DAVID SÁNCHEZ - "The Departure": El pistoletazo de salida para DAVID

Dentro del mundo del renacimiento del Jazz en los noventa, refiriéndome al éxito relativo de numerosos músicos que volvieron a la pureza del género, sin dejar a un lado las enseñanzas de sus evoluciones en los sesenta y setenta, pero volviendo al corsé del Hard Bop y los primeros pasos del Free, nos podemos encontrar de todo: ombliguistas recién salidos de las escuelas más prestigiosas encantados de conocerse y que no dejan de echar pestes de cualquier atisbo de fusión con otros géneros, intérpretes de gran solvencia que aunque no aportan nada nuevo, desarrollan un lenguaje propio e intenso, y los que tratan de no olvidar el contexto en el que se mueven y aunque su lenguaje mire hacia atrás, no dejan a un lado la actualidad. Entre el segundo grupo citado estaría saxofonista originario de Puerto Rico DAVID SÁNCHEZ, el cual enlaza directamente con el sonido COLTRANE de la primera mitad de los sesenta, pero no se olvida de sus raíces latinas, aunque tampoco trata de ir más allá del corsé Hard Bop, aumentando la nómina del enorme número de músicos que engrosan el llamado Post Bop.

Después de foguearse con la Orquesta de DIZZY GILLESPIE, DAVID SÁNCHEZ se lanzó a la aventura de los discos en solitario, con el apoyo de un sello fuerte detrás (CBS) y el apoyo de un buen puñado de músicos entre los que se incluía TOM HARRELL. Nació así en 1994 “The Departure”, disco de auténtico Hard Bop, con alguna concesión latina (mucho menos evidente que en los trabajos que después sacaría SÁNCHEZ) y gran énfasis solista. DAVID no quería mostrar todas sus cartas, pero sí hacer ver a la gente lo buen instrumentista que era, por eso en “The Departure” utiliza un programa propio y ajeno, sin grandes riesgos compositivos, pero con un dominio soberbio en la parte solista, con poco protagonismo para sus acompañantes, salvo los tres cortes en donde colabora TOM HARRELL (en la fogosa apertura de “Ebony”, la cálida “Santander” y “Nina’s Mood”, los tres propios de SÁNCHEZ) y los arreglos y buenas improvisaciones de DANILO PÉREZ, dejando en manos de una doble sección rítmica (compartiendo protagonismo en el bajo tanto PETER WASHINGTON como ANDY GONZÁLEZ, compatriota de gran bagaje, y LEON PARKER tras los parches, con el añadido de MILTON CARDONA como percusionista en ciertas ocasiones).

A pesar de que SÁNCHEZ no descubra la pólvora, el disco está plagado de buenos momentos, resaltando sobre todo los tempos más dinámicos, gracias a su labor solista siempre arriesgada y poderosa. La citada “Ebony”, los dos interludios y el postludio en donde el saxofonista se multigraba con el tenor y el soprano y sobre todo “The Departure”, con un solo eterno que es puro fuego, serían los mejores ejemplos. Después resaltarían los temas ajenos, como la purista pero no por ello menos excitante “Woody ‘N You” de DIZZY GILLESPIE (enlazando con sus inicios en la orquesta del maestro del Be Bop), el tema firmado por DANILO PÉREZ, también en honor a DIZZY (“You Got It, Diz!”), la latina “Cara De Payaso” y sobre todo “CJ” de JIMMY HEATH, una de las que mejor se adapta al sonido clásico de SÁNCHEZ. Finalmente tenemos el resto de temas firmados por el saxofonista en un tiempo algo más pausado y colorista, como “Santander”, donde HARRELL le roba protagonismo o la también citada “Nina’s Mood”, donde también interviene el introvertido trompetista, composiciones ambas a las que le falta algo de la magia y la inspiración improvisatoria de otras piezas, pero que no rebajan el nivel global del trabajo.

Con posterioridad DAVID SÁNCHEZ mantendría sus principios inalterados, aunque iría incluyendo aún más la presencia de sus raíces (como demuestra “Melaza”, otro de sus grandes trabajos). Bien es cierto que la irregularidad está presente, pero aún así también hay hueco para momentos álgidos como el reciente proyecto coral “Ninety Miles”, junto a STEFON HARRIS y CHRISTIAN SCOTT entre otros, suponiendo un viaje de intercambio musical a la Cuba actual. En cualquier caso, “The Departure” dio el pistoletazo de salida y puso el listón muy alto, demostrando que DAVID SÁNCHEZ no era otro “joven león” más.

DEXTER JONES CIRCUS ORCHESTRA - "Side By Side": Un circo muy especial

Entre los lanzamientos del sello Fuzzorama llegados a mis manos, le toca el turno para ser comentado a un grupo sueco, como los también compañeros de sello ASTEROID, con algo más de bagaje musical a sus espaldas, pues este es su segundo lanzamiento. Me refiero a una banda con interesante nombre y una imagen aún más sorprendente, de auténtico cabaret: DEXTER JONES CIRCUS ORCHESTRA.

