres (Risas) pero sí, tienes razón, vivimos en una época en la que si no cuidas el continente, nadie se fija en tu contenido. En este aspecto hemos tenido la suerte de ver que la gente aprecia lo que hacemos a pesar de nuestra poca competencia para el mundo de la red y la tecnología en general.

Como uno de los padres de la criatura, y aunque a los músicos no os suele gustar hablar de las interpretaciones personales de vuestras obras, ¿Destacarías alguna otra letra como especialmente dura, explícita o introspectiva, especial en definitiva para tí?

Te diría que sin duda “A l’ombra” es la mejor letra o poema que he escrito. Es un poema que trata sobre la culpabilidad, y este es un tema que en los últimos años me ha interesado mucho ya que es un fenómeno que raramente solemos llevar con dignidad. Las sociedades judeocristianas están fuertemente marcadas por el sentimiento de culpa y mucha gente suele protegerse hasta la irracionalidad y la imbecilidad con tal de no reconocer sus propios errores y eso es algo que ha madurado mucho mi personalidad, por propia experiencia, y por la de gente muy cercana que me rodea. Este fenómeno ha marcado muchas decisiones importantes en mi vida y por esto le doy a este poema una importancia especial, pero también porque creo que muchísima gente podría hacerlo suyo enfrentándose a sus propios demonios.

¿Habéis pensado en volver a incluir algún poema catalán no propio como temática en alguno de vuestros temas? No me refiero sólo a Martí i Pol, sino por ejemplo al propio Josep Palau i Fabre u otros autores catalanes como el gran Jacint Verdaguer, el desaparecido muy joven, Joan Barceló, Joan Brossa (su poema "Final", a pesar de ser tan explícito, encajaría a la perfección con vuestro estilo extremo), Narcís Comadira ("Boca Seca" por ejemplo, encajaría muy bien también)…

Tus sugerencias son más que sugerencias ya que todos ellos son grandísimos autores, y por supuesto no nos cerramos a nada pero es algo que afrontaremos cuando retomemos un proceso de composición para el cuarto álbum que de momento no tenemos ni idea de lo que puede ser, ni nos lo hemos planteado. Hay mucha poesía que puede encajar en la temática y estilo de VIDRES A LA SANG, pero te digo de antemano que la tendencia general desde “Endins” en adelante es la de escribir nosotros la mayoría de las canciones ya que nos sentimos capacitados para hacerlo y aportar cosas interesantes.

Siguiendo con el tema literario, antes hablaba de "No Tornaré A Ser Jove" y me ha llamado la atención el título. ¿Os inspirasteis en el poeta catalán de adopción, Gil de Biedma, que tiene un poema de igual título en castellano? ¿Qué significa este tema, tan desgarrador y misterioso como los efectos apocalípticos que su sonido incluye?

Bueno, para empezar, decirte que es una traducción literal hecha por nosotros del poema original en castellano “No volveré a ser joven” al catalán y que es otro poema que está en el recibidor de casa de mi madre. Un poema corto, contundente y emotivo que siempre me ha encantado y encaja a la perfección con nuestra visión muchas veces existencialista de las cosas. Reseñar también que este tema esta compuesto musicalmente por Albert y que es su primera incursión en la composición de VIDRES y que abre nuevos horizontes que darán frescura a la propuesta musical del grupo, y que nos encanta, es un tema especial con un groove muy particular. Luego quiero aclarar que en medio hay una especie de interludio con unas atmósferas inquietantes y el hecho de que no haya silencio en el disco puede llevar técnicamente a confusiones. En realidad “oficialmente” el disco acaba ahí pero incluimos un tema extra al final del disco solapado que es ” Mireume Bé, Sóc l’ altre” que no es más que una despedida al legado Martí i Pol en clave de tema escondido que queríamos regalar a quienes nos han seguido desde el principio. Lo que pasa es que suena como parte de “No tornaré a ser Jove” y puede parecer que es un interludio del mismo tema pero no, es otro tema distinto, un “bonus track” para entendernos, y que nos hacia especial ilusión hacer.

Estas letras, vuestra iconografía y paintcorpse en directo: "negre destí, roja venjança", la música… ¿creéis que gran parte del éxito de crítica y público también que tiene VIDRES A LA SANG es debido a una fuerte personalidad que se sale de lo mismo de siempre y que es muy difícil de encontrar hoy en día? Sinceramente, el hecho de que haya gente que diga que no le gustáis en absoluto, y otros que os alabemos tanto, es un dato a tener en cuenta: eso significa que no dejáis a la gente indiferente y que es difícil encontrar otro grupo de propuesta similar. ¿Falta realmente riesgo y algo propio que decir entre los grupos actuales?

Seguramente falta riesgo y esfuerzo para intentar sorprender, porque una cosa es recoger influencias para definir tu personalidad y la otra es simplemente acoplar modelos ya establecidos y repetirse como el ajo. Yo creo que no hemos inventado nada, pero sí que nos esforzamos para no ser unos más que tocan tralla, queremos aportar ideas que regeneren la música que amamos que es la Metal en general, pero ésta, bajo la responsabilidad de quienes la tocamos debe ser permanentemente puesta en entredicho con la imperturbable voluntad de mejorar lo que ya esta hecho, no repetirlo, y eso requiere un gran esfuerzo. Y por supuesto lo importante es llegar a sugerir algo en el oyente, no importa que se hable bien o mal de ti, lo importante es que se hable, y si se hace, es que vas por buen camino.

Lo anterior no significa que VIDRES A LA SANG no tenga influencias. Siempre habéis citado la tríada IRON MAIDEN (algo que se ve en los solos y armonías), MORBID ANGEL (no tan evidente, más que en la densidad estructural y el esqueleto de los temas) e IMMORTAL (por la unión de épica, y elementos Black y Death). Pero, ¿pensáis que os pueden influir otros grupos? Yo particularmente añadiría DISSECTION, por la frialdad de las guitarras. ¿Qué opinas?

Sin duda nos influyen un montón de grupos más y DISSECTION es naturalmente uno de ellos sobretodo a nivel armónico, a nivel estructural te añadiría METALLICA de los buenos tiempos, y de los modernos pues GOJIRA, TOOL o incluso OPETH aunque no sean santo de mi devoción. Todos estos grandes grupos me sirven para inspirarme y coger de ellos los elementos que me interesan pero nunca para copiar su modelo.

