JAUME SISA - "Música Dispersa": Haciendo honor a su nombre

A finales de los sesenta y primeros pasos de los setenta, España iba a remolque. Dejando a un lado los acontecimientos políticos, musicalmente hablando poco se inventaba y casi todos eran grupos que imitaban a THE BEATLES y compañía, muchas veces con pobres versiones en castellano de temas ingleses. No obstante, entre el bosque algún que otro árbol crecía por su cuenta, o sin salirse de los patrones discográficos, trataba de despegarse (MODULOS, LONE STAR, CONEXION, SOLERA...) y otros se dedicaron a otra cosa: adaptar el pujante Rock Sinfónico de fuera de nuestras fronteras, dando lugar a las dos corrientes más prolíficas de Rock en este país: el lado andaluz (SMASH a la cabeza como pioneros) y el lado catalán o laietano (MAQUINA y sus sucesores).

En la segunda de las corrientes citadas, JAUME SISA (y PAU RIBA) se desmarcaron como "cantautores" atípicos, especialmente el primero de los nombrados en este trabajo con la rúbrica de MUSICA DISPERSA. En poco más de media hora, SISA se convierte en el Zappa español y hace honor al nombre del grupo y del disco: una sucesión de motivos musicales, cambiantes, casi infantiles en estructura y muy simples en acompañamiento, convierten a este trabajo en una especie de Rock Progresivo minimalista y casero.

Hecha la descripción parece que estemos ante una rareza, pero en realidad, la sencillez (aparente) y la reducida paleta de recursos, atrapa, envuelve y fascina. Uno no hace más que sorprenderse en cada pasaje por las sensaciones transmitidas y si ahonda un poco más descubrirá que no todo es tan simple. Posteriormente SISA se dedicaría a otros menesteres, pero mientras tanto queda esta obra maestra que en esta reedición en digipack es tratada como se merece, con un excelente poster incluido y mucha información visual y escrita. Imprescindible.

VIJAY IYER - "Reimagining": La madurez de un genio en la sombra

VIJAY IYER puede que no sea muy conocido por el gran público. Si has tenido la oportunidad de verle junto a WADADA LEO SMITH o incluso en solitario, sabrás que este chico no gusta de salir en los focos. Tímido detrás de sus gafas y delante de las teclas, cuando se levanta para agradecer los aplausos del público parece que pida perdón por hacernos mover las manos. Si a este afán de quedar en un segundo plano, añadimos una carrera discográfica prolífica y variada, pero sin una promoción que le haga aparecer en las portadas de la prensa especializada, tenemos a un músico "underground", infravalorado... como se le quiera llamar.

Entre sus discos, encontramos de todo: el magnífico "Solo", uno de los discos de 2010, el variado "Historicity" o el más reciente "Tirtha", de influencia oriental no excesivamente conseguida. Me estoy centrando en la última etapa, pero si ahondamos hacia atrás nos encontramos con esta obra maestra, "Reimagining", junto a su compañero de fatigas Rudresh Mahanthappa, con el que comparte raíces hindúes. Para mi gusto, en este trabajo VIJAY IYER se convierte en un segundo CRAIG TABORN. No por la personalidad extraterrestre del citado teclista, sino porque con él consigue la madurez como intérprete y compositor, sin dejar de ser un actor de reparto cotizado.

El disco recorre temas de gran fuerza rítmica, gracias a la fuerte pegada de Marcus Gilmore, algún corte en trío algo más intimista y mucha intensidad en la interpretación, sobre todo en los momentos en que Rudresh y Iyer pasan a primer plano. Sin bajones y con momentos sublimes ("Song For Midwood" o "The Big Almost", por poner dos ejemplos), en "Reimagining" Iyer no deja de reinventarse sin por ello dejar de ser condescendiente con el oyente. En definitiva, un magnífico trabajo que demuestra lo mucho que da de sí este pianista, más allá de estar a la sombra de grandes frontmen.