Sin haber escuchado el debut de este grupo, pero comparándolos con las otras bandas del sello Fuzzorama, sorprende la música que nos encontramos. Aquí no hay ningún asomo de Stoner en el sentido estricto del término. Esto es Rock, de raíz clásica, sesentera, con momentos casi Pop, pero con una limpieza de sonido y ausencia de distorsión que los aleja de los descendientes de KYUSS, QUEENS OF STONE AGE y similares. De esta manera la Orquesta de Dexter está mucho más cerca del Rock en plan LED ZEPPELIN, los primeros AEROSMITH, CREAM, los ALLMAN BROTHERS, JETHRO TULL y demás joyas musicales de los momentos dorados del Rock en los sesenta y setenta, con un lavado de cara en el aspecto del sonido, pero igualmente de estimulante por momentos.

Musicalmente hablando, lo mejor de la DEXTER JONES CIRCUS ORCHESTRA es la capacidad de crear canciones en el sentido más amplio del término. Con una instrumentación clásica, con tres guitarristas y una sección rítmica que realmente acompaña de una manera creativa, la voz de Tia deslumbra gracias a su tono meloso, pero macarra en el fondo, en medio de desarrollos musicales que por momentos rozan lo mágico (la parte final de “We Don´t Care” sería un ejemplo). Desde que el trabajo comienza con la rockera “Lock The Cage”, el plástico es un no parar de momentos clásicos, manidos sí, pero capaces de hacernos mover de la silla. Simplemente buen gusto y elegancia, una gran compenetración y un sonido tan añejo como moderno a partes iguales, hacen que “Side By Side” sea un placer apto para todos aquellos amantes de la raíz de un género que en mayor o menor medida a todos nos ha marcado.

El disco no tiene ni un momento de relleno, desde el principio hasta el final el quinteto sueco sabe moverse bien, entre los temas melancólicos y de ascendencia Blues, y los tiempos movidos, con detalles de virtuosismo setentero y psicodelia que dan un dinamismo aún mayor a las composiciones. Temas como “Sensation”, la joya del disco para mi gusto, con una sección rítmica prodigiosa y unas guitarras que se basan en punteos tan sutiles como fundamentales, haciendo que el tema tenga un paralelismo evidente con Sting y THE POLICE por el tono de voz adquirido por Tia, convirtiendo a la canción en una de las fundamentales de la escucha del trabajo. Pero no se quedan aquí los momentos brillantes: el Rock del desierto recuperado en “Feel The Cold” también hará que el oyente reaccione ante lo que sale de los altavoces, o los retazos a lo CREDENCE CLEARWATER REVIVAL que tiene “In Front Of You All”, tema sencillo y fácil de escuchar, que juguetea con unos ritmos muy Funky que poco a poco aumentan de tensión.

Si eres amante de la buena música, atemporal, llena de guiños al pasado y cargada de dinamismo, no dejes pasar la oportunidad de escuchar a la DEXTER JONES ORCHESTRA. No sé si su debut será tan bueno, pero “Side By Side” me ha cautivado y estoy seguro que no defraudará a todos aquellos que no le hagan ascos a los setenta y todo lo que trajeron al Rock.

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JOE HENDERSON - "Double Rainbow": Un doble arco iris como homenaje a Jobim

La carrera de JOE HENDERSON fue tan amplia y variada como la propia personalidad de este saxofonista. Sin estar entre las personalidades más influyentes de su instrumento, el músico afroamericano, influido a partes iguales por SONNY ROLLINS y JOHN COLTRANE, fue dejando pequeñas joyas detrás de sí de Hard Bop, Jazz con un toque de fusión tanto eléctrica como oriental, Proto Free e incluso al final de su carrera, “songbooks” como los que en su momento hiciera ELLA FITZGERALD pero dedicados a compositores de lo más variopinto y que le sirvieron para alcanzar el clímax desde el punto de vista comercial. A esta última categoría de trabajos grabados para el sello Verve se corresponde “Double Rainbow”, dedicado a ANTONIO CARLOS JOBIM y que sirvió de acompañante a los tributos a BILLY STRAYHORN (“Lush Life”), MILES DAVIS (“So Near, So Far”) y GEORGE GERSHWIN (“Porgy & Bess”), que le hicieron ganar muchos premios en sus últimos años de vida y le impulsaron poniéndole en el trono que nunca llegó a tener en sus inicios.

La fórmula en todos estos tributos estaba clara: rodearse de un puñado de buenos músicos y reinterpretar los temas de forma fiel al espíritu original, poniendo la nota de color en los arreglos y las propias improvisaciones de JOE HENDERSON. No son discos de arriesgada escucha, ni te van a aportar una visión muy distinta de las composiciones originales, pero están hechos con el suficiente grado de credibilidad y entusiasmo por parte de los músicos como para resaltar, además de llenar el cartel luminoso de la entrada con nombres como los de HERBIE HANCOCK, CHRISTIAN McBRIDE, JOHN SCOFIELD, WYNTON MARSALIS, CHAKA KHAN o incluso STING. En el caso particular de “Double Rainbow”, JOE HENDERSON optó por ofrecer un doble programa: la mitad del trabajo dedicado a las composiciones más jazzistas del músico brasileño, y la otra mitad dedicada a los temas de inspiración más Bossa Nova, dividiendo para ello el protagonismo de su banda de acompañamiento, con HERBIE HANCOCK, CHRISTIAN McBRIDE y JACK DeJOHNETTE para la parte más Jazzy y ELIANE ELIAS, NICO ASSUMPÇAO, PAULINHO BRAGA y OSCAR CASTRO-NEVES (este último además como arreglista), en la parte más brasileña. 

