CATTLE DECAPITATION - "The Harvest Floor": Un paso adelante

Después de más de una década y cuatro discos a sus espaldas, se puede considerar que CATTLE DECAPITATION ya está establecida como banda en la historia del Death Metal. Sin embargo, tanto yo personalmente, como me consta que bastantes aficionados al género, siempre se ha considerado al grupo situado en una segunda división. Puede ser que sus producciones no eran (ni son) las mejores del mercado, en el sentido de que más parecían grabadas por aficionados que por una banda con el apoyo de la todopoderosa Metal Blade detrás. Puede ser que musicalmente no ofrecían nada nuevo para los aficionados a la estela de CANNIBAL CORPSE, ni tan siquiera su temática pro derechos de los animales, la cual es muy habitual entre un gran número de bandas Grind con larga trayectoria. Fuera cual fuera la razón, CATTLE DECAPITATION era un grupo habitual en la sección de ofertas de las tiendas, signo inequívoco de que sus lanzamientos pasaban sin pena ni gloria por las estanterías.

Por esta razón, el nuevo lanzamiento de CATTLE DECAPITATION no era algo esperadísimo por mi parte. Máxime cuando coincidía en el tiempo con el de los enormes CANNIBAL CORPSE. “Karma.Bloody.Karma” no llegué a escucharlo, pero tanto “To Serve Man” como “Humanure” eran discos correctos a los que la producción les hacía perder enteros y que tampoco llamaban la atención por méritos propios. Una vez más la portada es de lo mejor del grupo, siempre incisivo en su traslación de la barbarie humana hacia los animales, a los propios seres humanos, mostrando imágenes en las que somos nosotros los que somos conducidos a los mataderos y no a la inversa. Faltaba por comprobar si CATTLE DECAPITATION ofrecía algo nuevo musicalmente hablando. Bueno, pues después de unas cuantas escuchas de “The Harvest Floor” debo decir que estoy gratamente sorprendido, aunque el mayor lastre del grupo sigue siendo su pobrísima producción, si bien tampoco cogerá por sorpresa a nadie, porque esto es marca de la casa.

Está claro que CATTLE DECAPITATION quiere sonar así. No sé cuales serán las razones, pero si buscas claridad sonora, no la vas a tener: los discos de este grupo siempre parecen grabados de manera improvisada y sin una labor de mezcla y masterización adecuada y, cómo no, “The Harvest Floor” no es una excepción. Se aprecia una mejora en el tratamiento de la voz, pero en los momentos más técnicos de la música, todo se junta exigiendo un esfuerzo extra por parte del oyente. Así pues, y hasta que les dé la gana de cambiar a estos señores, CATTLE DECAPITATION seguirá teniendo este duro handicap a la hora de escucharlo. Sin embargo, una vez asumido este “sonido personal”, se puede decir que “The Harvest Floor” es un disco muy completo, técnico y, hoy por hoy, la culminación compositiva de CATTLE DECAPITATION. Hasta ahora el grupo andaba un poco perdido en medio de la mediocridad, pero en este nuevo trabajo han dado un paso más en su destreza musical y han facturado un disco que los coloca como una banda llena de recursos a la hora de componer.

La música de CATTLE DECAPITATION se ha tecnificado, se ha progresivizado, si es que tal palabra existe, han dejado a un lado su cara más accesible y predecible y se han llenado de influencias a lo CRYTOPSY de los primeros años (lo que unido a la producción hace recordar el “Blasphemy Made Flesh” de los canadienses), mezclado con un poco de la accesibilidad de los últimos KATAKLYSM. Las guitarras desentrañan una maraña de riffs que están muy bien pensados para, rítmicamente, construir temas complejos pero, al mismo tiempo, audibles y los solos multiplican el nivel de ejecución hacia límites que rozan el neoclasicismo en ocasiones. En definitiva, CATTLE DECAPITATION ha pasado a un nivel superior, y sino fuera por la producción estaríamos hablando de uno de los discos del año en el terreno del Death Metal. El alto grado de tecnicismo musical es evidente desde que da comienzo “The Gardens Of Eden”, tema lleno de contrastes en donde hay espacio hasta para pasajes de cierta melodía. Otros cortes siguen esta línea, destacando “Tooth Enamel And Concrete”, uno de los más exigentes a la hora de escuchar, dada su variedad o “In Axestacy”, con un trabajo de McGraw buenísimo. Y por otro lado, también hay cierta influencia del Death neoyorkino de los primeros noventa, como demuestran algunos momentos más groovies, con “Into The Public Bath” a la cabeza, un corte que es de lo mejorcito del disco.

¿Su mejor momento? compositivamente hablando, no cabe duda. “The Harvest Floor” es el disco más completo y exigente de CATTLE DECAPITATION. El día que el grupo se dé cuenta de que no hace falta sonar opaco y pobre, para ser extremo, CATTLE DECAPITATION pasará a la primera división del Death Metal. Hasta entonces, después de largas sesiones para acostumbrarse a su sonido, “The Harvest Floor” se presenta como una buena alternativa para los amantes del Death técnico y de alto nivel ejecutivo.

"Regret & The Grave": https://www.youtube.com/watch?v=y8mkkZH0cuY

(Crítica publicada en: http://www.rocktotal.com)

VITAL REMAINS - "Evil Death Live": blasfemando en directo.

Como otras bandas de corte extremo, VITAL REMAINS ha aprovechado su concierto en el Metal Mania Festival de Polonia para grabar material y editarlo en DVD. El problema, como en la mayoría de los conciertos editados de esta manera por Metal Mind es que son conciertos cortos y en un escenario demasiado amplio para una banda de estas características, pero no cabe duda de que la infraestructura de la que gozan en imagen y sonido es muy buena, aunque en este caso, siendo éste el primer lanzamiento de este tipo que edita VITAL REMAINS, podrían haberse esmerado un poco más en la selección de temas.

La factura del DVD es impecable, un amplio juego de cámaras desde todos los ángulos, permiten que el espectador pueda quedar atrapado en el concierto como si fuera un asistente más. El sonido es muy sólido y a la vez no da sensación de retoque de ningún tipo, con lo que la honestidad de la banda sobre las tablas queda fuera de toda duda, como algunos (muy pocos dada la escasa asistencia) pudimos comprobar en sus dos últimas visitas a España. La formación de VITAL REMAINS en el concierto es la misma que la de la última visita a Madrid que ya comentara en esta web hace unos meses. Damien Boynton se presenta con mejor voz que cuando lo vimos, aunque se echa de menos que el DVD lo hubieran grabado con Benton, porque le falta un poco de clase como frontman, estando algo estático en ocasiones. Tony Lazaro en su mundo (salvo en “Dechristianize” donde se desmelena brevemente) y Suzuki dándolo todo con su cara endemoniada en los solos de guitarra y los coros. Por su parte Brian Hobbie como bajista y Antonio Donadeo como batería, cumplen a la perfección su papel de acompañantes, sin acaparar protagonismo.

Hasta aquí todo perfecto, pero si es tu primer DVD e incluso grabación en directo, ¿por qué confeccionas un set-list que exclusivamente recoge temas de tus dos últimos trabajos? Vale que lo hagan habitualmente en las giras, porque el grupo ha adquirido cierto renombre desde que está en Century Media, es decir con “Dechristianize” e “Icons Of Evil”, vale que tus dos primeros discos, “Let Us Pray” e “Into Cold Darkness” tengan un estilo bastante diferente, más atmosférico y menos brutal que en la actualidad. Pero hay dos discos fundamentales como “Forever Underground” y “Dawn Of The Apocalypse” que se empeñan en dejar a un lado, quedando el DVD bastante cojo en el aspecto de ser representativo de la carrera de VITAL REMAINS. De esta manera, el set-list es idéntico al de su último concierto en Madrid, es decir, la primera mitad dedicado a “Icons Of Evil” y la segunda mitad del concierto dedicado a “Dechristianize”. Del primero de los citados, merece una mención especial “Born To Rape The World”, donde el estribillo es coreado por todo el público aunque apenas hay sonido de ambiente en el DVD. También demuestra ser un tema muy efectivo para el directo “Hammer Down The Nails” gracias a sus buenos riffs. Los otros cortes, “Icons Of Evil” (precedida de su introducción correspondiente) y “Scorned” suenan igual de potentes que en disco, aunque tardas en acostumbrarte al timbre de Boynton.