JOHN ZORN - "More News For Lulu": Segunda parte imprescindible

Dice el dicho popular que segundas partes nunca fueron buenas, pero no es el caso de "More News For Lulu" del trío de genios JOHN ZORN, GEORGE LEWIS y BILL FRISELL. Conocido es el gusto ecléctico de los tres, especialmente de Zorn y Frisell, lo cual les lleva a cruzar las fronteras de los géneros musicales, tambalearse en la cuerda y seguir manteniendo el equilibrio gracias a su personalidad y técnicas fuera de toda duda. Sin embargo en "More News For Lulu", los tres siguen insistiendo en revisar clásicos del Hard Bop "semidesconocidos", con una formación atípica (saxo, trombón y guitarra), respeto por la melodía y la estructura, pero aventura en la improvisación y el tratamiento sonoro.

Kenny Dorham, Hank Mobley, Sonny Clark y Freddie Redd siguen siendo los compositores elegidos, añadiendo un par de cortes de Big John Patton y Misha Mengelberg, y tanto el sonido como la naturalidad de la actuación, siguen los patrones de "News For Lulu", editado un par de años antes. Si buscas la fogosidad desmesurada de Zorn o la mezcla entre Rock y Folk de Frisell, no lo vas a encontrar, salvo algun que otro momento de intensidad salido de la boquilla de Zorn. El tercero en discordia, Lewis, pone la nota más "clásica", articulando diálogos muy certeros con Zorn, mientras Frisell va a lo suyo poniendo colchón armónico a todo esto.

El resultado, una vez más, es una gozada. De las pocas veces en que Zorn interpreta algo "ajeno" y no lo re-estructura a su manera, o al menos no en exceso (léase los discos en homenaje a Ornette Coleman y Ennio Morricone), sin por ello dedicarse en exclusiva a ser un músico de cámara mecánico, y acompañado de dos nombres con luz propia que llevan la inspiración un punto más allá. ¿Quieres escuchar a Zorn, sin llevarte las manos a la cabeza? Empieza por aquí, sigue con alguno de sus Filmworks y luego déjate llevar, nunca es tarde para introducirse en el universo de este inabarcable músico, aunque sea a través de una interpretación ajena.

ARCHIE SHEPP & HORACE PARLAN - "Mama Rose": Un dúo muy recomendable

La carrera de ARCHIE SHEPP es irregular, con unos inicios prometedores bajo la protección de JOHN COLTRANE, SHEPP fue dando tumbos al cambiar de década o casi mejor desde la muerte de su mentor. Problemas con alcohol incluidos, hay que rascar un poco para encontrar hitos en su carrera discográfica. Sin embargo, las colaboraciones a dúo con el infravalorado pianista HORACE PARLAN se cuentan entre esos hitos. "Mama Rose" es un doble CD que capta al dúo en directo en Suiza / Francia en 1987 y junto a discos en estudio como "Goin' Home" o "Trouble In Mind", muestran el alto grado de compenetración entre estos dos músicos, a la altura de dúos como los de Kenny Barron y Stan Getz o George Cables y Art Pepper. Blues, Jazz y algo de desmelene improvistario hacen de este concierto una buena introducción a la música de este dúo tan inspirado y engrasado.

MILES DAVIS - "In A Silent Way": La tercera vuelta de tuerca

Hablar de MILES DAVIS es hablar de la historia del Jazz. Si alguien quiere recorrer un 80% de los estilos que se enmarcan dentro de esta música, basta con que empiece a coleccionar los discos de Miles Davis desde finales de los 40 y hasta su muerte. Casi 50 años de grabaciones dan para mucho y uno puede recorrer el Bop en sus primeras colaboraciones junto a Charlie Parker y compañía, el Cool Jazz al que dio nombre con "Birth Of The Cool", el Hard Bop y el Jazz Modal con su primer quinteto estable con John Coltrane y esa obra maestra que es "Kind Of Blue", el "cuasi" free jazz de su segundo quinteto estable con Wayne Shorter y Hancock, el Jazz Rock, el Smooth y hasta el Rap.