El resultado es triunfal. JOE HENDERSON tiene la maestría de aparecer en ambos programas con su mismo estilo propio, sirviendo de nexo de unión entre las melodías más cálidas de la primera parte y los solos más efusivos de la segunda, y sus acompañantes le proporcionan el colchón necesario para contextualizar los temas. Así tenemos una interpretación portentosa de “Felicidade”, con un solo para el recuerdo, y otra no menos emotiva “Dreamer (Vivo Sonhando)”, como puntos culminantes de la cara más Bossa Nova de JOBIM, sin olvidar “Once I Loved”, a dúo con OSCAR CASTRO-NEVES y que es una de las canciones más accesibles y al mismo tiempo cargada de sentimiento. Por otro lado tenemos “Triste”, para abrir el programa Jazz, “Passarim”, como un tema que bien podría haber estado en la cara Bossa pero que HANCOCK y compañía transforman en uno de los momentos más inspirados y sobre todo “No More Blues” (uno de los standards más famosos de JOBIM en su versión inglesa con letras de JON HENDRICKS, llamado “Chega De Saudade” en su versión brasileña), donde HANCOCK hace gala de uno de sus momentos de protagonismo, sin por ello restar luces a HENDERSON.

Haciendo honor a su nombre “Double Rainbow” es un doble Arco Iris, una doble visión de un compositor e intérprete que navegó entre dos aguas a lo largo de su carrera y al que se le puede considerar uno de los padres de la Bossa Nova que tantos músicos trajo consigo y tantos y tantos discos y transformaciones por parte de otros artistas que se apuntaban al carro. JOE HENDERSON vuelve a dar una lección de “mainstream” actual, cogiendo un puñado de temas como excusa para desarrollar toda su capacidad instrumental dando como resultado uno de los puntos culminantes de su larga trayectoria. Casi 20 años hace que fuera engendrado este disco, pero aguanta el paso del tiempo y mejora como los buenos vinos.

HARVEY MILK - "Life... The Best Game In Town": Una banda muy personal

Como viene siendo habitual en el mundo del Sludge y del Rock Sureño americano, las bandas no dejan el status de referencia, de divinidad, de rompedores... pero siempre a nivel underground y sin discografías prolíficas. A excepción de los padres del sonido, los MELVINS, todos los que vinieron detrás a aportar su propio sonido, EYEHATEGOD, PORN, CROWBAR... han sido más bien cortos en discografía aunque siempre son encumbrados y con razón entre los aficionados al género. Y entre ellos HARVEY MILK, cuyo nombre se lo deben a un político norteamericano del siglo XX que luchó por los derechos de los homosexuales, ocupan un lugar particular.

Nacidos a principios de los noventa y siendo comparados rápidamente con los MELVINS, Creston Spiers y los suyos tenían una personalidad muy particular. Aunque su sonido “fofo” y cargado de electricidad era propio de la escuela sureña, ellos tenían una raíz mucho más clásica a medio camino entre LED ZEPPELIN y ZZ TOP, como se demuestra en el especial apego por el Blues que tiene en las guitarras y estructuras esta gente. Ello unido a un sentido del humor bizarro y extraño que también está reflejado en este nuevo disco, los convertía en una banda de referencia por méritos propios. Tres discos en los noventa y un silencio de más de un lustro que sirvió para que su status de banda mítica creciera y se reeditara su material en más de una ocasión, eran su único pasado discográfico hasta que hace dos años regresaran con “Special Wishes”. Con “Life... The Best Game In Town”, vestidos con un artwork divertido y extraño tanto en la portada como en la galleta del CD (con un hombre cuya cabeza es el agujero del disco), HARVEY MILK sigue su senda de siempre, con todos los elementos por lo que son famosos con un disco que sin ser lo mejor de su carrera, está entre lo mejor del género de este año.

En esta ocasión Spiers ha reclutado al bajista Joe Preston, un culo de mal asiento que ha pasado por HIGH ON FIRE, los propios MELVINS y THRONE y que está entre los más reputados músicos de la escena Sludge americana, aunque en directo, como alguno pudimos comprobar hace un tiempo, sea poco carismático y esté siempre en su mundo. El resto de HARVEY MILK lo forman unas guitarras capaces de sonar sumamente distorsionadas, pero también de tener momentos de melodía casi hímnica y mucho Rock y Blues en sus trastes, y el siempre nervioso Spiers en sus cuerdas vocales, moviéndose como pez en el agua tanto en los pasajes más solemnes como en los momentos en que parece un loco salido del manicomio al más puro estilo Steve Austin. Globalmente, es difícil que uno se pueda aburrir ante la escucha de “Life... The Best Game In Town”, pues cada tema es un mundo sorprendente y diferente al anterior, siempre con la distorsión y la electricidad mascada en el ambiente como hilo conductor, y Spiers es el culpable de todo esto y de los muchos guiños de humor en las letras y la propia música (como demuestra el último corte, “Good Bye Blues” con una breve referencia a los dibujos de la Warner al final).