Aunque te diré que lo que más ha influenciado mi manera de componer música fue haber tocado con un músico retirado llamado Xavi González con quien compartimos varios proyectos durante nuestra adolescencia que actualmente es un reconocido pintor, y es el mayor artista que he conocido, y que es una lástima que el mundo de la música no haya descubierto, tenia un potencial ilimitado.

¿Escucháis mucha música a diario y absorbéis parte de ella o sois como esos que dicen que no escuchan más que clásicos para no contaminarse, porque no tienen interés en la música de hoy en día? Lo que sí he visto, volviendo a tu MySpace personal Eloi, es que tus gustos son muy variados, pues citas entre tus gustos no metálicos desde Bjork, pasando por Johnny Cash y Leonard Cohen, Camarón y hasta la apacibilidad de Loreena McKennitt. ¿En la variedad está el gusto? Personalmente me gusta ver unos gustos tan amplios y no ocultados, demuestra un amplio bagaje y verdadero amor por la música.

Escuchamos todo cuanto podemos y nos guste indistintamente del estilo. Somos de los que pensamos que sólo existen dos tipos de música, la buena y la mala, y por supuesto de las dos hay un montón en todas partes y todos los estilos, es solo cuestión de gustos. Los últimos años he disminuido mucho mi consumo de Metal entre otras cosas porque me hago mayor y porque en este aspecto cada vez menos grupos me sorprenden, aunque siempre hay increíbles sorpresas como el último de MASTODON pero en cambio en otros estilos encuentro aire fresco y no estoy tan encorsetado por una serie de clichés o necesidades.

Cambiando radicalmente de tema, he visto también en tu espacio personal que te gusta el cine y pones un buen número de clásicos y buenas películas, pero citas bastantes films de Stanley Kubrick. En tu opinión, ¿cuál fue la cumbre de este cineasta? ¿Qué piensas de su última película, no acabada por él mismo, "Eyes Wide Shut"? ¿Se le dio demasiado morbo a la trama y no se logró ver la frialdad de la mirada de Kubrick como en el resto de su filmografía? ¿Qué otros directores de cine y películas te parecen fundamentales?

Es muy dificil decir cual es la mejor película de Kubrick pero quizá para mi la más ambiciosa y más trascendente por su mensaje es "2001", una obra de arte insuperable. “Eyes wide Shut” me parece otra maravilla y una mirada lúcida y oscura sobre la sexualidad del hombre y la mujer. Actualmente mi director predilecto es Michael Haneke que con obras como ” Caché”, “La pianista”, o la increíble trilogía que comprende las películas “El séptimo continente”, “Benny’s video”, y “71 fragmentos de una cronología del azar” ha calado hondo en mi manera de pensar sobre el ser humano. Para mí es un director que va más allá de la expresión cinematográfica que de por sí es excelente, pero es que cada película suya es un maravilloso interrogante desestabilizador y muy enriquecedor si uno quiere penetrar en su universo. Lars Von Trier también es uno de los grandes sin duda y tengo muchas ganas de enfrentarme a su última película “Antocristo”.

Volviendo a VIDRES A LA SANG. "Som" ya ha nacido y ahora toca moverlo por la carretera. ¿Tenéis en mente ya alguna gira o algún concierto a la vista? De todas formas no sois un grupo que os prodiguéis mucho. ¿Es difícil compaginar la actividad en directo, con vuestras vidas diarias?

Si que es difícil porque no vivimos de esto, esta claro, y con los curros, a veces es jodido compaginarlo pero pronto anunciaremos una gira con FOSCOR para Diciembre que nos hace una ilusión tremenda.

GOREROTTED, PUNGENT STENCH… y hace no mucho NAPALM DEATH. A la hora de tocar en directo con bandas extranjeras, parece que el destino se ha aliado para que sean viejas glorias del Death y el Grind más enfermizo y alejado de vuestros patrones estilísticos. ¿Cuál de esas tres bandas os ha sorprendido más en directo? Curiosamente, ya sólo queda "viva" NAPALM DEATH… vais a tener fama de ser el origen de una maldición que acaba con su disolución cuando sois teloneros de otra banda extranjera (espero que con ND no se cumpla)… y teniendo ya una experiencia, ¿recordáis algún concierto como especialmente complicado o inolvidable tanto en el buen sentido como en el mal sentido del término? ¿Os gusta actuar en directo u os genera mucho estrés?

No tenemos grandes anécdotas que contar sobre conciertos porque no tenemos excesivo bagaje en este sentido, pero la verdad es que la gente que nos trató mejor y con quien lo pasamos en grande fue con SUFFOCATION, unos tíos super majos y cómo no, unos monstruos en directo. Sobre las tres bandas de las que hablas no son ninguna referencia especial para nosotros pero sí que es un honor haberles teloneado ya que son grandes bandas de su género, sobretodo NAPALM DEATH, de quien por cierto recibimos una felicitación después del show de Shane Embury, no sé si lo dijo por cortesía o qué, pero me sentó de bien que no veas (Risas) ¡fue todo un halago!

Te lo dije la última vez que hablé contigo, e insisto ahora. Las veces que os he visto en directo, siempre me ha llamado la atención el ver a vuestras familias cámara de vídeo en mano no perdiendo detalle y con sonrisa de oreja a oreja. ¿Qué piensan ellos de "Som"? ¿Son vuestras familias partícipes de alguna manera en la creación de un nuevo disco?

Bueno, ellos no comprenden muy bien nuestra música ya que pertenecen a otra generación, pero saben que vamos en serio y disfrutamos con ello, y por eso se sienten orgullosos siempre que vienen a vernos, porque lo que hacemos, lo hacemos con pasión, y supongo que nada enorgullece más a unos padres que ver a sus hijos en cuerpo y alma a una causa noble como la música. Y sí, nuestras familias son partícipes aunque sea de manera indirecta de nuestra música, nos han ayudado tanto económicamente, como anímicamente, como espiritualmente y sin ellos VIDRES no existiría así que a ellos también se lo debemos todo.

Bueno, con esto ya no te doy más trabajo, que creo que me he dejado llevar por muchas inquietudes y estarás harto de mis preguntas. Muchas gracias de verdad por tu tiempo y tus respuestas, y ahora, te dejo todo el espacio que tu quieras para que saludes a nuestros lectores y les digas todo lo que desees. ¡Mucha suerte!