De esta línea del tiempo trazada, tres discos abren la etapa Jazz Rock, precedidos por un "Miles In The Sky" donde ya había unos primeros toqueteos eléctricos. Estos discos son, como punta de lanza "Bitches Brew" e "In A Silent Way" y como consecuencia "Tribute To Jack Johnson" al que le seguiría el no menos bueno "On The Corner" y una serie de grabaciones, mitad directo, mitad estudio que cubrirían la primera mitad de los setenta hasta el parón de 5 años que Miles se dio para desintoxicar cuerpo y alma de sus excesos.

El que nos ocupa, In A Silent Way, es probablemente el disco más enigmático de los citados. Las dos caras del disco contenían música compuesta a partes iguales por Miles y un Joe Zawinul aún por explotar (otra de las características de Miles fue su facultad para juntarse con músicos que luego forjarían una carrera con nombre propio...), siendo precisamente "In A Silent Way" su composición más resaltada. Después de un inicio cambiante con "Shhh" y "Peaceful", el enlace "In A Silent Way"/"It's About That Time" se erige como el plato fuerte: contraste entre la oscuridad del primer corte y el aire Rock del segundo (made in Teo Macero, pues si se escuchan las tomas falsas de la versión extendida de este disco que sacó Sony Legacy se comprobará una base más Funky), la música dibuja círculos e in crescendos hasta que uno se siente atrapado por el fuerte "groove" rítmico y los certeros solos.

Lo que vendría después de "In A Silent Way" y "Bitches Brew" sería la profundización en este sonido y el relanzamiento de la carrera de Miles llevando el Jazz a Woodstock, The Isle of Wight, etc... hermanándose con Hendrix, Sly And The Family Stone, Dylan, Zappa...

Eso sí, tampoco hay que despreciar lo que vendría después: en los ochenta Miles fue también un pionero de la fusión en su cara más Pop. Costó arrancar y los inicios de la década fueron dubitativos con discos prescindibles como "Man With The Horn" o "Decoy", donde Miles apenas aporta. Pero también está ahí "Tutu", "You're Under Arrest" o "Amandla", grandes discos de donde salieron Marcus Miller, Kenny Garrett, Bill Evans, John Scofield...

MILES DAVIS fue historia viva. Casi mejor "ES" (no hay más que ver que Sony sigue sacando material inédito como los recientes directos en Europa en 1967 o el "Bitches Brew" en directo de hace un par de años). EL MÁS GRANDE.

LONE STAR - "Viejo Lobo": Gran disco, pésima reedición

LONE STAR es un grupo que debería estar en el estrellato de la historia de la música por méritos propios. Cruzando más de veinte años, primero a golpe de los singles típicos de los sesenta, después con discos geniales y finalmente en el terreno underground, el grupo catalán fue un pionero de muchas cosas: mezclar Jazz, Rock duro, letras en inglés con solvencia, alguna que otra versión y la personalidad de Gené (auténtico carisma Rock y no lo de Miguel Ríos).

"Viejo Lobo" fue prácticamente un epílogo con el que LONE STAR entraba de lleno en el Rock de tinte más duro (por el que ya habían transitado previamente), muy acorde con los gustos de la época, pero con su propia personalidad y sonido. El resultado es sencillo y directo, quizás uno de sus discos más asequibles y "estándar" pero no por ello menos interesante.

Eso sí, el tratamiento que Nat Team ha dado a este disco es para llevarlos a la cárcel. No sé si es oficial, en el sentido de que hayan pedido permiso al grupo y le hayan pagado sus derechos consabidos, o directamente han tirado de la dejadez editorial musical. El caso es que, teniendo un buen sonido (al menos no han usado el vinilo original como fuente...), la presentación es amateur: CD-Rom impreso y artwork-fotocopia en color. El precio hace que, al ser hoy la única forma de acceder a este disco, sea una buena oportunidad, pero ¿de verdad hay que despreciar tanto a un grupo como para no trabajarse una re-edición en condiciones? Me dan ganas de hacer mi propia versión, ponerle el sello de la SGAE y lucrarme a costa de esta LEYENDA. ¡Esto no es amor por la música!