El espíritu camaleónico de HARVEY MILK es tal que no se puede comenzar un disco de una manera tan atípica y sorprendente como en “Death Goes To The Winner”, empezando con forma de balada bucólica y casi vomitiva que acaba por explotar en un estallido de distorsión. “Decades” es puro LED ZEPPELIN adaptado al poderío guitarrero americano: ese ritmo de batería es una clara referencia a los citados dioses y las guitarras tienen muchos guiños al pasado también, demostrando la fuente de la que bebe la banda de Spiers. Más adelante, la corta “We Destroy The Family” con una estructura circular y adictiva, aunque el trabajo vocal se haga un poco repetitivo, se convierte en una de las más veloces junto a “A Maelstrom Of Bad Decisions” donde Spiers adopta en su tono de voz melodías de cuna que contrastan con la agresividad de la música y a “Born Burner”, un tema desatado e ideal para el desfase. La cara más Blues se refleja en cortes como “Skull Socks & Rope Shoes”, sureño hasta decir basta y con un gran trabajo solista de guitarra y “Motown”, en este caso con mucho sentido del humor. En la parte final del trabajo y antes del ya citado “Goodbye Blues”, otro de los más lentos y pesados del plástico, “Roses” pone una nota de color en un tema muy solemne y oscuro cuyo comienzo con piano y voces limpias descoloca un poco.

En un año en el que el Sludge y sus derivados no han tenido muchos referentes, uno de los grandes vuelve con un nuevo disco. HARVEY MILK quizás sea de los más atípicos y personales de la escuela sureña americana, y de los que menos continuidad han tenido en cuanto a seguimiento y resultados no pasando nunca de su status underground, pero discos como “Life... The Best Game In Town” demuestran que la calidad y la capacidad de travestirse de este grupo es tal que sólo por su único sonido merecerían estar más arriba. Gran trabajo.

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GOJIRA - "The Flesh Alive" CD + Blu-Ray: Una visión muy completa de una banda consolidada

La historia de GOJIRA aunque reciente, se escribe con bolígrafo de punta gruesa y con letra clara. Cuando saliera “Terra Incognita” y más adelante “The Link” el grupo del País Vasco francés lo tenía todo para llegar lejos: cogiendo los restos de lo que en su momento fue el Death Metal más popular, con enseñanzas tomadas prestadas tanto de DEATH (en su parte más técnica) como de MORBID ANGEL (en su parte más Groove), y mezclándolos con el Groove pegadizo del Metal de la segunda mitad de los noventa, y cierta melodía de raíz espiritual que enlazaba con sus letras comprometidas con el ser humano y la naturaleza, GOJIRA facturaba una música interesante, atrayente y sencilla al mismo tiempo. La culminación fue “From Mars To Sirius”, su mejor trabajo en mi opinión, y sin embargo GOJIRA siempre ha tenido los pies en el suelo y ha espaciado sus lanzamientos hasta asegurarse de que ofrecían todo lo que el grupo daba de sí. Por eso pasaron tres años hasta que salió “The Way Of All Flesh” y por eso el reciente “L’Enfant Sauvage” se ha demorado casi cuatro años. 

Entre tanta espera, el grupo se dedicaba a rodarse por el mundo y todo ello queda reflejado en “The Flesh Alive” (comentando aquí su versión en Blu-Ray con CD de audio como extra, pero existiendo también en doble DVD), que como ya ocurriera con “The Link Alive”, presenta el directo de GOJIRA a lo largo de 2009, en plena gira de presentación de “The Way Of All Flesh” (probablemente su disco más denso) y con la oportunidad de abrir para METALLICA tanto en EE.UU como en Europa a lo largo de 2010. El lanzamiento escoge dos conciertos de similar set-list, pero contexto diferente, y posteriormente selecciona los mejores cortes para configurar el CD audio que acompaña el producto. Además como extras encontramos un cuarto de hora más en directo al aire libre (en el Festival Les Vieilles Charrues) y un documental de casi una hora que, sin apenas palabras por parte de la banda, sino como un collage de imágenes, muestra el proceso de grabación, la preparación de la gira, los conciertos tanto en Europa como en EE.UU, los festivales veraniegos y su experiencia como teloneros de METALLICA.

El concierto principal grabado en el Garorock, que se extiende durante casi hora y media, ofrece los temas más pegadizos de “The Way Of All Flesh”, como son “Oroborus”, “The Way Of All Flesh” o “Vacuity”, incluyendo también la extensa y excepcional “The Art Of Dying”, completando el programa con himnos propios como “Backbone”, “The Heaviest Matter Of The Universe”, “From The Sky” o “Flying Whales” e incluso mirando hacia “Terra Incognita” e “Indians”. El segundo concierto en Bordeaux refleja un set-list muy similar, aunque con algunos temas menos (los más antiguos), a favor de una ejecución más potente y cercana al público. Son dos caras de la misma moneda: el primer concierto con muchos efectos de producción, un escenario más grande y una imagen y unos efectos más elaborados; el marco ideal para mostrar todo el arsenal de GOJIRA. El segundo concierto, una cara más íntima, más cruda y más espontánea, menos efectista, pero más orgánica y visceral. En ambos casos se demuestra que desde los tiempos de “The Link Alive”, GOJIRA ha crecido y de qué manera: son bestias del escenario, se dejan la piel y tienen ya muchas tablas.

Aún con “L’Enfant Sauvage” calentito y sin desgranar, “The Flesh Alive” (que aunque se edite en 2012, casi a la vez que el disco, releja un momento anterior de la banda), es la mejor muestra de lo que es GOJIRA. Una de las bandas más interesantes e intensas del panorama metálico que crece poco a poco, pero con paso firme y decidido. Llegarán lejos.