Agradecerte esta maravillosa y densa entrevista Raúl que ha sido un auténtico placer responder, y sólo decir a la gente que vaya a afrontar nuestro nuevo disco “Som” que por favor haga el esfuerzo de escucharlo entero la primera vez y tenga la paciencia suficiente para digerirlo, ya que se trata de una obra muy densa que necesita de varias escuchas. Dar las gracias a quienes confían y creen en nuestra música y desearos que disfrutéis de nuestra más reciente creación del mismo modo que nosotros lo hacemos. ¡Esperamos veros pronto en el escenario!



(Entrevista publicada originalmente en: http://www.xtreemmusic.com)

Entrevista a VIDRES A LA SANG (parte I): "Endins", la venganza se sirve rojo sangre...


ENTREVISTA A VIDRES A LA SANG TRAS LA SALIDA DE ENDINS (Octubre de 2007)

Desafiando a la muerte

Hablar de VIDRES A LA SANG es hacerlo de una de las bandas más prometedoras de España. Con dos discos a sus espaldas, “Vidres A La Sang” y “Endins”, su fascinante mezcla de Metal Extremo, épica y melodía Heavy, ha cautivado a muchos convirtiéndose en uno de los grupos más apreciados por el público extremo e incluso algún que otro oyente casual de estos géneros. Con un sonido cada vez más propio, y desligándose líricamente del poeta Martí i Pol del que cogieron prestados sus poemas en su primer disco, la banda catalana, a través de su cabeza pensante Eloi, contestó amablemente a nuestras preguntas. Por fin, tras un tiempo persiguiendo esta entrevista, tenemos el resultado en forma de un amplio repaso a la música, las letras y la filosofía de VIDRES A LA SANG. ¡Deja que el rojo y el negro musical del grupo de Terrassa invadan tu entorno!



Para los lectores de RockTotal que aún no hayan tenido oportunidad de escucharos, ¿qué es VIDRES A LA SANG para vosotros?

VIDRES A LA SANG es desde hace 5 años nuestra vida, nuestra manera de respirar y desconectar de la vida cotidiana, de nuestros trabajos, de nuestras frustraciones,  básicamente VIDRES A LA SANG es pasión por la música. Nos encanta la música y nos reunimos desde entonces para disfrutarla e intentar mejorar con el tiempo y con esfuerzo. Nunca hemos tenido metas más allá de disfrutar con lo que hacemos así que no hay objetivos materiales que perturben nuestro camino, de modo que la existencia de esta banda depende única y exclusivamente de que nos satisfaga lo que hacemos al cien por cien, al margen de una amistad muy arraigada que hay entre nosotros.


Una de vuestras señas de identidad en el primer disco homónimo de la banda eran los poemas de Miquel Martí i Pol. En “Endins” sólo habéis escogido un poema para una de las letras, en “Torna Al Teu Clos”. ¿Qué significa para vosotros la lírica de este escritor catalán ya fallecido? ¿Cómo entrasteis en contacto con su obra?

La lírica de Miquel Martí i Pol ha sido muy inspiradora en nuestros inicios y ya no tanto más adelante. El motivo es que a raíz de la muerte de mi padre necesitaba respuestas que calmaran mi vacío espiritual, y el caso es que un poema del autor que tenía mi madre colgado en el recibidor de casa al que jamás había prestado atención, concretamente “el més dur sempre guanya”, me ayudó mucho a racionalizar el sino de nuestra existencia y de paso aliviar mi dolor. Fue una revelación tan impactante que opté por rendirle homenaje en prácticamente todas mis composiciones para el primer disco. En el segundo disco quise solo incluir un poema suyo puesto que el segundo disco ya no venia marcado por las mismas circunstancias y llegué a la conclusión de que debíamos encontrar nuestra propia identidad lírica, si bien su influencia ha sido y será notoria. También debo decir respecto a los inicios de que la idea de cantar en catalán la llevábamos en la cabeza y que fracasé en mis primeros intentos, así que encontrarme con el poema fue una especie de aparición mística que justificó lo que vino a continuación.


Algunos pensábamos que vuestro particular sonido venía de que adaptabais la música a las letras y la acentuación de los poemas y no al revés. ¿Es esto así, primero pensáis la letra y luego la adaptáis a la música?

Alguna vez lo hemos hecho así pero ha sido en raras ocasiones. La manera en que suelo trabajar es primero centrándome en la composición musical y según lo que ésta transmite se le adapta un tipo de lírica u otra. Para los poemas en teoría tenia que ser tarea difícil ya que no tenia porque coincidir la métrica pero creo que logramos bastante bien encajarlos, es curioso porque muchas veces hemos dicho o pensado que aquellas canciones estaban predestinadas a musicar aquellos poemas.


Me he dado cuenta de que tanto en los poemas escogidos de Martí i Pol como en vuestras propias letras, el tema de la muerte, abordándola desde una visión muy introspectiva y casi mística, está muy presente. En vuestra propia web describís a VIDRES A LA SANG como un “desafío a la muerte” ¿Tratáis de reflejar los temores del ser humano ante su propio final?

Sin duda alguna. Supongo que también lo que te he contado en mención al fallecimiento de mi padre ayuda a entender el mensaje de VIDRES A LA SANG como un grupo lleno de vida y emoción dispuesto a luchar siempre desde la racionalidad y la intensidad y no desde la fe o la mentira. La muerte en nuestra sociedad está lamentablemente muy ligada a la religión que hace un daño inmenso a nuestra capacidad de raciocinio. La muerte no tiene porque ser una tragedia, quiero decir, llorar una pérdida es absolutamente normal, y tener miedo también, pero convertir un proceso natural del individuo como la misma muerte, o nuestras dudas existenciales en un circo como el que monta la iglesia, del cual se hace incluso negocio, me parece un hecho tan deleznable como denunciable.


También he visto, sobre todo en las composiciones de “Endins” un sentimiento de cierta rebeldía contra los que no viven la vida sino que la destrozan. “Els Limits De La Creació” creo que refleja bastante bien lo que trato de describir ¿no?