CANNIBAL CORPSE - "The Bleeding": El final de una era

Muchos recordarán a CANNIBAL CORPSE, estén o no metidos en el mundo del Metal Extremo, por ese cameo de menos de 1 minuto en Ace Ventura, puesto que Jim Carrey era y es fan de este grupo. Por aquel entonces este disco aún no estaba en las tiendas, pero Barnes, vocalista y frontman del grupo, ya había decidido "hacer carrera". "The Bleeding" no es más que el testamento del carismático vocalista al frente del caníbal, en un intento por acercarse a nuevos sonidos, más groovies, más accesibles y comerciales, alejados de ese Thrash-Death de sus inicios o de su obra culminante con Barnes para mi gusto, "Tomb Of The Mutilated".

El siguiente paso sería "Vile", primero con el mastodóntico Corpsegrinder y que marcaría el inicio del estancamiento, por lo menos hasta "The Wretched Spawn", donde el multiventas grupo americano retornaría a sus inicios, así como sus sucesores, buscando nuevas producciones más orgánicas y menos sobresaturadas. En lo que respecta a "The Bleeding", estamos ante un disco de "transición", sin por ello desmerecer su calidad. Lejos quedaban los tiempos en que el Death Metal se había hecho hueco en sellos que habían estrujado el Thrash hasta su extinción (Roadrunner y la propia Metal Blade), y ahora era el propio Death el que sufría las consecuencias y acabaría dando con sus huesos en el underground, mientras el Nu-Metal hacía su tímida aparición, posteriormente con más fuerza.

"The Bleeding" no es más que un reflejo de ello: lejos de los sanguinarios inicios, aunque manteniendo la brutalidad, el medio tiempo y el cabeceo es el predominio. Ahí quedan temazos como "Fucked with a Knife" o "Stripped, Raped and Strangled", habituales representantes de este disco en directo, pero no cabe duda de que faltan himnos y violencias musicales como "I Cum Blood", "Born In A Casket" o su éxito sin fin "Hammer Smashed Face" (el elegido en Ace Ventura).

En cualquier caso CANNIBAL CORPSE fueron, son y serán los multiventas del Death Metal, llevando el legado que Schuldiner abrió y Benton continuó (me refiero a fama...) al nivel de ver cadáveres descuartizados en carpetas adolescentes. El mérito ya lo tienen, la calidad, pese a lo que algunos "true" digan, también, aunque se repitan más que el ajo, ¿qué grupo de Death Metal no ha escuchado alguna vez en su vida "Hammer Smashed Face"?

NECROS CHRISTOS - "Doom Of The Occult": Sin superar a su predecesor pero igual de oscuro

NECROS CHRISTOS fue una "revolución" en el mundo del Death Metal con su debut. Después de "Triune Impurity Rites", la banda tenía que revalidar los elogios recogidos. Por un lado, en lo que a producción se refiere, han profundizado en el sonido sepulcral acorde con su esoterismo y misticismo. Sin embargo, al mismo tiempo, ha mejorado mucho el sonido, lo cual ha aumentado el peso de los solos y de las melodías de aire oriental. Por otro lado, la parte técnica del grupo, se ha visto aumentada y mejorada, siendo quizás la que más brilla en "Doom Of The Occult". Finalmente, en lo que a estructura se refiere, NECROS CHRISTOS ha madurado su propuesta y ofrece temas más constantes y completos.

Sólo hay un "pero": ya no hay factor sorpresa. Con este trabajo, NECROS CHRISTOS suena a sí mismo y alguien que haya escuchado sus precedentes ya sabe lo que se va a encontrar. En mi opinión, "Doom Of The Occult" no supera "Triune Impurity Rites", pero tampoco está por debajo: este disco es un digno sucesor y puede que sea el mejor exponente de lo que ofrecen los alemanes a día de hoy. Si tuviera que decir algo que me gusta menos, es que los interludios acústicos, eclesiásticos y atmosféricos han ganado peso y a veces pueden aislar los temas en sí, pero por lo demás, "Doom Of The Occult" tiene todo lo que se espera de NECROS CHRISTOS.