BRAIN DRILL - "Quantum Catastrophe" + Entrevista: Sin factor sorpresa ya

Segunda entrega de BRAIN DRILL después de lo que fue su prometedor debut “Apocalyptic Feasting” y de las muchas movidas internas del grupo que le sucedieron, que generaron en pocos meses que la banda se disolviera, se volviera a reformar sólo con Dylan Ruskin, y se conformara una nueva formación al completo. Muchos pensábamos que con BRAIN DRILL iba a suceder como con los famosos “One Hit Wonder”: explosión de gaseosa y luego la nada... los sucesos tras el debut confirmaban la teoría y partir tan alto con Metal Blade, haciendo una música a priori tan poco digerible para el público en general, no permitían presagiar un futuro muy largo. Sin embargo, “Quantum Catastrophe” puede que haga que nos traguemos nuestros pensamientos, pues aquí vuelve Dylan y otros tres más con un segundo trabajo cuyo gran lastre es ser “más de lo mismo” multiplicado por dos, lo que genera que la capacidad de sorpresa sea nula y que tampoco sea un disco imprescindible, pero iré por partes.

ORIGIN, NECROPHAGIST, NEURAXIS... bandas “túnel del viento” basadas en el virtuosismo guitarrero y con el Brutal Death de fondo hay bastantes y el peligro de todas ellas es patente: dentro de tanto retorcimiento por un lado, y tecnicismo por otro, la impersonalidad sobrevuela en cada tema, hasta convertirse en un conjunto de onanismos musicales que casi suenan impenetrables para oídos poco avanzados o al menos ajenos a la teoría musical. BRAIN DRILL no era un grupo distinto a los citados: su debut partía del beneficio de la inmadurez, y de mezclar las idas de olla de un Dylan portentoso con su instrumento, de eso no cabe duda, y un no menos exagerado en el virtuosismo Marco Pitruzzella detrás de los parches. Junto a estructuras que se podían calificar de atrayentes, aunque aceleradas y sin descanso, Dylan divagaba a placer con sus solos espaciales ejecutados a la velocidad de la luz, sin por ello perder el toque groove.

Pues bien, “Quantum Catastrophe”, aunque se echa de menos a Marco en la batería, pues Ron Casey no es manco, pero tiene menos recursos y abusa más de la velocidad pura y dura, y la voz ha dado un giro hacia la tesituras algo más claras y accesibles, el resto es puramente continuista con el debut de BRAIN DRILL. ¿Cuál es el problema? Más bien son dos: el primero es que, al ser tan continuista uno literalmente se aburre por puro costumbrismo. BRAIN DRILL ya no hace arquear las cejas: siguen siendo un grupo de músicos buenísimos, exagerados, poco complacientes con los demás, pero sí consigo mismos, y muy bien preparados, pero ya no sorprenden pues hacen lo que se esperaría de ellos. El segundo problema, y he aquí el más grave, es que Dylan se ha pasado. Si en el debut la estructura se anteponía en ocasiones al tecnicismo, ahora es al revés. La composición es una mera excusa para que Dylan machaque su mástil sin piedad, de forma que podríamos considerarle un Malmsteen de la vida. Les pasa igual a NECROPHAGIST, pero BRAIN DRILL quizás lo haya exagerado en esta ocasión.

El resultado es que lo que menos importa son los temas: ¿ocho composiciones? sí, pero tampoco sirve de mucho, salvo algún detalle a destacar (la doble línea bajo-guitarra de “Beyond Bludgeoned”, el aire más groovie a lo CANNIBAL CORPSE y SUFFOCATION de “Awaiting Inminent Destruction” y “Entity Of Extinction”...) el resto es pura excusa para que Dylan pueda explayarse a gusto, algo que acaba por ser ya de órdago en la propia “Quantum Catastrophe”, uniéndose al carro de banda de Death Metal que cierra un disco con un tema que pasa de los diez minutos: ¿tanto tiempo? Sí, pero si hubiera una estructura que lo mereciera... En definitiva, BRAIN DRILL puede presumir de asentarse con “Quantum Catastrophe”, seguir siendo un grupo de primera línea en lo que a calidad de ejecución se refiere, sonido y producción, incluso a pesar de los cambios de formación, pero... también fruto de esto, BRAIN DRILL ha pasado al momento de la estancación. Bueno sí, sorprendente, lo más mínimo.

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ENTREVISTA A BRAIN DRILL CON OCASIÓN DE SU DEBUT

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BRAIN DRILL acaba de debutar con “Apocalyptic Feasting”, un disco que estaba entre lo que se debía de tener muy en cuenta de 2008 y por este motivo me puse en contacto con Dylan Ruskin, cerebro pensante de esta banda de Death Metal brutal y técnico como pocas veces se ha oído antes. Imagínate una perfecta combinación entre NECROPHAGIST, SPAWN OF POSSESSION, ORIGIN... pero elevado a la enésima potencia en lo que a intensidad y capacidad instrumental se refiere, consiguiendo con este estilo encandilar hasta el mismísimo bajista de CANNIBAL CORPSE Alex Webster, el cual habla maravillas de esta joven banda. Si te gusta el Death Metal y entrar en estado de shock cada vez que escuchas un tema, con “Apocalyptic Feasting” lo conseguirás, porque BRAIN DRILL demuestra que no es otra banda más dentro del género.