Bueno, debo admitir que “Els límits de la creació” es un poema bastante confuso ya que utilicé un vocabulario un poco retorcido intencionadamente, ya que la canción es retorcida en su elemento. Has acertado mucho más de lo que mucha gente ha interpretado sobre esta canción. En esta letra quienes hablan son unos padres a su hijo recién nacido que representan un arrebato de sinceridad brutal y le explican la mediocridad en la que lo van a convertir fruto de los estereotipos, banalidades y presiones de nuestra sociedad para reflejar las carencias que existen en nuestra educación como seres humanos. Es una metáfora irónica sobre nuestra creación por antonomasia, nuestros descendientes, y sus limitaciones, es decir, como destrozamos las vidas de nuestros hijos inculcándoles solo bazofia. Y no lo digo por experiencia personal (risas) es una manera de ironizar sobre una sociedad que creo que va de mal en peor, tanto en la educación como en el espíritu colectivo.




Por su parte “Negre Destí, Roja Venjança” e “Identitat” reflejan cierta inquietud por la defensa de las propias raíces, letras que me parece son muy acordes con la épica de vuestros temas. ¿Qué significan para vosotros estos temas, en especial el primero donde hacéis clara alusión a vuestro “paintcorpse” en directo, negro y rojo?

“Negre destí…” es un tema épico, muy identificable en el estilo de VIDRES A LA SANG que habla de la condición innata que existe en el ser humano para estar permanentemente en guerra, en conflicto, la escribió un buen amigo nuestro y creo que es muy enérgico. Es verdad que es un tema que representa nuestras raíces y nuestra imagen que explicaré en la siguiente pregunta.

“Identitat”, es un tema más oscuro y lento, si bien también hay terreno para la épica y habla de la visión que tenemos de una sociedad que progresa en forma de decadencia. Y que nuestra identidad como seres humanos que somos, representa una fosa que estamos cavando muy lentamente entre todos.


El diseño de vuestros libretos, los maquillajes en directo... siempre el rojo y el negro están presentes en vuestra imagen. ¿Por qué esos colores? ¿Es el aspecto visual tan importante como el musical o lo tenéis como un complemento más?

El rojo simboliza la vida, la sangre, el espíritu, la guerra, la emoción, el amor, la épica… y el negro representa la muerte, el vacío, la desolación, la tristeza etc…Hemos querido simbolizar mediante estos dos colores la suma de los factores que determinan nuestra existencia y desaparición. La imagen creo que es muy importante si quieres manifestarte más allá de la música en sí. La imagen no es importante para la música pero sí es importante para el global del espectáculo que ofreces y para  invitar al oyente a sentir más curiosidad por lo que haces.


En el terreno estrictamente musical, he apreciado una evolución muy clara entre “Vidres A La Sang” y “Endins”. Además de la mejora del sonido, el componente épico está mucho más presente y ha aumentado la variedad de las estructuras. También veo que Albert tiene un papel más predominante en el aspecto solista. ¿Qué evolución apreciáis vosotros entre ambos trabajos?

Sin duda hay mucha evolución entre un disco y otro, y el reto es hacer exactamente lo mismo para el próximo, aunque obviamente, cada vez será más difícil. La épica ha cobrado mayor protagonismo para éste disco y las estructuras son bastante más ricas en todos sus ámbitos. Albert ha hecho un trabajo sensacional en los solos ya que ha adquirido en mi opinión mucha más personalidad en su manera de solear, al margen de que su contribución en los arreglos para este disco ha sido decisiva. La verdad es que nos sentimos muy orgullosos de lo que hemos hecho aunque ahora hoy día ya hay cosas que cambiaría. Estoy firmemente convencido de que nuestro mejor álbum aún tiene que llegar pues aún debemos crecer mucho como músicos y que nos faltan aún muchos conceptos, pero estamos en el buen camino.




Pienso que lo que mejor define vuestro sonido es que sin necesidad de usar grandes tecnicismos instrumentales conseguís desarrollar composiciones de amplia extensión, llenas de sensaciones. Temas como “La Terra I Tú” de vuestro debut o la agónica e intimista “Torna Al Teu Clos” condensan una gran tensión musical ante la que es difícil no reaccionar cuando los escuchas. ¿Estáis de acuerdo con esta apreciación? ¿Creéis que hay grupos que se fijan demasiado en el aspecto técnico y descuidan la transmisión de sensaciones?

Totalmente. Siempre he estado en contra de embarullar un riff porque sí. Creo que una canción para VIDRES debe tener un proceso, debe ser una historia que te cuente algo, y a veces es preciso echar mano de técnica pero por encima de todo está la estructura, la sensación que te queda después de haber terminado es lo que cuenta. Voy a hacer una comparativa un poco estúpida pero bastante clara con como cuando haces el amor. ¿De que te sirve follar con la tía más buena del mundo si no folla bien? ¿Verdad que lo que importa realmente es echar un buen polvo? Pues el polvo en este caso es la canción, y no el riff, ya que el riff no hace la canción y por si solo no tiene ningún valor. No me gustan los grupos que lo único que hacen es solapar riffs complicados con pegamento y se olvidan del conjunto global. Aunque también existen grupos que saben hacer riffs complicados y buenas canciones, al final, creo que acaban cargando por el sencillo hecho de que si no tienes márgenes de respiración durante una canción, el virtuosismo se acaba convirtiendo en mera rutina y acaba cansando porque no hay factor sorpresa. Yo creo que las canciones deben ser como las olas, que tengan su momento de creación, su punto álgido, su explosión, y su caída


Death Metal denso y pesado, Black Metal frío, Heavy en los solos y melodías... La variedad estilística de VIDRES A LA SANG es grande. ¿Cómo os definiríais vosotros?

Como tú lo has hecho. Es la mezcla de estos tres estilos, que son con los que hemos crecido, vibrado y aprendido. También hay un puntillo que definiría como peliculero o de banda sonora en nuestros temas a raíz de la épica que emanan los mismos, lo que pasa es que se puede no estar de acuerdo al no haber teclados o violines que lo identifiquen, pero yo creo que este elemento también está ahí.


Un poco de historia. Editasteis vuestro primer trabajo “Vidres A La Sang” por vuestra cuenta y riesgo. Uno de los temas del citado trabajo, el ya citado “La Terra I Tú”, lo promocionasteis a través de uno de los recopilatorios de Xtreem Music. Y pocos meses después el propio sello madrileño de Dave Rotten os reeditó el trabajo. ¿Fue así como Xtreem se interesó por vuestra música, a través del tema que le ofrecisteis para el recopilatorio? ¿Estáis contentos con el trabajo que está realizando el sello desde entonces?