En cualquier caso, NECROS CHRISTOS sigue tratando de recuperar la esencia de un género que se ha ido centrando demasiado en la parte técnica con los años y ha dejado a un lado su parte evocadora. "Doom Of The Occult" es culto al ocultismo, de eso no cabe duda.

(Crítica publicada también en http://www.xtreemmusic.com/)

JOE HENDERSON - "State Of Tenor": A lo Sonny Rollins

JOE HENDERSON fue un saxofonista versátil y con una carrera muy larga y variada. Heredero tanto de Rollins como de Coltrane, podemos encontrar discos indispensables como "Our Thing", "Page One" o "Mode For Joe", experimentos místicos como "The Elements", discos accesibles pero aventurosos como "Power To The People" y en su etapa final tributos a Jobim, Strayhorn o Porgy And Bess, que están entre lo mejor de su historia.

Como intermedio entre etapas, Henderson emuló a uno de sus referentes, Rollins, en formato trío en el Village Vanguard y también con un doble disco en directo. El resultado es "State Of Tenor", quizás uno de sus trabajos más naturales y honestos. Con el bajo omnipresente de Ron Carter y el golpe certero, alejado de sus clichés con Miles de Al Foster, Henderson ofrece casi dos horas de música que le tiene en el centro de los focos pero sabe también dejar espacio para sus estrellas acompañantes de viaje. El resultado es una gozada.

DEATHSPELL OMEGA - "Si Monumentum Requires, Circumspice": Obra culminante

Dentro de la escuela francesa de Black Metal, uno puede encontrar grupos más estáticos y otros más propios, pero entre ellos hay una tríada de conjuntos que salen a la primera en cuanto a poner ejemplos del sonido francés se refiere: BLUT AUS NORD, ALCEST y por supuesto, DEATHSPELL OMEGA. En el caso de los terceros, su trayectoria quizás sea la más "coherente". Inicios más anclados en la tradición Black, avance hacia el juego armónico y la disonancia, y últimamente, locura controlada de inspiración avant-garde jazzista.

A lo largo de esta evolución, DEATHSPELL OMEGA tiene varios hitos, pero quizás sea "Si Monumentum Requires..." el disco en el que mayor unanimidad existe entre crítica y fans. ¿Por qué? Porque es el eslabón fundamental para entender el antes y el después. En este trabajo, el misterioso combo francés perfecciona su conocimiento del Black Metal noruego de libro, con la majestuosidad y el sonido de mediados de los noventa y la aventura estructural y de elementos que posteriormente incluirían, cogiendo elementos del Post Rock (no tan evidentes como en Alcest), del Jazz y la música contemporánea (no tan evidentes como en Blut Aus Nord) y del ambient.

El resultado roza la perfección: tanto en el lado salvaje como en el más contenido "Si Monumentum Requires..." no deja resquicio para el error. Uno se siente atrapado desde el primer instante y no dejará de repetir la escucha una y otra vez, siempre encontrando nuevos detalles. Lo que vendría después es otra historia, para algunos mejor, para otros su pérdida de norte. Mientras tanto toca disfrutar de la cima de su evolución.

URI CAINE - "Siren": Uno de los discos de 2011

URI CAINE es un artista muy inquieto. Además de sus trabajos sobre Mahler, su proyecto "rockero" BEDROCK, sus colaboraciones para Dave Douglas, John Zorn... el pianista también gusta de sentarse tranquilamente detrás del piano y dedicarse a tocar sin compromisos. Y eso es "Siren", lo más parecido a un disco de piano trio hecho en los 60 bajo la sombra de Ahmad Jamal que se puede hacer en pleno siglo XXI.

Con una rítmica solvente junto a Hebert y Perowsky, habituales en muchos proyectos avanzados, "Siren" es un tributo a la sencillez y la naturalidad. No hay momentos de gran pegada, tampoco un lirismo absorbente (abstenerse por tanto seguidores del poderío masificado a lo E.S.T. o BAD PLUS por un lado y poetas evansianos a lo HERSCH, COPLAND o MEHLDAU por otro), Caine se limita a dejar correr sus dedos por las teclas con viveza y emotividad, impulsado por sus compañeros, inventivos pero en un segundo plano.