(N. de R.: esta entrevista fue realizada un par de semanas antes de que, debido a un problema legal de posesión de drogas, BRAINDRILL, o más bien su guitarrista y cerebro, objeto de esta entrevista, Dylan Ruskin, anunciara el fin de la banda por una serie de acontecimientos relatados en su página web. Esperemos que tarde o temprano la banda retome su camino aunque sea con una formación totalmente renovada) 

BRAIN DRILL se formó hace tres años y tengo entendido que inicialmente era un proyecto paralelo. ¿Cómo surgió la idea de crear la banda? 

Básicamente cuando yo estaba en mi banda original BURN AT THE STAKE, empecé a escribir canciones de Death Metal que eran más rápidas y técnicas que lo que hacía en BURN AT THE STAKE. Por esta razón, después de cada ensayo con BURN AT THE STAKE yo me divertía con las canciones de Death Metal en las que estaba trabajando. Las practicaba con el batería del grupo y tocábamos solamente por divertirnos. Pero BURN AT THE STAKE no estaba yendo muy bien y un día nos separamos pero yo dije que quería al menos grabar las canciones en las que había estado trabajando, aunque solo fuera por entretenernos. 

¿Es BRAIN DRILL una prioridad para ti? ¿Queréis grabar más discos y girar regularmente en el futuro? 

Totalmente, BRAIN DRILL es, con mucho, una prioridad para mí. Esto no es una carrera y nosotros no lo hacemos para vivir. Todos tenemos trabajos por el día y tenemos que pagar los alquileres, como todo el mundo. Pero si las cosas no funcionan en el largo plazo, entonces sí, al menos nos gustaría grabar otro disco más para marcharnos con un bombazo o, por otro lado si afortunadamente hacemos la banda grande,  entonces grabar muchos más discos. 

Debo de confesar que cuando pude ver la portada de “Apocalyptic Feasting” pensé que BRAIN DRILL era otra típica banda de Death Metal. Sin embargo, una vez que pude escuchar el disco, mi opinión cambió. La complejidad de cada composición, especialmente en las guitarras... todo ello es increíble, en serio. ¿En qué crees que BRAIN DRILL contribuye al Death Metal? ¿Os habéis planteado algún límite para componer en el grupo?

Debo decir que cuando escribimos canciones no tratamos de escribir canciones típicas de Death Metal o que estén dentro de la media del género. Todas las canciones que escribimos queremos que sean tan enfermizas o más que las previas. Para mí y para el resto de los miembros del grupo nuestra meta es mostrar todo nuestro potencial tocando los temas más técnicos y brutales que pensamos que podemos escribir. No queremos ser mediocres, queremos golpear con todo lo que tenemos. 

Ya he comentado que la complejidad de los riffs y los solos de guitarra son sorprendentes. Antes que en BRAIN DRILL sólo había escuchado tal nivel compositivo sólo en bandas como VITAL REMAINS, NECROPHAGIST o SPAWN OF POSSESSION. ¿Es difícil acabar y dar forma a un tema de BRAIN DRILL? ¿Os cuesta mucho ensayar esta música para prepararla de cara al escenario?

A veces puede tomar un tiempo escribir las canciones depende de lo muy ocupados que estemos y sí, a veces es difícil reunir a todos para practicar. Pero a pesar de todo, al final acabamos haciendo el trabajo para bien o para mal. Eso sí, antes de tocar en directo intentamos ensayar y prepararnos tanto como podamos de cara a subirnos al escenario, sólo así estaremos listos y nos sentiremos bien allí.

Lo mejor en “Apocalyptic Feasting” es la intensidad de la música, el CD es un puñetazo en la cara en cada momento. ¿Cómo conseguís crear música variada y al mismo tiempo mantener la potencia tema tras tema?

Simplemente trato de inspirarme por la misma música que siempre he estado escuchando, coger esas influencias y darle mi propia forma a las cosas. A veces puede acabar más rápido y otras veces puede acabar más lento pero, básicamente, sólo intento entrenar mis oídos y dirigirme hacia lo que yo creo que suena bien y que podría ser aplastante.

Lo único que no me gusta mucho acerca de BRAIN DRILL es el artwork del disco y las letras, porque creo que son demasiado típicas dentro del género. ¿Piensas que el Death Metal demanda este tipo de letras? ¿Habéis pensado en otros temas para las letras?

Debo decir que nuestro artwork es increíble y sí, puede que sea una apariencia muy típica, pero es como nosotros queríamos parecer. Al principio, cuando lees nuestras letras puedes pensar que son otra vez las típicas letras de horror y gore, pero la mayor parte de ellas simbolizan otros aspectos de la vida. Parece que mucho del Death Metal que se hace sólo puede escribir acerca de los mismos temas porque la mayoría de las veces la música es tan brutal que fluye por sí misma mejor si se habla acerca de sangre y gore. Pero nosotros estamos intentando alejarnos de ese tipo de tópicos, incluso aunque no lo hayamos hecho al 100% en este disco, en el próximo seguramente estaremos mucho más cerca de la realidad en nuestras letras. Especialmente con las cosas que pasan hoy en día en el mundo, perece que hay una inagotable cantidad de material ahí sobre el que escribir.

La producción es magnífica, todo suena poderoso y nada sobreproducido. ¿Estáis satisfechos con el sonido?