La verdad es que le mandamos una copia a Dave porque Mr. Ax, el productor, nos dijo que seguro que le gustaría. Nosotros íbamos a autoeditarlo igualmente porque nos hacia ilusión tener el disco y no queríamos malbaratar aquel momento estando a la expectativa de si una discográfica nos decía si valíamos para esto. Le mandamos una copia del CD entero y en efecto le gustó, de manera que al cabo de unos meses nos hizo una oferta de reedición y para otro disco más. Estamos muy contentos con el trabajo que hizo al principio, ya que de no ser por ellos, nuestra música no hubiera llegado a tanta gente, pero luego con el segundo surgieron problemas que no nos dejaron nada satisfechos. No obstante, con Dave tengo muy buena relación personal, una cosa no quita la otra.


Dado que ya ha pasado un año desde la edición de “Endins” podéis hacer balance. ¿Os está dando buenos resultados el disco en cuanto a ventas, promoción, os conoce más gente...? ¿Qué cambiaríais de “Endins”, con qué no quedasteis contentos?

En cuanto a ventas sé que es de los discos que más se han vendido en el sello pero no tengo cifras concretas, y en cuanto a promoción, las cosas fueron mejor en el primer disco la verdad, aunque no nos podemos quejar.

De “Endins” cambiaria algunos aspectos técnicos en el proceso de grabación en el que tomamos decisiones erróneas que con el tiempo nos hemos dado cuenta de que hicimos mal; hay cosas de las que no te das cuenta hasta que pasa el suficiente tiempo como para recuperar objetividad. En cuanto a composición hay alguna parte que no me convence y que creo que deberíamos haber sido un pelin más autocríticos, aunque son detalles de no demasiada gravedad.

De todos modos, como ya te he dicho, es un disco del que estamos muy orgullosos y que nos ha costado mucho esfuerzo y dedicación.



Carles, vuestro anterior batería, aún estuvo presente en la grabación de “Endins”, pero luego dejó el grupo y entró Alfred Berengena de BAALPHEGOR en la banda. ¿Fue dura la marcha de Carles, más siendo uno de los fundadores de VIDRES A LA SANG? ¿Cuál fue el motivo si se puede saber?

Carles dejó la música, o mejor dicho, dejó la vida de grupo con las responsabilidades y disponibilidad para el trabajo que esto conllevaba. Tomó la decisión de apartarse de este estilo de vida y dedicarse profesionalmente a las cosas que le tenían más preocupado, que era su vida laboral. Es una decisión que hemos respetado, pero que obviamente fue muy dura de asimilar, no solo por su nivel, sino por la fuerte personalidad como músico que tenia y por la gran amistad que existe entre nosotros. El tiempo ha ayudado a curar su ausencia, al margen de que encontramos un recambio de garantías como Alfred Berengena.


Pude veros hace relativamente poco junto a PUNGENT STENCH y la verdad es que con Alfred el aspecto visual de la banda es aún mayor porque ese pedazo de batería enorme que coloca en el escenario impresiona, y la forma de tocarla más aún... ¿Cómo entrasteis en contacto con Alfred, porque tengo entendido que al principio era sólo músico de sesión para los conciertos?

Así es. Alfred Berengena en un principio tocó algunos conciertos con nosotros para echarnos un cable como baterista de sesión, pero la verdad, es que después de trabajar con él, nos dimos cuenta de que podía aportar muchas cosas a la banda y de que lo consideraríamos uno más siempre que él se sintiera identificado con el proyecto, y así fue. No hay duda de que grabará con nosotros el próximo álbum y puedo decirte que es el músico más impresionante con el que he tenido ocasión de tocar.


Retomando el tema de las actuaciones en directo, en Madrid habéis estado un par de veces que yo recuerde. La primera con AVULSED y GOREROTTED y la segunda, de nuevo con el grupo británico y con PUNGENT STENCH. ¿Qué recuerdos guardáis de estos dos conciertos? ¿Qué otras actuaciones recordáis con más cariño?

De Madrid guardamos un gran recuerdo de las dos ocasiones, la gente es muy abierta y amable, y nos hemos sentido como en casa. Aquí tenemos muchos amigos y volver pronto sería un enorme placer ya que nos sentimos muy a gusto y muy apoyados. La verdad es que son de las actuaciones de las que guardamos mejores recuerdos, así como en Mallorca o en Suiza, Barcelona etc… y por supuesto en Terrassa, nuestra ciudad.


¿Están tan locos los miembros de GOREROTTED fuera como en el escenario? Lo digo porque aún está grabado en mi memoria el concierto junto AVULSED en el que uno de los componentes de los británicos saltó al escenario como su madre lo trajo al mundo...

Sin duda están muy pirados, y reconozco que son muy graciosos, beben como si de hooligans se tratara. Son buena gente, aunque no me siento muy identificado con su manera de divertirse, y que conste que yo también pillo mis borracheras, pero es que las de esta gente son sumamente exageradas, totalmente fuera de control, así que no es de extrañar que al año siguiente al saludarles no se acordaran de nosotros… aunque cuando nos pintamos en el backstage se les refrescó la memoria (risas)


Una curiosidad, en los dos conciertos que he citado vuestros en Madrid, pude ver algunos de vuestros familiares con cámaras de fotos y vídeo entre el público. Era curioso porque resaltaban en medio de tanto “metalhead”. ¿Vuestras familias son un apoyo muy importante en la música que hacéis? ¿Les gusta vuestro sonido?

Bueno, nuestras familias nos apoyan mucho en la medida de lo que pueden, pero no son seguidores de la música metal. Simplemente respetan y apoyan lo que hacemos porque saben que hacemos algo que amamos, que es sano, constructivo, y que aunque no entiendan muy bien lo que suena, se lo pasan pipa en nuestros conciertos, así que siempre que pueden, vienen para darnos ánimo, y eso a nosotros nos encanta.


Y en los próximos meses, ¿qué planes de futuro tenéis para la banda: nuevo disco, conciertos...?

En Noviembre volvemos a dar una serie de conciertos en Catalunya pero no serán muchos ya que Alfred tiene numerosos compromisos y yo estoy aprovechando para seguir en la composición de nuevo material. Tengo material acabado pero queda muchísimo trabajo por hacer y es imposible decir cuando lo vamos a terminar, ya que no tenemos ningún tipo de prisa.