Por su parte “Dechristianize” se ve representado por el tema que le da título, “Infidel” y “Devoured Elysium”. Al contrario de como hicieron en Madrid el enlace con los temas del “Dechristianize” no lo hacen marchándose del escenario brevemente, sino que Suzuki aprovecha para ejecutar unas breves pruebas con su guitarra para el delirio de la audiencia, para que la introducción de “Dechristianize” suene con todo el público con los brazos en alto y aplaudiendo. Este hecho demuestra que el citado disco es uno de los de mayor aceptación para la banda pues el público se muestra mucho más activo que en los primeros cortes, si bien es cierto que la edición de “Icons Of Evil” era muy reciente y no estarían familiarizados con los temas. Se llega así, tras poco menos de una hora, al final con “Devoured Elysium” que es el corte que cierra el DVD, mostrándose ideal para que el público termine de desfasar gracias a su adictiva parte central. Como ya apunté al inicio de la reseña, hay cierta sensación de frialdad por lo lejos que está el escenario del público, fruto del gran foso para periodistas y cámaras, pero es estimulante ver la enorme cantidad de gente que hay viendo a la banda, contrastando con lo que en España ha ocurrido en sus visitas. De todas formas, es un buen concierto y se disfruta bastante a pesar del set-list escogido.

Entre los extras, no debe faltar la típica entrevista de algo menos de media hora, a la que se puede acceder por partes, según cada pregunta. Tony Lazaro demuestra ser una persona bastante más abierta de lo que parece en directo, pero tiene muy claro que es el que toma las decisiones en VITAL REMAINS haciendo que perdure en el tiempo, y lo demuestra en la propia entrevista, ya que Suzuki apenas habla en la misma. Lázaro da así un buen repaso a toda la historia de la banda: la forma de entrar de Dave Suzuki en la misma (su versatilidad como instrumentista, despejando las dudas sobre si en el estudio se ayuda de efectos para sus partes de batería), su opinión sobre las primeras demos del grupo (hace poco reeditadas en un solo CD por Century Media), el uso de corpsepainting en los primeros pasos del grupo (siendo uno de los pioneros en esto en EE.UU), la importancia evidente de “Dechristianize” en la vida del grupo, hasta unas interesantes reflexiones sobre su opinión de la religión y la filosofía de vida de VITAL REMAINS.

Como extra muy interesante, un vídeo de casi 40 minutos realizado con muchos menos medios, cámara en mano y con sonido algo deficiente, en el mismo año en Polonia en el Mega Club, una sala mucho más pequeña y modesta, pero con un set-list algo diferente incluyendo otros dos cortes de “Dechristianize” no presentes en el concierto del Metal Mania Festival, “Unleashed Hell” y “Savior To None... Failure For All...”, ambos temas de los más directos que tiene el redondo y que sí tocaban habitualmente en la gira de aquel disco. A pesar de que el lugar elegido para este concierto es mucho más pequeño, el grupo parece más cómodo que en el gran escenario del Metal Mania Fest. El resto se completa con lo típico en este tipo de productos: biografía del grupo, galería de fotos, archivos multimedia..., y otro vídeo de Suzuki ejecutando los solos de guitarra de algunos de los temas del grupo que no viene mucho a cuento, salvo que seas muy amante de la técnica de guitarra.

En resumen, un lanzamiento ideal para tener una visión de la última etapa (la más conocida) de VITAL REMAINS, pero que se queda cojo para reflejar la larga trayectoria de esta banda y todo lo que ha dado de sí en lo que a producción discográfica se refiere. Aún así, por la calidad de su realización, si conoces las dos últimas obras del grupo y no fuiste de los pocos que los vimos en sus visitas a nuestro país, el DVD es casi obligado.

Concierto completo: https://www.youtube.com/watch?v=v2OZSpbMfIQ

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AMARAL - "Nocturnal": En medio de la oscuridad.

Han pasado casi cuatro años desde “Hacia Lo Salvaje” y también desde que AMARAL decidiera volar totalmente solo, sin discográficas detrás, sólo con sus propios medios. Han pasado cuatro años desde que Eva y Juan se despegaran de su etiqueta de banda radiofónica y pasaran a poner música a la “generación perdida”. A esa generación que parece que no reacciona aunque le den todas en el mismo carrillo. Cuatro años en los que el nombre del dúo seguía en el aire, entre otras cosas por un videoclip de adelanto de “Ratonera”, tema que daba un bofetón en la cara a toda la clase política y que supuestamente estaría en el nuevo disco, trabajo que se retrasaría un año más. Finalmente “Ratonera” no está en “Nocturnal”, pero sí lo está su espíritu, un espíritu de realismo y de mirar de frente a la verdad, y también en su trasfondo de hastío, de cierta pesadumbre y hasta pesimismo.

La música de AMARAL ha evolucionado tanto como los registros vocales de Eva. Ya no estamos ante un grupo de estribillo fácil, a veces incluso ñoño, en donde la candidez de la cantante nos llevaba por los caminos del enamoramiento y las amistades fáciles. Aquellos tiempos en que el dúo tenía “Pájaros en la cabeza” han pasado y han dejado espacio a la madurez, tanto lírica como musical. Ya “Gato Negro, Dragón Rojo” puso sobre aviso de que AMARAL iba a romper su propia “Barrera del sonido” y cual “Kamikaze” iba a coger las riendas de su propio destino y dirigirlo hacia donde querían. Hacia su propio mundo. Así, huyendo hacia la “Antártida”, AMARAL llega al 2015 con “Nocturnal”: el disco más introspectivo y oscuro que tiene AMARAL en su haber, tanto o más que su portada. Probablemente el disco más arriesgado también, y definitivamente, y sin miedo a equivocarme, su mejor disco hasta la fecha.

De partida nos encontramos con una producción muy centrada en la atmósfera y el ambiente. Una vez que el primer disparo se da, con “Llevame Muy Lejos”, tema de versos ambiguos pero muy poderosos que será fijo en sus directos, el hecho de encontrarnos con la “Obertura” como segundo tema dice mucho de lo que pretende AMARAL. Y es que desde ese momento nos adentramos en la noche, en el punteo y los teclados ambientales, en los versos pesimistas y las auras pseudo góticas ochenteras. “Unas Veces se Gana y otras Se Pierde” es cruda como pocas, pero es “Nocturnal” la que definitivamente nos muestra dónde está AMARAL: “no me mires así, nada te puedo dar, no hay nada bueno en mi”. Nada que ver con el orden bello y cuidado de sus inicios, nos damos con la pura realidad, la teoría del caos. La “Ciudad Maldita” adopta tintes de Bolero, con letra casi tan desesperada como un fandango flamenco y sólo los toques electrónicos de “Lo Que Nos Mantiene Unidos” nos despiertan de una claustrofobia ciertamente desasosegante.