Sí, definitivamente estamos muy contentos con la grabación. Fue producida por Zack Oheren en los estudios Castle Ultimate. Hemos acudido a él durante años, cuando fui por primera vez allí grabamos para BURN AT THE STAKE. Aunque nuestra banda fuera una mierda la calidad del sonido que consiguió era increíble. Diría que es el mejor y más asequible productor en toda la Bay Area.

Lo mejor de este sonido es que todos los miembros de BRAIN DRILL tenéis un importante papel en el disco. Yo estoy sorprendido especialmente con vuestro batería, Marco Pitruzzella que no parece humano. ¡Toca tan rápido! ¿Grabó sus pistas sin la ayuda de pro-tools o cualquier artificio similar? ¿Estás contento con su trabajo en el CD?

No, Marco no usa pro-tools ni ningún tipo de editor de tiempo para la grabación. Él, básicamente, grabó todo en una sola toma y luego lo llevamos al estudio y Zack lo masterizó. Estoy contentísimo con la forma en que él ha trabajado para esta grabación y no conozco muchos otros baterías que pudiesen hacerlo todo como lo hizo él.

Cuando escucho “Apocalyptic Feasting” me pregunto si habéis adquirido influencias de otros géneros como el Jazz o la Música Clásica, a causa de los solos de guitarra y la complejidad de las estructuras. ¿Escuchas otros tipos de música? ¿Qué bandas consideras que te influyen más?

Sí, creo que tengo algo de influencia de la Música Clásica en la forma de escribir las canciones. Quizás no tanto en la forma en que los temas suenan, pero sí por la forma en que están orquestados y arreglados. Dentro del Death Metal, sin duda, mis influencias son: SPAWN OF POSSESSION, NILE, ORIGIN, NECROPHAGIST y DECREPIT BIRTH.

El CD se forma por las regrabaciones del EP “The Parasites” y el resto son canciones nuevas. ¿Por qué decidisteis usar las canciones de “The Parasites”? ¿No estabais contentos con el resultado de esas canciones? 

“The Parasites” fue de hecho divulgado por internet por un tipo que nos estafó. Se suponía que no iba a ser nunca un lanzamiento oficial. Iba a ser, supuestamente, sólo una demo que íbamos a distribuir para propósitos promocionales. Íbamos a editar 1000 demos y el tipo que las editó se guardaría la mitad y luego nos daría el resto para distribuirlas en los conciertos y enviarlas a los sellos. Sin embargo, él acabó guardándose 900 copias y sólo nos dio 100. Lo siguiente que supimos es que las estaba vendiendo en internet como “The Parasites” EP. No había nada que pudiésemos hacer, ya que probablemente sería un malgasto de dinero para nosotros, asi que antes de realizar un nuevo disco, decidimos regrabar el bajo y la voz, mantener la guitarra y la batería y añadir cuatro temas nuevos para crear un álbum de debut oficial.  En cualquier caso, cualquiera que tenga el llamado “The Parasites” EP lo tiene sólo porque alguien nos estafó y lo ha ido vendiendo por ahí ilegalmente.

Uno de mis temas favoritos es el corte de apertura, “Gorification”, un gran asalto a nuestros oídos y uno de los mejores temas del CD. ¿Por qué elegisteis este tema para abrir “Apocalyptic Feasting”?

Yo quería abrir con este corte porque es una buena forma de llamar la atención con un tema técnico. La canción no refleja toda su fuerza desde el principio, es ese tipo de comienzos que te proporcionan un sentimiento de que la intensidad va a ir aumentando gradualmente según avanza el disco.

También me gusta mucho el tema que da título al disco, “Apocalyptic Feasting”, porque es pegadizo y tiene una poderosa influencia de bandas clásicas como CANNIBAL CORPSE. ¿Qué opinas acerca de este tema? ¿Cuál es el mejor tema para ti en “Apocalyptic Feasting”?

A mi también me gusta mucho “Apocalytpic Feasting”, definitivamente muestra nuestra cara más técnica, pero yo creo que mi tema favorito es probablemente “Swine Slaughter”, porque pasé los momentos más divertidos tocando y grabando ese tema y seguro que consigue llegar a todo el mundo como la mejor también.

Acabo de mencionar a CANIBAL CORPSE y he leído que Alex Webster, en alguna entrevista ha dicho que BRAIN DRILL era una de sus bandas favoritas. Debió de ser un honor para vosotros que alguien como Alex Webster diga eso ¿no?

Totalmente. Nosotros nunca habríamos pensado ni en un millón de años que él podría haber conocido quiénes éramos o mencionarnos en una entrevista. Pero creo que fue debido fundamentalmente al hecho de que él es probablemente la persona más agradable y más amable que alguna vez te puedes encontrar dentro de la escena del Death Metal. El habla a todos sus fans antes y después de tocar en sus conciertos e intenta ayudar a la escena metálica tanto como puede.

¿Como surgió la oportunidad de grabar con Metal Blade? ¿Le llamó la atención Alex Webster al sello acerca de vosotros?

Creo que sí. Cuando finalmente tuvimos nuestras copias editadas de la demo, enviamos una de ellas a Metal Blade, a la vez que a un buen puñado de otros sellos. Además, mandamos un e-mail a Alex contándole el hecho de que habíamos enviado una demo a Metal Blade y si podría llamar su atención para que nuestra demo pudiera ser mejor apreciada. Seguramente él les habló de nosotros al sello y consiguió que buscaran nuestra demo entre la pila de otras tantas que tendrían y la escucharan. Y realmente les gustó lo que oyeron. No mucho después de aquello, ellos me llamaron y me dijeron que querían trabajar con nosotros.