Muchas gracias por vuestro tiempo, si queréis añadir algo para los lectores de RockTotal, este es vuestro espacio:

Ha sido un auténtico placer responder esta entrevista, tanto por su extensión como por la calidad de las preguntas, muchas gracias por el apoyo, y para quien no conozca aún a VIDRES A LA SANG os dejo nuestros links: www.vidresalasang.com; www.myspace.com/vidresalasangofficial

(Entrevista publicada originalmente en: http://www.rocktotal.com)


martes, 21 de agosto de 2018

OPETH - "Watershed": en proceso de cambio.



Después de casi tres años vuelve OPETH, vuelve uno de los grupos cuya popularidad ha crecido enteros de manera exponencialmente en los últimos años, vuelve uno de los conjuntos más originales y propios del Metal contemporáneo, vuelve uno de los artífices de que aficionados al Metal Extremo, al Progresivo, al Metal en general se unan y confluyan en su aprecio por sus trabajos. Vuelve Akerfeldt y ahora más que nunca, demostrando que OPETH es él y una serie de músicos que lo acompañan desde que también el gran Peter Lindgren dejara el barco y ya sólo quede Martín Méndez de la última formación estable que se conoce en el seno de la banda sueca. Y el resultado de esta vuelta es “Watershed” un disco que lleva en el punto de mira desde que Mikael empezó a hablar sobre el proceso de composición del mismo. ¿Habrá seguido el mismo camino de “Ghost Reveries” que supuso el punto de desconexión definitivo con sus seguidores más veteranos? ¿Se producirá una nueva vuelta de tuerca en el sonido de OPETH? ¿Qué supone este séptimo disco en la carrera de Akerfeldt?

Me gustaría ir por partes y contestar una por una a estas preguntas, pero voy a optar por una descripción más “personal” de “Watershed”. Y antes que nada he de confesarme: me ha costado entre cuatro y cinco escuchas llegar a disfrutar del disco. Sí, no soy víctima de ningún tipo de virus o cambio de personalidad repentina, pero un admirador reconocido de OPETH como el que suscribe, ha necesitado varias escuchas para lograr de comprender y encajar “Watershed” en la carrera de Akerfeldt y compañía. ¿Motivos? Aunque el disco sigue siendo OPETH, cuesta reconocer a la banda en las estructuras de los temas. No es tanto el sonido, el cual mantiene la limpieza de “Ghost Reveries”, dando un protagonismo aún mayor a los teclados de Per Wiberg, que por cierto, es el gran beneficiado del nuevo rumbo de la banda, pues su papel en las composiciones es fundamental. Tampoco es que los elementos que siempre han estado presentes en la música de OPETH hayan cambiado: la magnífica voz gutural de Akerfeldt (cada vez más secundaria), en combinación con su versatilidad en las partes limpias, los riffs hipnóticos, las estructuras de raíz setentera... ¿Cuál es el cambio entonces? A mi modo de ver “Watershed” es un disco más arriesgado, más variado y, por extensión, más irregular que “Ghost Reveries”, y sin embargo, no hay que tomarse esto como un punto flaco del trabajo.


Llama la atención que “Watershed”, dejando a un lado la ampliación de su extensión en las ediciones limitadas del disco que contienen bonus tracks, en su formato normal, es el segundo disco más corto en la historia de OPETH desde el “My Arms, Your Hearse”. Estamos hablando de casi una hora de trabajo aún así, pero uno tiene la sensación de que podría haber entrado aún algún tema más que mantuviese la inspiración. Llama la atención también que la labor compositiva se ha vuelto más compleja que nunca: los temas siguen patrones más o menos definidos pero, sin llegar a los contrastes y antítesis de sus primeros discos, estamos ante uno de los discos más difíciles de escuchar del grupo sueco. Finalmente llama la atención el giro ya definitivo que Akerfeldt ha realizado en su fuente de inspiración hacia ámbitos sinfónicos y por momentos, casi psicodélicos. En definitiva, “Watershed” es un disco que sorprende, un trabajo que descoloca, pero que a la vez es evolución lógica en la carrera de OPETH, un paso más en su camino, en una banda que ha logrado sonar de manera única y no estancarse en ningún momento.

Si juntas lo bueno de “Damnation”, que vuelve a estar presente en los arreglos de los teclados y las ambientaciones de los temas, totalmente añejas, con un mellotron constante e inspiración Zeppeliana y Floydiana patente, con la línea abierta en el grupo con “Ghost Reveries”, en donde OPETH combinaba su faceta más oscura con una mirada cada vez más directa al Rock Sinfónico de los setenta, tendrás una descripción de lo que es “Watershed”. Los que busquen oscuridad, frialdad, producción cruda y lejana y agresividad contenida, que se vayan olvidando, pues Akerfeldt vuelve a confirmar en este trabajo que los tiempos (gloriosos por otro lado) de “Morningrise”, “Orchid”... se dejaron atrás, y sin renegar de ese pasado, ahora la música de OPETH se centra en otros aspectos, que podemos llamar, más eclécticos y elegantes, y en esta ocasión más sesudos y complejos. En mi opinión, y hablando de una forma objetiva, dejando a un lado mi mayor o menor fanatismo por el genio de Akerfeldt, “Watershed” es una especie de disco de maduración: continuista a la vez que arriesgado, pero sin que uno pueda sentirse decepcionado si le gustó “Ghost Reveries”. Para bien, o para mal, OPETH avanza en su camino y eso implica que sus detractores en los últimos tiempos no se reencontrarán con el grupo en este trabajo.



En total, siete composiciones conforman “Watershed”, y la sorpresa está asegurada desde la propia configuración del “tracklist” del disco: en vez de comenzar de una manera habitual, con el típico tema que pone toda la carne en el asador, Akerfeldt comienza relajado y sin prisas con un tema acústico, “Coil” en el que se hace acompañar de voz femenina. Un tema que, en condiciones normales serviría de “relleno” o “intermedio”, y por el que el grupo ha apostado para abrir el trabajo. Y después de varias escuchas, confieso que considero que la elección ha sido adecuada, pues “Watershed” comienza así donde lo dejó “Ghost Reveries”, de la misma manera fantasmal e intimista. No será hasta que comiencen las disonancias de “Heir Apparent”, tema que se puede considerar puramente OPETH, que el disco arrancará definitivamente, y aunque se pueda considerar un corte “típico” por las formas, su contenido va mucho más allá, experimentando con una pesadez y una contundencia, por momentos desgarrada, que es difícil de recordar en OPETH salvo quizás en algunos pasajes de “Deliverance”, pero todo esto sin dejar a un lado la delicadeza acústica, que sin embargo se queda en un segundo plano ante el final apoteósico.