El resultado, unido a un sonido directo y captado a la antigua usanza (en cinta analógica de dos pistas), genera un trabajo asequible y divertido, pero lleno de recovecos también. Parece fácil, pero hacer de la simpleza una obra de ingeniería es un duro trabajo y Caine triunfa con esta fórmula en "Siren". ¡Una gozada!

HELL - "Human Remains": Fantástico disco de la NWOBHM treinta años después

Como tantos otros grupos, tanto en el mundo del Thrash como en el del Heavy Metal más clásico, HELL resucita motivado por el "revival" de bandas "cuasi homenaje" de jovenzuelos recreando los sonidos ochenteros que tan de moda están en los últimos años. Como se suele decir: para qué quieres copias si puedes tener los originales. Eso deben pensar bandas como HELL que se desmarcan con "Human Remains" un disco de sonido renovado pero principios forjados en metal clásico.

Cogiendo la estela de la New Wave, en su vena agresiva "proto Thrash" (TANK, RAVEN...), sin dejar a un lado la melodía y la épica, HELL también mira hacia el Power americano, algo potenciado por el sonido corpulento y denso, que sin embargo no pierde en naturalidad (obra de Andy Sneap que se encarga también de parte de las guitarras recordando sus tiempos en SABBAT). Pero lo mejor es la teatralidad del grupo y de su cantante, David Bower, miembro no originario de HELL en los ochenta pero que casa a la perfección en temas extensos como "Blasphemy and the Master" o sobre todo la épica "The Devil's Deadly Weapon". Esto hace pensar en MERCYFUL FATE y KING DIAMOND añadiendo un toque "shock" a la música.

El único pero es extramusical: en la edición limitada en doble CD, se incluye un puñado de demos del grupo que recogen los temas del disco tal y como se compusieron y grabaron originariamente entre 1982 y 1986 (sirviendo de guía para comparar como han ganado intensidad y teatralidad sin perder el sentimiento ochentero). Lo malo es que Nuclear Blast ha decidido empaquetar dos digipacks en un slipcase en donde malamente caben, con lo que para sacarlos hay que ser muy cuidadoso para no machacarlos literalmente...

Dejando a un lado este "detalle", HELL da un buen puñetazo en la mesa a golpe de clásicos revisionados. Tal y como en su momento hicieron los americanos HELSTAR, abriendo la veda para una nueva etapa muy fructífera, los ingleses "resucitan" y sacan su primer disco, con treinta años de retraso. Nunca es tarde si los resultados son buenos.

JAMES CARTER - "Present Tense": Contención sin falta de técnica

JAMES CARTER es un músico portentoso. Su dominio instrumental, con cualquiera de las maderas que utiliza, es abrumador y está fuera de toda duda su conocimiento del pasado y de la tradición jazzista. Sin embargo, aunque sus discos siempre son motivo de asombro y admiración, Carter pecaba de ombligista. Extender temas hasta los límites de la paciencia sólo para dejar patente su maestría solista hacía que muchos lo tacharan de exhibicionista. "Jurasic Classics", primer paso en este aspecto, era, dentro de su genialidad, ejemplo de esto.

Con "Present Tense", tanto en cosecha propia como ajena, Carter se desdice. Apadrinado por Cuscuna, Carter consigue seguir mostrando su buen hacer, sin olvidar el sentido de las canciones y la melodía. La pérdida de protagonismo se compensa con una banda excepcional y una selección de tempos y temas soberbia, y el resultado muestra al fin al Carter que todos deberían conocer: un músico portentoso pero que sabe cuando debe de quedar en un segundo plano en favor del resultado global.

Si a todo lo dicho añadimos un repertorio ecléctico, aunque sin llegar a chirriar entre diversos estilos, obtenemos el mejor escaparate para este músico. Si buscas sus excesos, saldrás decepcionado, si buscas un músico capaz de contenerse en favor del sonido de conjunto, sin por ello dejar de demostrar que es un auténtico maestro de la técnica musical, aquí tienes su mejor obra.