La segunda parte del trabajo mantiene estos aires de medio tiempo y atmósfera absorbente, con algo más de clarividencia en “500 Vidas”, que recuerda bastante a “Gato Negro, Dragón Rojo”, aunque experimentando con unos coros y líneas de bajo mucho más arriesgadas, pero en general seguimos metidos en un tubo de rayos catódicos, en “Cazador” nuevamente en medio de un aura gótica ochentera, en “Nadie Nos Recordará”, con una estructura de intensidad creciente y en “La Niebla” en formato semiacústico casi Folk. “Laberintos” vuelve a sacar la cabeza a la luz en forma de COUSTEAU y compañía, pero no por su letra “No hay respuesta para tus preguntas, solo un inmenso mar de dudas”. La electrónica es un compañero constante en la producción y vuelve a ser elemento esencial en “Chatarra”, tanto por caja de ritmos como por elegantes ambientaciones… “a que has venido sino, si aquí no hay nada,  solo el vacío, y la chatarra”, aunque su estribillo es más lúcido que otros, e incluso algún vaivén flamenco también se le escapa a Eva, y tampoco anda lejos “En El tiempo Equivocado” que nos mantiene en la oscuridad a golpe de Slide Guitar y efectos. La confirmación de esta nueva línea musical la tenemos en “Noche De Cuchillos” que podía ser firmada por THE SISTERS OF MERCY, el tema donde la electrónica asume su papel más predominante y la oscuridad se transforma en esperanza: “emigrar a otro planeta, donde no tengamos dueño, donde el alma de la gente no se apague con el tiempo, donde no exista moraleja, al final de cada cuento…”.

AMARAL se sale de su corsé y lo hace de manera sorprendente y atrayente. Ya no son el dúo que sonaba en los 40 Principales a todas horas. Ni tan siquiera “Llevame Muy Lejos” tiene formato radiofónico con su duración por encima de la media. Por otro lado AMARAL se hace hijo de su tiempo, ya no es la banda sonora de una generación perdida, sino el acicate de otra nueva, la del renacer de las cenizas. AMARAL ha madurado y en el camino puede que pierda acólitos, pero gana personalidad y sobre todo carácter artístico. La noche se cierne sobre la cabeza de Eva y Juan, y ellos se hacen hijos de la luna.

Llevame Muy Lejos: https://www.youtube.com/watch?v=YO7yLFmBh5k

Ciudad Maldita: https://www.youtube.com/watch?v=GNTS-WMU6xg

Noche de Cuchillos: https://www.youtube.com/watch?v=VcuGgEtpaPA

TALISMAN - "Genesis": Siempre ahí

TALISMAN es uno de esos grupos que tiene siete vidas como los gatos. Idas y venidas, salidas y entradas de sellos, despedidas y reuniones... cuando este año 2007 se anunció que TALISMAN daba su gira de despedida, muchos, entre los que me incluyo, nos lamentamos por ello, pero albergamos la esperanza no muy descabellada de que la formación de Marcel Jacob vuelva antes de lo que se piensa, y más desde que Jeff Scott Soto ha dejado de ser el nuevo vocalista de JOURNEY. Pero me estoy adelantando a los acontecimientos, y el objetivo de esta reseña no es especular, sino rendir tributo a mi banda de Hard Rock favorita, con uno de los mejores vocalistas que hay en el mundo de la música desde mi punto de vista.

TALISMAN se formó al final de los ochenta, momento en que los combos de Hard Rock estaban teniendo su mayor auge en Europa. El inquieto Marcel Jacob, bajista entre otras muchas cosas, estaba en ese momento en la banda de John Norum, el que fuera guitarrista de EUROPE y que ya había iniciado su carrera en solitario, mientras sus antiguos compañeros trataban de seguir la estela de éxito que empezaba a flaquear y que dio como resultado mi disco favorito de la archiconocida formación sueca, “Prisoners In Paradise”. Para reflejar sus ideas musicales de alguna forma, Marcel Jacob grabó unas demos todavía sin una formación en mente, en donde Göran Edman, vocalista de Norum también, puso las voces. Satisfecho con el resultado, Jacob empezó a buscar compañeros de viaje que pusieran todos sus sentidos en TALISMAN, y después de un tiempo, acabó por contactar con Jeff Scott Soto, natural de Puerto Rico y con el que Marcel Jacob ya compartió experiencias en la banda de Yngwie Malmsteen, grabando el buenísimo “Marching Out”. Soto, que era aún más inquieto que Jacob en lo que a proyectos musicales se refiere, no lo dudó mucho y entró en TALISMAN convirtiéndose en su seña de identidad con su inconfundible voz.

Completando la formación con Chris Stahl y Mats Lindfors en las guitarras, Peter Hermansson en la batería y Mats Olausson en los teclados, TALISMAN grabó en 1989 su debut, titulado como la propia banda. Sin embargo, no todo estaba hecho. El sello con el que Jacob había firmado para la edición del álbum había quebrado y TALISMAN se encontró con un disco grabado y sin sello para editarlo. No fue hasta 1990 que “Talisman” salió a través del sello Airplay. El resultado comercial, sobre todo en su Suecia natal, fue enorme, lo que llamó la atención de una multinacional como Warner, que fichó a la banda para futuras ediciones, alegría que no le duró mucho a Marcel Jacob, pues el responsable de Warner con el que había firmado dejó la compañía, y los nuevos directivos no mostraron el mismo interés en su banda, con lo que cuando “Genesis”, segundo trabajo de TALISMAN ya estaba gestado, el combo sueco volvía a estar sin sello. Para el alumbramiento de “Genesis” Jacob necesitaba músicos, pues salvo Jeff Scott Soto, el resto de miembros que grabaron el debut de la banda, la dejaron. Para ello Jacob contactó con su amigo Matt Alfonzetti, con el que empezó a grabar las demos que servirían de base para el disco y junto al cual realizó audiciones para encontrar a un guitarrista solvente para la banda y una sección rítmica completa. De esta manera entró en el grupo el que durante mucho tiempo ha sido su guitarrista, Fredrik Akesson, que en aquella época tenía 19 años. Jake Samuels que había sido batería en los directos de TALISMAN fue en principio el seleccionado para asumir este rol en el disco, pero dejó el grupo poco antes de la grabación del mismo con lo que Jacob asumió su papel programando las partes de batería.

Ya sólo faltaba encontrar un sello, y así llegaron a un acuerdo con Dino Music / Empire Records, editando por fin en los albores de 1993 el magnífico segundo disco de TALISMAN, “Genesis”. Si en el debut, TALISMAN despuntaba como una banda de Hard Rock melódico “a la sueca”, con unas melodías memorables, en “Genesis” la banda se desmarcaba con un disco más personal, más variado, donde el Funk y el Soul impregnaban muchos temas. Pero lo mejor desde mi punto de vista de “Genesis”, fue la capacidad de Jacob y Soto para crear temas que podían ser considerados como auténticos hits, de estos que no se olvidan fácilmente y que se tiran semanas grabados en el cerebro. La producción era mucho más pulcra y brillante que en “Talisman”, aunque nuevamente Jacob tenía un protagonismo fundamental, resaltando su bajo en todos los cortes del trabajo, característica que sin embargo, creo que es fundamental para potenciar el sentimiento más Funk de algunos temas. Pero no sólo Jacob brilla, Akesson hace uno de sus mejores trabajos, con solos memorables y melodías fácilmente retenibles y el propio Soto está desatado, pues al ser “Genesis” un disco más variado estilísticamente, y teniendo en cuenta el gusto ecléctico del cantante de Puerto Rico, podía experimentar con una gama de registros mucho más variada.