El disco continúa con “The Lotus Eater”, el que podemos considerar “single” del disco, pues ha estado mucho tiempo como preescucha. Nuevamente la complejidad estructural sale a relucir en este tema, aunque aún más si cabe, debido a los constantes vaivenes por los que fluye. Sin duda es uno de los momentos que hay que tomarse con más calma pues es fácil perderse y en ocasiones uno tiene la sensación de ser golpeado por varios cortes a la vez. Lo mejor es el gran papel que Per Wiberg ejecuta, teniendo alguno de sus momentos más inspirados (con parte jazzística incluida). Lo peor, el agotamiento al que uno puede llegar tras una escucha detenida del tema. Veremos qué tal funciona en directo, porque no es para nada la típica canción que pueda enloquecer a una audiencia. Y así llegamos a “Burden”, en mi opinión el mejor tema de todo el disco, y eso que es “acústico”. En lo que podemos considerar un Blues rockerizado y cargado de atmósfera setentera, Akerfeldt utiliza unos registros limpios que nunca antes le había escuchado, haciéndome pensar en muchos momentos que me encontraba ante otro grupo. Wiberg vuelve a reivindicarse como el gran protagonista, Axenrot demuestra que no todo es exuberancia, Méndez, siempre presente aunque en un segundo plano, hace un gran papel, y el final, con los duelos entre Akefeldt y la reciente incorporación de Akesson en las guitarras, con desafinamiento consciente como colofón, convierte al tema en el punto culminante de lo que llevamos de trabajo.

Con “Porcelain Heart” experimentamos el momento de mayor oscuridad del disco, pudiendo recordar por momentos a lo que OPETH hizo en “Blackwater Park”, pasado por la batidora acústica de “Damnation”. Un tema envolvente, tenebroso e intenso unas veces, barroco y bien orquestado otras, que supone un descenso a los infiernos en medio de la claridad y el intimismo del que veníamos, y todo eso sin usar voces guturales, lo cual es todo un logro. Sin embargo, este corazón de porcelana particular se ve ensombrecido ante el otro momento culminante de “Watershed”, “Hessian Peel”, la composición más larga de todo el disco y la mejor estructurada: oscuridad fantasmal, hipnotismo, melancolía, nuevos aires bluesy (con un Akerfeldt demostrando su aprecio particular por este estilo en su forma de cantar), instrumentación cuidada hasta límites lo concebible, apoteosis musical, intensidad en la ejecución, aires Crimsonianos a punto de la esquizofrenia... A lo mejor no es un “clásico” para el grupo, pero no cabe duda de que la inspiración era máxima a la hora de componer este tema. Finalmente, volviendo a los terrenos más psicodélicos y setenteros, “Hex Omega”, cierra el disco de una manera sobresaliente, aunque dejando con ganas de más, con la sensación de que, como conscientemente este tema ha sido concebido, “Watershed” está inconcluso, aunque si miramos nuestros relojes habrá pasado casi una hora desde que comenzamos su escucha.

¿Dónde podríamos ubicar “Watershed”? No sabría decir si es mejor o peor que “Ghost Reveries”, pero desde luego este disco no es un adormecimiento en los laureles, es un paso más en el camino, un camino que cada vez aleja a OPETH más de su pasado, pero que no deja de demostrar el genio de un hombre, Mikael Akerfeldt, que mantiene su inspiración prácticamente intacta. El futuro de OPETH nadie lo conoce, no se sabe si alguna vez retomarán la estela que van dejando y volverán sobre sus huellas, o por el contrario, seguirán dejándose llevar por la marea que los empuja desde su creación. Sea cual sea la opción, “Watershed” contribuye a forjar la leyenda de un grupo que puede presumir de ser ellos mismos.

(Crítica publicada también en: http://www.rocktotal.com)

OPETH - "Ghost Reveries": siguendo adelante con algunas novedades



¡Por fin!, tras más de dos años de espera y con cambio de compañía incluido, vuelven ellos, los únicos e irrepetibles OPETH (y no soy José Luis Moreno...). Sedientos estábamos sus fans de que nos volvieran a regalar un disco, después de ese par de joyas que fueron "Deliverance" y "Damnation", el álbum acústico que a algunos les supo amargo y que a mí me encantó. Tuvimos que conformarnos con un DVD regularcillo (por el set list elegido, no por el sonido que es tremendo) para poder saciar nuestro mono de OPETH.

Pero toda espera paciente tiene su recompensa en forma de un nuevo CD. Ocho canciones, 66 minutos de música y lo que es mejor, toda una gira de presentación por delante que les volverá a traer a España. Mikael Akerfeldt es un genio, una especie en peligro de extinción en estos días, y sabe que el truco está en sonar coherente con uno mismo sin dejar de experimentar. Por esta razón editó "Deliverance" y "Damnation" casi a la vez, para poder saciar su vena investigadora con el segundo y contentar a sus fans con el primero. Y por esta razón también, se ha sacado de la manga un disco que con un nuevo sonido, más natural (aunque menos oscuro, todo hay que decirlo), que sabe conjugar lo mejor de sus dos discos previos. Lejos están ya los tiempos de "Morningrise", la obra de OPETH de la que más grato recuerdo guardo, pero lejos de estancarse o evolucionar de manera poco recomendable, Mikael ha sabido darnos lo que todos sus fans queríamos, sin por ello acomodarse.

La producción, a cargo de un ingeniero joven y desconocido, es excelente, superior diría yo. Puede que no le guste a los fans más clásicos, pero consigue integrar el teclado en perfecta armonía con las partes más metálicas del grupo. De hecho el sonido que han conseguido, es uno de los puntos más atractivos de este plástico y uno de los mejores aciertos de OPETH para su nuevo lanzamiento. Eso y, nuevamente, la portada a cargo de Travis Smith, fantasmal como pocas.