MEDERIC COLLIGNON - "Shangri Tunkashi-la": Brutal recreación del Miles eléctrico

Habiendo pasado por la ONJ y precedido de muy buenas críticas, este trabajo del trompetista (y otras cosas) francés MEDERIC COLLIGNON prometía, máxime sabiendo que buscaba recrear al MILES DAVIS eléctrico, ese que en su momento tan denostado fue y al que últimamente le llueven "homenajes" por todas partes (Wadada Leo Smith, Yo Miles!, Mark Isham en su momento...) Dejando purismos a un lado, desde "In A Silent Way" en adelante Miles supo seguir aventurándose sonoramente hablando, al mismo tiempo que se reinventaba y se rodeaba de masas festivaleras de la época Woodstock. Pero, ¿qué ofrece Mederic en todo esto? Pues fuerza, investigación propia y personalidad. Los tres elementos se dejan caer por temas míticos de la historia de Miles incluyendo una curiosa versión del "Kashmir!" de LED ZEPPELIN para cerrar el programa.

La hora y pico que dura el disco se pasa en un suspiro y el dinamismo logrado se contagia. Además, lejos de ser una simple copia del sonido y el espíritu (de los tres "homenajes" citados, eso ocurriría con el de Isham), "Shangri Tunkashi-la" presenta novedades, frescura para el oído acostumbrado a Miles y renovación. Recreación sí, plagio no.

GIANLUIGI TROVESI NONET - "Round About A Midsummer's Dream": Variedad e intensidad

GIANLUIGI TROVESI es junto a ENRICO RAVA uno de los referentes en la escena jazzística italiana, que puede ser engrosada con otros muchos nombres (Fresu, Bollani, Gambarini...) y casi siempre con notables resultados. El saxofonista y clarinetista tiene una amplia trayectoria que pasa por la Clásica, el Jazz, el avant-garde, la música tradicional y todo ello junto en este lanzamiento de su noneto, "Round About Midsummer's Dream", conformado a partes iguales entre italianos y franceses y grabado para un sello alemán... El "leit-motiv" es Shakespeare, como ya adelanta el título, y la música fluye entre el clasicismo, el jazz, la canción francesa, el sabor mediterráneo italiano, la ópera y hasta el Rock. Quizás destaquen sobre el resto las composiciones más largas, como "Orobop" o "Canzonetta", donde el grupo se explaya más y adquiere más robustez. Sin embargo, el resto del trabajo es un complemento perfecto a base de solos, duos y tríos, donde el sentimiento se deja más al descubierto.

Todo ello viene envuelto, además, en un sonido de puro directo, quizás algo voluptuoso, sobre todo en las percusiones, pero sin trampa ni cartón. Eso sí, el diseño podría haber sido un poco más cuidado, dada la temática del disco. En cualquier caso, grandísimo trabajo que no desmerece en la excelente carrera de TROVESI.

HANK JONES & OLIVER JONES - "Pleased To Meet You": Naturalidad por todas partes

La pérdida relativamente reciente del gran (por tamaño y genialidad musical) HANK JONES fue llorada por muchos entre los que me encuentro. No obstante, el pianista tuvo una amplia trayectoria, quizás no prolífica, pero sí muy productiva y honesta. Con "Pleased To Meet You" HANK JONES se junta con otro jones, OLIVER JONES para darse un baño de guiños mutuos con dos pianos en frente. Siendo una de sus últimas grabaciones, el disco abarca tres temas donde ambos pianistas son acompañados por bajo y batería, y el resto son dúos de piano solo, cerrando con un par de temas de HANK JONES en solitario. Y la palabra mágica es "naturalidad": recorriendo un buen puñado de standards, la mayoría de alegre ejecución, salvo un par de excepciones, uno tiene la sensación de que este disco se hizo dejando correr las cintas y nada más. Se escucha hasta el taconeo de los Jones marcando el compás, el arrastre de sus respiraciones o el roce de sus manos en las teclas.

Tanta honestidad y naturalidad se contagia y uno tiene la sensación de tenerlos enfrente, disfrutando lo mismo que ellos. Con cosas así, ¿quién necesita revoluciones? Nada nuevo, pero aún así ¡una gozada!