El disco se abre de la mejor manera que se puede en este estilo, con todo un hit como es “Time After Time”. La introducción Blues, da paso a un riff de guitarra adictivo como pocos y el primer guiño al Funk de todo el disco. El estribillo del tema queda grabado a fuego y la capacidad de Akesson y el propio Jacob para mezclar el dinamismo de las guitarras más Hard, con los pasajes sincopados, convierte a la composición que abre “Genesis” en una de las mejores del disco. Pero si fuerte parece este inicio, “Comin´ Home” no lo es menos. Un tema más cañero y de tradición más Hard, donde las guitarras tienen un protagonismo mayor, tanto desde el punto vista rítmico como de unas melodías dobladas que son increíbles. Soto exprime cada estrofa al máximo y contagia su energía de una manera mágica, demostrando lo enorme vocalista que es. El nivel está por las nubes, pero ¿para qué bajar el listón cuando estamos ante tal grado de inspiración?, Jacob y Soto no descansan y disparan un nuevo hit, el primer single del disco y una de sus indispensables en directo: “Mysterious (This Time It´s Serious)”. Tema concebido desde el principio como escaparate comercial de “Genesis”, pero ante el que es imposible no descubrirse. Más melódico, con un papel más protagonista de Soto y nuevamente un trabajo solista de Akesson para quitarse el sombrero. “If U Would Only Be My Friend” vuelve a recuperar los ramalazos Funk, y aunque puede tener el duro papel de ser el tema que viene después de “Mysterious”, pienso que el papel de Soto es descomunal, en un tema más relajado y meloso, donde el mulato consigue emocionar.

Toca el momento de volver a levantar al público de sus sillas, y qué mejor que con todo un trallazo de Hard And Heavy heredero de RAINBOW y compañía como es “All Or Nothing”: poderoso, pegadizo y dinámico a más no poder. Ideal para los directos, como muchos pudieron comprobar en la última gira de TALISMAN en España. Y llega el apartado más intimista y desgarrador del disco: “All I Want” donde Julie Greaux toca el piano. Una balada, desde mi punto de vista debe saber emocionar, mantener la tensión para que el oyente se sienta transportado aunque no siga el trasfondo lírico y ejecutarse de una manera impecable. Pues todas estas cosas están presentes en “All I Want”, donde Soto se erige como dueño y señor de TALISMAN por unos instantes, emocionando como pocos pero sin caer en la lágrima fácil, lo que unido a un solo precioso de Akesson, convierten a “All I Want” en uno de los temas más logrados de “Genesis”. Ante tanta carga emotiva, la mejor manera para levantar el ánimo es seguir con un tema de clásico Hard Rock melódico, con una introducción de bajo de Jacob magistral. Me refiero a “U Done Me Wrong”, tema más convencional en sus formas, pero siempre con el sello de TALISMAN. Manteniendo esta parte más tradicional de “Genesis”, la siguiente en la lista es “I´ll Set Your House On Fire”, composición de aires muy americanos como demuestran sus riffs sencillos pero efectivos, manteniendo un tempo contenido y adictivo que la convierten en una canción muy directa.

El disco llega en este instante a otro momento culminante con el riff de entrada de “Give Me A Sign”, que parece continuar la onda más americana del tema predecesor, pero pronto las líneas vocales de Soto y un trabajo melódico de las guitarras excepcional, convierten a esta canción en otro hit en potencia imprescindible en los directos y con la cualidad de conseguir que estemos tarareando su estribillo durante semanas. Sencillamente genial. Como geniales son también los juguetones y pegadizos riffs de “Lovechild”, otro tema con capacidad suficiente para ser un single en toda regla, cuyo estribillo también es difícil de olvidar. Finalmente “Long Way To Go” pone el punto final al disco con un corte a medio tiempo, oscuro, pero con un trabajo de guitarras que culmina la impecable labor de Akesson a lo largo de todo el disco, sin duda el mejor corte para apreciar las cualidades de este guitarrista. No obstante, algunas versiones del disco incluían otro tema, una versión del “Run With The Pack” de BAD COMPANY, interpretada de una forma muy notable por la banda, aunque pienso que Soto está algo deslucido en sus líneas vocales. En cualquier caso, ambos temas constituyen un gran final para este disco imprescindible para los aficionados al buen Hard Rock europeo.

Tras “Genesis” la historia de TALISMAN siguió dando alegrías, a pesar de su discontinuidad discográfica. Los “Humanimal I y II” (dos versiones del mismo disco por problemas con las compañías europeas y japonesas) mantenían el nivel, aunque quizás adolecían de altibajos que no existían en los dos primeros discos del combo y aunque “Life” de 1995 es otro gran disco, empezaban a agotarse las ideas. Era el momento de tomarse un respiro, el primero de la banda, que se alargó durante tres años. “Truth” supuso la vuelta al estudio, que sin embargo tampoco tuvo mucha continuidad, pues TALISMAN volvía a tomarse un respiro, aunque curiosamente en el camino nació un nuevo grupo cuya base de componentes era la misma, HUMANIMAL. Esta vez el resurgimiento de TALISMAN sucedió por segunda vez más tarde (exceptuando su accidentada actuación en el Sweden Rock Festival de 2001), tras la firma de un contrato con Frontiers Records, la compañía puntera en lo que a Hard Rock se refiere. Salía al mercado “Cats And Dogs”, un disco más duro de lo habitual y que sirvió para que TALISMAN volviese a estar en boca de todos. El problema era que los miembros de TALISMAN ya no lo eran a tiempo completo. Jeff Scott Soto estaba metido en mil y un proyectos, en solitario, con SOUL SIRKUS, etc, Marcel con LAST AUTUMN´S DREAM también tenía lo suyo y Fredrik Akesson estaba descubriendo sus gustos más extremos en ARCH ENEMY y actualmente en OPETH. Encima, Soto, aún dolido por que no se contara con él para la gira de reunión de QUEEN, era contratado como vocalista de JOURNEY (aunque poco le ha durado el sueño). Aún así, el último disco hasta la fecha de TALISMAN, “7” se ha convertido en uno de los mejores de su carrera, poniendo, aparentemente, el punto y final para la historia de esta banda, aunque como especulaba al inicio de esta reseña, confío en que no dentro de mucho la formación vuelva a anunciar su vuelta.

Tras más de 15 años de carrera, TALISMAN es por derecho propio una de las bandas fundamentales para los aficionados al Hard europeo, a pesar de que no hayan sido muy prolíficos. Sabiendo combinar los variopintos gustos de sus miembros y con una gran capacidad para crear canciones de todo tipo, “Genesis” es para mí el resumen perfecto de lo que es este grupo sin desmerecer el resto de sus obras, en especial “7”, que está al mismo nivel de calidad que el citado. El tiempo dirá si estoy equivocado y Jacob, Soto y demás no regresan por tercera vez tras un “descanso”, pero hasta entonces, como dice mi abuela, que les quiten lo bailao.

(Crítica publicada también en: http://www.rocktotal.com)

Time After Time: https://www.youtube.com/watch?v=KM1Mq7psFK0

Comin´Home: https://www.youtube.com/watch?v=MdWeQTz7mps

Mysterious (This Time It´s Serious): https://www.youtube.com/watch?v=VgIShJXiThQ

VIDRES A LA SANG - "Endins": Negro destino, Roja Venganza

¿El mejor disco de Metal Extremo en España del año 2006? ¿Uno de los discos más destacados a nivel mundial?. Es difícil contestar a estas preguntas teniendo en cuenta lanzamientos como los de UNREAL OVERFLOWS, pero el segundo disco de los catalanes VIDRES A LA SANG ha cogido varios metros de ventaja, y se perfila como uno de los discos del año, y no me refiero sólo al ámbito nacional. Quién los conozca de su debut homónimo que tan buenas maneras apuntaba, sabrá lo que le espera, y el que no los conozca se estará perdiendo una de las propuestas más interesantes del panorama metalero español. Así de simple y contundente.

Hace un par de años, esta formación creada en 2002, sorprendía con un Death Metal con toques Black, oscuro y épico, cantado en catalán, recogiendo en sus composiciones los textos de un poeta llamado Martí i Pol. Como varias personas me han dicho, y yo mismo pensé en su momento, es posible que el poderío compositivo de aquel primer disco se debiera en parte al hecho de que la música estuviera pensada para acompañar a poemas tan ricos como los del citado poeta ya fallecido. Sin embargo, en este segundo trabajo sólo han usado un poema de Martí i Pol y el resto de las letras han sido compuestas en su mayoría entre Eloi y el batería en el momento de grabar el disco, Carles, que ahora ya no está en la banda, al ser sustituido por Alfred Berengena de BAALPHEGOR. Y aún así la capacidad de asombro y enganche de las estructuras musicales de VIDRES A LA SANG no solo sigue intacta, sino que se ha incrementado exponencialmente, superando en gran medida este segundo trabajo a su anterior aportación.