El disco se abre con un temazo como la copa de un pino que viene a engrosar la lista de obras maestras de los suecos, "Ghost Of Perditon" tiene todo los elementos clásicos de OPETH, desarrollos progresivos, riffs pegadizos, voces oscuras e increíbles, y pasajes acústicos con voces limpias, pero además hay que añadir un nuevo elemento en la música de OPETH que los enriquece aún más: la incorporación de los teclados, que le da un aire años setenta único. Escucha la parte central de este tema y sabrás a lo que me refiero, totalmente progresiva y que te dejará con la boca abierta. Desde luego mejor comienzo no se puede elegir para un disco. Pero la cosa no acaba ahí, "The Baying Of The Hounds" vuelve a regalarnos otros diez minutos que pasan volando, cargados de buenos riffs y, de nuevo, con un Hammond a lo DEEP PURPLE que queda perfecto en medio del tema, entre los guturalismos de Mikael y los cambios de ritmo de Martín López (todo un ejemplo de evolución la de este chico desde que está en OPETH). El tema tiene un puente que es de lo más embaucador que haya salido de la pluma de Mikael nunca. Y su increíble final es también digno de mención, pura explosión de furia y virtuosismo.



Esta primera parte del disco, que se puede llamar más clásica dentro de la trayectoria de los suecos, se cierra con "Beneath The Mire", con un inicio arabesco que nos trasladará de viaje a los lugares más paradisíacos que tu imaginación pueda pensar. Los riffs se repiten una y otra vez, mientras el mellotron de Per Wiberg nos transporta a otra dimensión, hasta que la voz de Mikael nos despierta. Este efecto hipnótico de las guitarras continúa a lo largo de toda la pieza, pero intercalando algunos solos realmente bellos, y en especial el pasaje a lo LED ZEPPELIN que sirve de nudo a la composición, algo que deja entrever las influencias del maestro Akerfeldt. La canción va aumentando su tensión de manera in crescendo, hasta que estalla en una nube de riffs hechizantes que erizan nuestra piel para terminar decayendo en un pasaje totalmente KING CRIMSON, realmente esquizofrénico y con unos efectos nunca antes vistos en OPETH. Otra obra maestra que se vuelve a apuntar el señor Mikael Akerfeldt.

Y llegamos a la parte central del disco que es la que más cuesta escuchar, pero en dónde OPETH han investigado mucho más en nuevos sonidos y efectos. "Atonement" es una balada que de nuevo trae a la cabeza a LED ZEPPELIN y que podía haber cabido perfectamente como una composición de "Damnation". La voz limpia y hechizante de Akerfeldt va guiando todo el tema, a la vez que unos ritmos orientales acompañarán las melodías que Mikael y su compañero Peter Lindgren se sacan de sus guitarras, mientras de nuevo Per Wiberg nos vuelve a asombrar con un piano muy jazzy. Sencillamente genial. Puede chocar en las primeras escuchas, pero conforme se acostumbra el oído a ella, acabas cayendo rendido a sus pies. Esta composición es seguida por una canción doble, "Reverie / Harlequin Forest", la primera es una introducción instrumental muy bella y continuista con "Atonement", para no cortar de golpe con la faceta melódica de OPETH. La segunda es un tema más en la línea clásica de OPETH, aunque las voces limpias no pierden su protagonismo, los riffs se metalizan, se hacen más poderosos y Martín López vuelve a asombrarnos con unos ritmos difíciles de seguir. Este tema podía haber sido firmado por cualquier banda de Metal Progresivo y la gente no notaría la diferencia hasta la parte central, momento en el que Akerfeldt recupera su voz gutural y los riffs se vuelven más mórbidos y potentes. Y de nuevo un pasaje decadente a lo años setenta, nos cautivará hasta el momento en que las guitarras vuelvan a golpear nuestras sienes a la par que la voz gutural de Mikael nos acompaña en su paseo por el infierno, cuyas puertas nos abre en forma de un esquizofrénico y adictivo final en dónde de nuevo KING CRIMSON volverá a nuestras mentes.

"Hours Of Wealth" dará que hablar, de eso no cabe duda. Se puede considerar una balada en sentido estricto, con la guitarra acústica y los teclados como único acompañamiento a la voz, trasladándonos de nuevo a los gloriosos años setenta. Es un tema corto (aunque pasa de los cinco minutos eso sí), pero cargado de emotividad, que sin embargo estoy seguro que no gustará mucho a sus fans más cerrados. La voz de Mikael suena excelente, desnuda, cálida, sin apenas acompañamiento musical pero trazando unas líneas melódicas difíciles de olvidar. Si la escuchas sin prejuicios te darás cuenta de su belleza y acabarás gozando con ella.

De la paz y tranquilidad que "Hours Of Wealth" nos deja, somos levantados bruscamente por unos riffs entrecortados que nos vuelven a recordar que OPETH es ante todo una banda de Metal en su definición más amplia. Estamos ante "The Grand Conjuration", la penúltima composición del disco, que nos devuelve al Mikael maestro tanto en la voz limpia, como en la gutural. De nuevo los teclados están omnipresentes, dando pinceladas psicodélicas aquí y allí, y los riffs y solos de guitarra son una vez más obras maestras de este instrumento. Su parte final es de lo más adictiva y mágica del disco, con un Martín López de nuevo en estado de gracia, y su tocayo, Martín Mendez manteniendo el pulso de manera notable. Desaparecen los últimos acordes de "The Grand Conjuration" y la belleza de las guitarras de "Isolation Years" nos regalan una nueva y corta balada al estilo OPETH, que deja un buen sabor de boca para acabar con esta obra maestra, otra más en la trayectoria del grupo sueco.

Supongo que muchos habréis notado que se me ve el plumero con OPETH. Y es que aunque he tratado de ser objetivo con ellos, cada disco suyo que cae en mis manos, le acabo poniendo calificación de obra maestra (¿cuántas veces habré dicho esto ya?), y "Ghost Reveries", pese a que muchos dirán que es rupturista con su trayectoria, es una obra de matrícula de honor. Desde luego, para mí no hay duda, el disco del año. Si ya les conocías, no sé a qué esperas. Si no les conoces, corre y hazte con TODA su discografía cuánto antes. Y si no te gustan, como dice un amigo mío, corre al otorrino porque tienes un problema.

(Crítica publicada también en: http://www.rocktotal.com