Pienso que el nombre del grupo, BRAIN DRILL, es perfecto para describir vuestra música. ¿Por qué lo elegisteis?

Fundamentalmente escogí ese nombre porque es una buena forma de llamar la atención y también de describir de una buena manera en lo que te vas a meter antes de escuchar nuestra música.

Habéis tocado con muchas bandas, ¿con qué grupo os ha gustado más compartir escenario?

Es cierto, hemos tocado muchos conciertos. Hemos tocado en cerca de 50 eventos hasta ahora con cerca de 100 bandas distintas también. Pero si yo tuviera que decir una con la que más disfruté tocando, esa sería CANNIBAL CORPSE porque no sólo son la banda más grande del género, sino que también tienen el mejor directo.

¿Tenéis planes en el futuro cercano para la banda, un tour por ejemplo?

Sí, estamos en este momento haciendo un tour por la Costa Este con BLACK DAHLIA MURDER, y más tarde haremos otro tour con ellos en septiembre con AMON AMARTH como cabezas de cartel. También estamos escribiendo nuevas canciones para editar otro disco el año que viene.

Gracias por tu tiempo, si quieres añadir cualquier cosa para los lectores, este es el momento:

¡¡Echadle un oído a nuestro disco “Apocalyptic Feasting”, que ya está en tiendas tanto en Europa como en EE.UU!!

DAFT PUNK - "Alive 2007": Resumen a toda una década de éxitos

Antes que dedicarse a la música electrónica y ataviarse con disfraces de robots futuristas, el dúo francés compuesto por  Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter se dedicaron al Rock de garaje, lo que generó que cierto crítico les describiese como “deaf punks”, haciendo referencia a que ambos tenían una oreja delante de la otra a la hora de componer. El dúo se tomó con filosofía la ocurrencia y cuando decidieron dar un giro completo a su forma de expresión artística y rodearse de sintetizadores y samplers, pensaron que podía ser un buen nombre para el proyecto. Nacía así DAFT PUNK a principios de los noventa, cogiendo el testigo de bandas sintéticas francesas como AIR, llevando la Electrónica a la frontera con el Indy como sus “eternos” rivales THE CHEMICAL BROTHERS y siendo precursores de compatriotas que se han convertido en estrellas como DAVID GUETTA. Su andadura discográfica comenzó a mediados de los noventa y con tres discos tan diferentes entre sí, pese a tener la base electrónica como referencia, en 2007 cumplían una década desde su debut y también desde que se grabara su primer directo y así nació “Alive 2007”.

Siendo el “greatest hits” ideal de DAFT PUNK por contener lo mejor del sintético y casi infantil “Homework”, el influido por los sonidos afroamericanos “Discovery” y el duro y directo “Human After All”, “Alive 2007” tiene todo lo que se pide a un disco en directo de una formación electrónica: saber reflejar la excitación de un concierto sin la barrera que supone la base pregrabada y demostrando que la música electrónica puede ser también instantánea y a veces hasta improvisada según la situación. El dúo consigue una comunión absoluta con un auditorio entregado gracias a continuos “medleys” en donde sus hits se mezclan entre sí, sin importar el trabajo al que pertenecieran, anticipando estribillos, ritmos o estrofas, para deleite del personal y con el suficiente grado de espontaneidad por parte de ambos músicos, como para generar efecto sorpresa en el oyente, que notará ligeros cambios en las estructuras y elementos que construyen los temas, siempre reconocibles, pero extendidos o reducidos para mayor seguimiento por parte del público y mejor forma de expresarse.

Las señas de identidad de DAFT PUNK, a medio camino entre el Hip-Hop, el Soul, el Funk y el Rock, siempre con el sonido Drum ‘n’ Bass de fondo para que el cuerpo se mueva solo, hacen de “Alive 2007” un disco de excitación contagiosa. Como también hicieran THE CHEMICAL BROTHERS o a su modo THE PRODIGY, el dúo francés ha conseguido traspasar la barrera de la Electrónica y ha acercado el estilo a los grandes estadios y escenarios más acostumbrados a las estrellas del Rock, y eso se nota en este disco en directo, concebido de forma nada sintética. Los grandes temas como “Oh Yeah”, “Television Rules The Nation”, “Around The World” o el repetido hasta la saciedad “One More Time”, se anticipan en diversas ocasiones, mezclados con otros cortes como “Harder Better Faster Stronger” o “Aerodynamic”, de forma natural y dando lugar a una suite constante en donde los gritos de entusiasmo del público son los que te dan la clave para saber que DAFT PUNK alcanzan un clímax y esa sensación se contagia. Solo falta el efecto visual de sus conciertos para terminar de completar el espectáculo, ese circo musical que ha creado escuela y que consigue colocar a DAFT PUNK en la historia de los dúos musicales con mayor personalidad. 

En definitiva, si alguno tiene alguna duda sobre la solvencia de la Electrónica en un escenario y quiere una prueba de que no todo está tan medido como parece, “Alive 2007” es un buen ejemplo, al mismo tiempo que un excelente resumen a una carrera tan influyente como efervescente. DAFT PUNK no pudo hacer mejor al hacer caso a ese crítico que los bautizó: sin él a lo mejor este dúo no habría existido como tal.