La base de Death Metal oscuro y pesado, cogiendo el testigo de MORBID ANGEL, INCANTATION o IMMOLATION, mezclado con fríos riffs de inspiración Black, que te pueden recordar a IMMORTAL o DISSECTION, y unas melodías épicas de enorme belleza, siguen como patrón estilístico del grupo, pero la maduración que han alcanzado en estos meses ha sido enorme, pudiendo reconocer al grupo desde el primer tema, con un sonido propio, extremo, denso, atractivo y pegadizo (no podrás quitarte de la cabeza muchos de los riffs, por más que quieras). La evolución de VIDRES A LA SANG se ha conducido hacia una variedad de estructuras mayor, más trabajadas, más cuidadas y ricas en matices, que pasan de medios tiempos donde afloran asombrosas melodías, a pasajes más veloces y agresivos que te mantendrán atento a lo largo de las seis largas composiciones de que consta este trabajo.

"Endins" supone así la culminación de lo que "Vidres A La Sang" dejó entrever. Sobre todo gracias al poderío de la mejor producción de la que ha podido gozar el grupo, algo que al final deslucía un poco su debut. Así por ejemplo, en este disco, con un poco de atención se pueden seguir perfectamente los textos en boca de Eloi. Es una producción nítida, pero a la vez oscura, acorde con la música del grupo, quizás a veces algo exagerada hasta tal punto que la batería parece sobreproducida, pero no llega a parecer artificial como en otras bandas sucede. También supone una culminación en el dominio técnico del grupo, pues no sólo han amplificado sus dotes en composición de estructuras más largas, variadas y cuidadas (algo que puede ser atribuido al cerebro de Eloi, el compositor de los temas), sino que también han enriquecido aún más sus características y épicas melodías. Sin duda el trabajo de Albert en las guitarras solistas es de sobresaliente en este disco, y se perfila como uno de los puntos a destacar de todo el trabajo. Hasta en el aspecto extramusical de la presentación del CD han mejorado, manteniendo el tono rojo acorde a su paintcorpse en directo (rojo y negro), e incluyendo las letras tanto en catalán, como en inglés y castellano. Un disco, en definitiva cuidado al detalle, que los reivindica como un valor en alza del Metal Extremo europeo.

Centrándonos en las ricas composiciones, el disco comienza sin florituras, directo con "Amb Tota Rancúnia", cuyo afilado riff de entrada está cargado de odio y rabia. Pronto nos damos cuenta de la mejora de la producción, pues nunca antes se escucharon tantos detalles en las guitarras del grupo catalán. Pero también nos damos cuenta de la complejidad y variedad estructural de la que he estado hablando todo el rato en esta reseña: por momentos nos encontraremos en medio de pesados riffs a medio tiempo con el doble bombo de Carles en constante martilleo, como de repente el ambiente se llenará de melodía en forma de uno de los solos de Albert más inspirados del disco (y lo mejor está por llegar). La profunda voz de Eloi, que en directo da mucho juego, no se encuentra tapada en ningún momento a pesar de la densidad musical de la que hace gala el grupo, algo que estará presente a lo largo de todo el trabajo, y que es insignia de VIDRES A LA SANG.

La variedad de estructura tiene como mayor exponente, uno de mis cortes favoritos, "Els Límits De La Creació". Uno de los temas más poderosos, donde la voz, en algunos momentos doblada, de Eloi y unos riffs entrecortados transmitirán mucha fuerza, tanto en los tempos más lentos del tema, como en los pasajes más veloces. En ella se ve un acercamiento a melodías que no estaba presente en su debut, sin que por ello sea un tema accesible. De hecho, cada vez que escucho este tema descubro nuevos matices, una melodía que en la que no me fijé, un riff que no supe apreciar... en definitiva, una composición que gana por momentos, y que se convierte en uno de los puntos culminantes de todo el trabajo.

El medio tiempo predomina en "Identitat", uno de los que más oscuridad transmite, en forma de decadentes riffs cuyas notas se alargan hasta el infinito por momentos. El contrapunto lo pone Carles, con constantes cambios de ritmo que lo convierten en uno de los baterías más interesantes del panorama nacional. Lástima su marcha de la banda, aunque según me han dicho, Alfred Berengena, es casi tan versátil e impresionante como su predecesor en las baquetas. Y nuevamente destaca el virtuosismo de Albert, que en este disco está desatado en lo que ha capacidad instrumental se refiere.

La velocidad y agresividad del primer corte vuelve a hacer su aparición en "Negre Destí, Roja Venjança", un tema que hace clara alusión a los colores usados como seña de identidad por el grupo, el rojo y el negro. Los riffs vuelven a ser épicos y afilados, y tienen el poder de quedarse clavados durante bastante tiempo. El hecho de que podamos definirlo como un tema "típico" de VIDRES A LA SANG, demuestra que el cuarteto catalán ha conseguido crear un sonido propio e identificable.

Y llegamos a otro punto culminante, sino la mejor composición de todo el trabajo, a la par que la más lenta y densa. "Torna Al Teu Clos", es el único tema con letra de Martí i Pol, y cambia bastante la tónica habitual de VIDRES A LA SANG, ya que sacrifican la velocidad de otros temas por un espeluznante medio tiempo, con doble bombo constante, y riffs de belleza helada que adquieren tintes realmente épicos, como en ninguna otra parte del disco. La voz de Eloi parece más protagonista que nunca, sonando desnuda muchas veces, aumentando el sentimiento de penumbra que rodea todo el tema. Uno de los temas más largos, y sin embargo de los más disfrutables de todo el trabajo, y eso que el juego de intercambio de elementos que está presente en todo el disco, aquí se convierte en una estructura aparentemente más sencilla, que sin duda permite disfrutar mucho más de las letras. Si hubiera que poner un ejemplo de como el Metal Extremo puede llegar a provocar sensaciones en el oyente, que van a más allá de la impresión por la técnica, "Torna Al Teu Clos" sería ideal.

El trabajo cierra los casi 40 minutos de poesía que contiene con un tema de inicio muy Black, "Tots Els Paisatges Són Iguals", que parece sacado de la fría Noruega, y que va evolucionando hacia otro escaparate de melodías oscuras y de gran belleza, que vuelven a mostrarnos en su parte final a Albert como uno de los guitarristas más interesantes del Metal español. En resumen, seis composiciones superlativas, de un nivel altísimo en todo momento, convirtiendo a "Endins" desde ya, en un clásico del Metal Extremo en España.

Si eres amante del buen Metal Extremo, clásico en sus parámetros, pero de una calidad increíble, "Endins" supone uno de los lanzamientos del año, esperado por todos los que nos sorprendimos ante el debut de VIDRES A LA SANG, y que cubre las expectativas con creces. Como sigan por este camino en el futuro, harán historia, si es que no lo han hecho ya. Auténtica poesía musical totalmente recomendable.

(Crítica publicada también en: http://www.rocktotal.com)

Amb Tota Rancunia: https://www.youtube.com/watch?v=9Tj1demSyRI

Negre Destí, Roja Venjança: https://www.youtube.com/watch?v=pUEyyCC_l88

Torna Al Teu Clos: https://www.youtube.com/watch?v=gvIWs5dupAY

VIDRES A LA SANG - "Vidres A La Sang": En rojo y negro

De lo mejor editado en España en mucho tiempo, así se puede definir desde el principio el trabajo del primer disco de la banda catalana VIDRES A LA SANG. Surgieron en 2002 como un proyecto extremo sin etiquetas, sin encasillarse en un género concreto, cogiendo la influencia de los grandes: IMMORTAL, MORBID ANGEL e incluso de grupos de Heavy como IRON MAIDEN. En poco tiempo compusieron suficientes temas como para entrar en el estudio y por su cuenta y riesgo autoeditar el debut que me dispongo a comentar. Dada su escasa promoción y distribución, el disco es reeditado ahora de nuevo por la compañía española Xtreem Music. Menos mal, porque esta música no merecía quedar olvidada en el fondo del territorio más underground.

La primera escucha del debut homónimo de VIDRES A LA SANG, hace que nos venga a la mente grupos como INCANTATION, DISSECTION e incluso AMON AMARTH (en los medios tiempos). Como se puede ver sus influencias son variadas. Y es que el grupo catalán se mueve tanto por terrenos Black, Death, de la música épica... como pez en el agua. Buenas melodías, poderosos riffs unas veces, afilados y veloces otras... todo entreteje un universo musical propio muy interesante y lleno de matices. Además tiene la originalidad de estar cantado íntegramente en catalán, basándose en los poemas de un poeta catalán ya fallecido, Miquel Martí i Pol.

Las composiciones son largas, pero no aburridas, todo lo contrario. El trabajo llevado a cabo por Eloi (compositor de todos los temas) es excepcional y juega con pasajes de todo tipo sin que ello genere discontinuidad, en unos temas perfectamente estructurados. De las partes más genuinamente Black, rápidas y frías se pasan a medios tiempos pesados y vigorosos sin problemas.

El disco se abre con un "El Mes Dur Siempre Guanya", dónde los riffs afilados de Black Metal, adquieren su lado más épico, con unas melodías grandiosas. Pronto los cambios de ritmo hacen su aparición, convirtiendo la labor del batería en una labor de ingeniería. Este pasaje da paso a un medio tiempo central de puro Death Metal pesado y oscuro, para acabar en una apoteosis final con un estupendo sólo de guitarra incluido. Un medio tiempo de riffs pesados da paso a "Un Día Qualsevol", de tono más Deathmetalero, pero sin olvidar las melodías épicas y los constantes cambios de ritmo, los poderosos riffs de la parte final del tema son de órdago.

Una melodía fría y enigmática abre el mejor tema del disco (sin menospreciar el resto que son igual de magníficos), "La Terra i Tú". Rápidos ritmos, riffs oscuros de puro Black mezclados con otros más poderosos y pesados y una voz llena de matices. Hay momentos en el tema en que uno pierde la noción del mundo y es absorbido completamente por la música. "El Nostre Silenci", vuelve a los tiempos pausados y los riffs potentes de puro Death, pero con unos complejos ritmos y continuos cambios en la estructura. La parte melódica viene de la mano de un estupendo sólo de la guitarra de Albert. El sonido, las melodías y la pesadez conseguida hace que nos vengan a la mente los nuevos AMON AMARTH.

"La Nostra Estirp" se abre como el inicio del disco, con unos riffs de corte Black y unas melodías que envuelven una base rítmica muy variada y llena de momentos sublimes. El tema va evolucionando hacia terrenos más Death de una manera natural y sin fisuras. Esto nos sirve de enlace para  "De Sobte El Foc", el tema más Black de todos, con los ritmos más veloces y una gran variedad de riffs y melodías que nos recuerdan a DISSECTION.

Desde luego, junto a THE HERETIC, VIDRES A LA SANG se alzan como unos de los grupos más interesantes de la escena española más novedosa. Si eres aficionado a la buena música, no te defraudarán.

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La Terra i Tú: https://www.youtube.com/watch?v=vg46ABUd74o

Un Día Qualsevol: https://www.youtube.com/watch?v=fPH020RQLe8

De Sobte El Foc: https://www.youtube.com/watch?v=G_9NhVsORgM

SUFFOCATION - "Effigy Of The Forgotten": Abriendo caminos

Hay discos que marcan un antes y un después en la historia de la música, facturados por bandas que tienen el derecho a llamarse pioneras, rompedoras, creadoras de una forma de componer, de un sonido que posteriormente sería alabado una y otra vez, e imitado hasta la saciedad por una lista interminable de bandas. "Effigy Of The Forgotten" de SUFFOCATION es uno de estos casos. Una pieza clave en la evolución del Death Metal que es imprescindible para entender una de las raíces del Metal extremo que vendría después, y más concretamente, del Brutal Death.

Si se me permite resumir la sensación con la que se queda el oyente tras escuchar este disco con una sola palabra, esa sería "contundencia". La forma de afinar las guitarras, los ritmos llevados a cabo por la batería, y la inhumana voz de Mullen, todo ello envuelto en una producción crepitatne, potenciadora de los graves y brutalmente poderosa, hacen de "Effigy Of The Forgotten" un auténtico mazazo ante el cual es difícil no sorprenderse al escucharlo por primera vez. Este sonido, esta forma de tocar, y sobre todo la forma de cantar de Mullen, fueron imitados (y siguen siéndolo) en una gran cantidad de grupos de Brutal Death posteriores, con mejor o peor resultado, llegando a la notabilidad en muchos casos, pero también a la mediocridad y al más increíble de los ridículos en otros. En cualquier caso, sirve de muestra de por qué SUFFOCATION merecen estar en lo más alto del panorama metalero.

Pero antes de seguir hablando de este disco en concreto, toca un poco de historia del Death Metal para que los no iniciados tengan una idea del contexto que rodeaba la creación de esta gran obra. De esta manera, "Effigy Of The Forgotten" se puede considerar una obra clave del llamado sonido de Nueva York surgido a finales de los ochenta y principios de los noventa. Hasta entonces los cabezas de serie del Death Metal se situaban en la zona de Florida (bandas como MORBID ANGEL, DEICIDE, CANNIBAL CORPSE, MONSTROSITY, DEATH...), pero en la ciudad más emblemática de los EE.UU también había un conjunto de grupos que estaban encontrando su propio sonido: IMMOLATION, PYREXIA y los propios SUFFOCATION dieron una vuelta de tuerca generando un estilo aún más técnico sin dejar a un lado los riffs pegadizos, integrando las raíces del Hardcore (algo que se puede comprobar en las estructuras de muchas canciones de SUFFOCATION y PYREXIA) en la oscuridad y la fuerza del Death Metal, en definitiva, dando su propio toque personal a esta música.

La andadura musical de SUFFOCATION da comienzo a finales de los ochenta, cuando grabaron su famosa demo "Reincremated", que les abrió las puertas de un sello de reciente creación, Relapse Records, el cual tuvo el honor de iniciar su lista de grabaciones a editar con el primer esfuerzo de Hobbs, Smith y compañía, su increíble EP "Human Waste" (no hace mucho reeditado junto a la citada demo). Aunque todavía no tenían ese sonido que en "Effigy Of The Forgotten" alcanzaron, "Human Waste" (donde están algunas de las composiciones del disco que estoy comentando) ya demuestra el camino que querían seguir estos chicos, imprimiendo su personalidad y sus raíces en el Death Metal. Poco después ficharían por el entonces gran sello en lo que a obras imprescindibles se refiere, Roadrunner Records, compañía que les editaría sus tres primeros discos completos desarrollados en algo menos de cinco años.

Llegamos de esta manera a 1991, año en el que SUFFOCATION entró a grabar "Effigy Of The Forgotten". Dado que no había pasado mucho tiempo desde "Human Waste" y que Roadrunner era un sello más poderoso, decidieron coger gran parte de los temas de su EP y regrabarlos con su nuevo sonido, junto a otras nuevas composiciones y creando como resultado esta obra maestra imprescindible. Las guitarras de este disco llegan a tonalidades insospechadas situadas en el subsuelo de los graves, una afinación que crearía escuela, y que se traslada a la ultra gutural voz de Mullen dando como resultado final un disco tan adictivo, poderoso y contundente que no dejarás de escuchar una y otra vez. Ya desde que "Liege Of Inveracity" comienza, nuestro cerebro experimenta una concentración ante la fuerza con que nuestros oídos han sido golpeados. Unos riffs mecánicos y cíclicos, en donde se encajan solos técnicos pero sin abusar del trémolo, y una estructura cambiante, con parones groovies (herencia del Hardcore) y cambios de ritmo constantes de la mano del mejor batería de la historia del Death para mi gusto, el enorme Mike Smith, para muchos creador de lo que se conoce en sentido estricto como blast-beat, con permiso de Pete Sandoval.

El tema que da título al disco, "Effigy Of The Forgotten" es un poco más técnico, menos pegadizo, los riffs no se repiten tanto y se entrelazan de manera más variada, además de que el poder de dominio de sus instrumentos de Terrance Hobbs y el fantástico Doug Cerrito se demuestra en unos solos más elaborados. De esta manera, sin darnos cuenta se llega a uno de los puntos culminantes del álbum, el himno "Infecting The Crypts", donde la compenetración de la banda llega a límites insospechados, tanto en los cambios imposibles de Mike Smith, como en la combinación de riffs de Hobbs y Cerrito. Un tema que en directo no debe faltar y que tiene un sonido aún más grave que se ve potenciado por el aire groovie con que se impregna el tema, y donde Josh Barohn, entonces bajista del grupo tiene un pequeño lucimiento en su parte final, mientras el sonido de una pala cavando nos acompaña. Sin embargo, no sería justo relegar el papel de Barohn a un mero acompañamiento, pues es uno de los "culpables" de la fuerza que desprenden los temas de "Effigy Of The Forgotten", ya que su bajo distorsionado al máximo consigue que la potencia no decaiga en las partes más técnicas.

Más tradicional en estructura, y con un nuevo trabajo sobresaliente de Smith tras las baquetas, es la pegadiza "Seeds Of The Suffering", tema que a pesar de ser el más largo de todo el disco, a la vez contiene un acercamiento más clásico en la forma de componer, con predominio de ritmos Thrash y riffs más sencillos, sin dejar a un lado la técnica en forma de un solo de Hobbs que es impresionante. Los enrevesamientos vuelven en "Habiutal Infamy", uno de los temas más variados del grupo en lo que a elementos se refiere, aunque no es de mis preferidos en este disco. Sobre todo teniendo en cuenta que viene seguido de un clásico con mayúsculas donde colabora George "Corpsegrinder" Fisher, el frontman actual de CANNIBAL CORPSE, por aquél entonces en MONSTROSITY. Me refiero a "Reincremation", uno de los temas insignia del grupo, corto, pero lleno de giros y cambios muy estimulantes. Pero lejos de quedarse relajados, otro tema mítico nos golpea, de nuevo con Fisher como colaborador: "Mass Obliteration", con ese inicio tan Thrash que hará que tu cabeza se mueva sin quererlo, y unos riffs de tradición muy Grind, pero siempre con una estructura cambiante y nunca repetitiva, algo en lo que Hobbs y Cerrito son unos genios.

Los dos últimos temas de "Effigy Of The Forgotten" también son de traca. El mastodóntico e inquietante inicio de "Involuntary Slaughter" hace que temas por la integridad de tus sienes, desarrollando una composición donde la estructura llega a límites de complejidad admirables, combinando medios tiempos groovies y donde los riffs parecen que taladran nuestras cabezas, con partes más Thrash. Pero quien más destaca en este tema es nuevamente Mike Smith, haciendo uno de los trabajos fundamentales de todo el redondo. Finalmente, y como broche de oro superlativo, otro himno de SUFFOCATION, "Jesus Wept", nuevamente con estructura y desarrollo más "old-school", no exento de la complejidad que rodea todo el disco, aunque es uno de los temas más antiguos de la banda. Sus riffs son difíciles de olvidar, y en directo es uno de los que mejor funciona, por lo menos la única vez que pude ver a esta mítica banda. De todas formas, globalmente, "Effigy Of The Forgotten" se forma por nueve composiciones que no decaen en ningún momento, que mantienen un nivel excepcional y que entran por derecho propio en la historia de la música, así de claro.

Después de "Effigy Of The Forgotten", SUFFOCATION facturaría otro gran disco, al mismo nivel compositivo que éste, pero lamentablemente con una producción que no le hace justicia, falta de fuerza. Me refiero a "Breeding The Spawn", disco que tanto la propia banda, como los fans suelen considerar el más prescindible de su discografía debido al pobre sonido conseguido. A mediados de los noventa grabarían un disco más técnico, con temas más largos, en donde sólo se echa en falta la labor de Mike Smith, "Pierced From Within", lo que supuso el final de su relación con Roadrunner que por aquél entonces estaba más pendiente de las nuevas corrientes alternativas que del Death Metal. Finalmente, en 1998 pondrían el punto y aparte a su historia con un EP, "Despise The Sun", otra obra con mayúsculas, que supondría la separación de la banda.

Afortunadamente a lo largo de 2003 la noticia de la reunión de la banda saltó en medio de un año plagado de vueltas de muchos grupos. Con un nuevo disco bajo el brazo, "Souls To Deny", que recuperaba el espíritu de sus primeros temas, clásicos en sonido y composición, pero con el toque propio de la banda, Mullen y compañía iniciaban una gira que nos permitiría verles por España en una serie de conciertos memorables para los que pudimos asistir. Finalmente este año 2006 hemos podido tener un nuevo disco de SUFFOCATION en nuestras manos, titulado igual que la banda, y volviendo a crear una nueva obra maestra como mi compañero Juanma Rubio ya dijo en estas mismas páginas. Un punto y seguido para la carrera de una banda que espero que siga muchos años demostrando su buen hacer en el mundo del Death Metal abriendo aún más el camino que ya iniciaran a principios de los noventa.

En consecuencia, "Effigy Of The Forgotten" es un disco imprescindible. Una de esas obras que siempre salen a la luz cuando se buscan influencias en otros grupos, un trabajo que abre camino y no camina por el que otros ya han creado, una obra de arte de principio a fin, desde la mítica portada, hasta los nueve grandísimos temas que contiene. Ríndete ante el poder de una de las bandas más influyentes de la historia de la música.

"Infecting The Crypts": https://www.youtube.com/watch?v=j8H9Ihq5Zuk

"Jesus Wept": https://www.youtube.com/watch?v=ODkQfvOSreo

"Reincremation": https://www.youtube.com/watch?v=W9anDNRtbn4

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PELICAN - "City Of Echoes": Sencillez inteligente.

Los que no hayan escuchado a PELICAN hasta ahora, decir que sus dos discos previos son bastante diferentes entre sí, y para mi gusto “City Of Echoes” es el disco en el que mejor han conseguido redondear su evolución. Partiendo de un disco más duro y centrado en la pesadez como fue “Australasia”, para muchos el mejor disco de la banda, PELICAN se reinventó en “The Fire In Our Throats Will Beckon The Thaw”, sacando un trabajo atmosférico, más centrado en el Post-Rock a lo CULT OF LUNA o NEUROSIS. Con ese disco los descubrí yo y aunque siempre pensé que era un gran trabajo, nunca lograba escucharlo del tirón porque me perdía entre tanta estructura etérea y atmósfera. Ahora en “City Of Echoes”, PELICAN ha conseguido el objetivo: mezclar la contundencia y el dinamismo de sus inicios, con la atmósfera y el gusto ecléctico de su segundo trabajo y presentándolo todo en un envoltorio más accesible, con estructuras más convencionales, más fáciles de seguir, sin por eso dejar de experimentar y sorprender con su propuesta.

Precisamente, si tuviera que en un breve titular definir lo que este cuarteto ha conseguido en “City Of Echoes” sería, sencillez no exenta de genialidad y sello personal. Ellos lo definen como su disco “pop”, su disco más accesible, y no les falta razón, porque quizás sea éste el mejor trabajo para entrar por primera vez en el mundo PELICAN, lo cual no significa que sea un disco intrascendente. Por lo menos en mi opinión, creo que PELICAN ha encontrado la horma de su zapato, aunque no dudo de que haya muchos que no estén de acuerdo con esta apreciación, pues no es un disco tan arriesgado como su predecesor. Las atmósferas buscadas no se dejan fluir hasta el infinito, más bien son detalles que se combinan con el dinamismo de riffs cíclicos y pegadizos y una sección rítmica que busca impactar desde el primer momento, gracias a sus ritmos sencillos pero certeros que sirven de hilo conductor en todas las composiciones del grupo. ¿Un disco más “Rock”? Probablemente, pero precisamente ahí creo que reside su genialidad, porque las composiciones son cortas, no extendiéndose mucho más allá de los cinco minutos, pero su progresión es impecable, no hay cabos sueltos, suenan completas y sin flecos importantes. Todo unido a un gran sonido, donde quizás falta algo de “grosor” en las guitarras, pero que consigue de manera notable combinar las partes más íntimas con las más metálicas, dando un dinamismo esencial en una banda sin vocalista como la que nos ocupa.

Con “Bliss In Concrete” se abre la elegancia de PELICAN. Un riff sencillo, donde el bajo de Bryan Herweg suena como una losa en un segundo plano, nos introduce poco a poco en el momento culminante del tema, donde las guitarras explotan en una tormenta de contundencia y la batería de Larry Herweg es golpeada con fuerza, conduciendo al oyente en un in crescendo constante de tensión. Probablemente uno de los cortes más directos y metálicos, difícil de olvidar y de superar en los casi tres cuartos de hora del disco, o por lo menos eso se piensa en un primer momento, porque pronto nos daremos cuenta de que PELICAN mantiene la inspiración en el resto del trabajo, cargado de pasajes y contrapuntos que lo hacen variado y sorprendente, como ocurre en el tema título del disco, “City Of Echoes”, el más largo del plástico y que recorre un gran número de texturas, en un ambiente más relajado, menos metálico y más Post-Rock, pero donde las guitarras de Laurent y Trevor no pierden protagonismo. Los que acusen a PELICAN de volverse intrascendentes y previsibles en este disco, no deberían dejar de escuchar temas como éste, o el pegadizo “Lost In The Headlights”, otro de los puntos culminantes del disco, donde la aparente sencillez de elementos, da como resultado composiciones dinámicas y movidas, llenas de detalles que ganan con las escuchas, pero a la vez con capacidad de impresión directa. A veces lo que parece fácil es lo más difícil, y PELICAN lo ha conseguido superar con creces en “City Of Echoes”.

También hay hueco para las atmósferas y los ambientes más íntimos, no todo es fuerza en el redondo, lo cual podría conllevar la pérdida progresiva de interés en la escucha del disco. Para ello “Spaceship Broken – Parts Needed”, se erige como uno de los temas más completos, capaz de mezclar la atmósfera, la belleza y desnudez de unas guitarras que son acariciadas levemente mientras un poderoso bajo en manos de Bryan Herweg bombea la sangre en PELICAN, con pasajes donde la tensión acumulada se deja escapar en forma de riffs y ritmos de velocidad creciente, con doble bombo incluido. “Winds With Hands” pone también otra nota de color, en este caso de tonos rojizos y cálidos, en forma de un tema acústico, de ejecución brillante y que no desentona con el resto, enriqueciendo aún más a “City Of Echoes”, sirviendo de contraste con el mastodóntico “Dead Between The Walls”, donde el pasado más cercano al Doom de la banda sale a relucir en forma de riffs pesados, de herencia Sabbathica, distorsionados al máximo, con una sección rítmica rígida y constante, pero sin dejar la atmósfera y la calidez a un lado. Llegando casi al cenit del disco “Far From Fields” insiste en el medio tiempo, acercándose a él por otros derroteros más emotivos y melódicos, donde las acústicas vuelven a hacer su aparición aunque sea como mero acompañamiento, y recuperando la vena más Post-Rock de la banda y finalmente “A Delicate Sense Of Balance”, cuyo título es para mí totalmente revelador de lo que es “City Of Echoes”: equilibrio, pone el punto y final a este trabajo de una manera oscura, melancólica y elegante.

Insisto, para mi gusto PELICAN ha logrado su madurez en “City Of Echoes”. Asumo que no es un disco arriesgado en comparación con el pasado reciente de la banda, pero la madurez no se alcanza dirigiéndose al infinito sin un camino definido, y el cuarteto americano se ha dado cuenta en este tercer trabajo, dando a luz un disco accesible, pero lleno de detalles y de variedad elegante. En cualquier caso si te gusta el Rock y la música instrumental, PELICAN es tu grupo y “City Of Echoes” un disco totalmente recomendable.

Lost In The Headlights: https://www.youtube.com/watch?v=hqV_NgL4HvY

Bliss In Concrete (Live): https://www.youtube.com/watch?v=xCuOPC2ggpk

Far from Fields: https://www.youtube.com/watch?v=tMommNkrpEo

(Crítica publicada también en: http://www.rocktotal.com)

JOHN LEGEND & THE ROOTS - "Wake Up!": Conjunción de talentos.

Hay colaboraciones y proyectos que a priori transmiten buenas sensaciones. Eso es lo que ocurre con “Wake Up!”. Cuando salió en 2010, suponiendo la unión del talento consagrado de THE ROOTS, como uno de los renovadores del Hip-Hop, acercándolo al Funk, el Soul y el Jazz, con el talento en alza de JOHN LEGEND, cantante de Neo Soul influido por los grandes, MARVIN GAYE, SAM COOKE, BILL WITHERS…, a lo que se añadían algunas otras colaboraciones como C.L. SMOOTH, COMMON o MELANI FIONA (que hace un dúo junto a Legend en el tema título que recuerda a los duetos de GAYE – TERRELL), los aficionados al género no pudimos más que frotarnos las manos. Si además se echaba un vistazo al programa, constituido por un puñado de clásicos del Soul salidos de la cabeza de entre otros CURTIS MAYFIELD, EUGENE McDANIELS o los citados GAYE y WITHERS, las ganas de escuchar el disco se multiplicaban. El problema de estas cosas es que a lo mejor al final decepcionan. No es el caso de “Wake Up!”.

Empezando con un tremendo “Hard Times” de MAYFIELD con LEGEND demostrando que además de buen cantante es buen pianista, “Wake Up!” es un tributo a un género. THE ROOTS opta por seguir su línea centrada en el ritmo y en la suciedad Funk, con algún que otro guiño al Hip-Hop, mientras la voz elegante y melódica de LEGEND se encarga de poner alma a los cortes. Más adictiva si cabe es “Compared To What”, muy intensa y cargada de ritmo y síncopa. La clave es renovar los clásicos para acercarlos a nuevas audiencias, y en eso el disco cumple con creces. La producción sin embargo, siguiendo la estela de THE ROOTS es gramofónica, emulando el clasicismo y el espíritu del pasado, lo que unido a la precisión rítmica milimétrica de la que hace gala THE ROOTS, y a la clase de LEGEND, puede generar la escucha de “Wake Up!” algo fría al principio, pero las ganas y la fuerza que se imprime en cada composición, acaban por compensarlo, como en el tema título, “Wake Up Everybody” donde colaboran COMMON y MELANI FIONA, que levanta de la silla a cualquiera.

En la segunda parte del trabajo encontramos otras joyas en medio del nivel sobresaliente como son “Wholy Holy” de MARVIN GAYE o “I Can't Write Left Handed” de BILL WITHERS. Siendo ambos influencias claras de LEGEND, parece como si el cantante se sintiera en su casa, haciendo suyas ambas composiciones, mientras THE ROOTS le ponen un colchón añejo y cargado de humo a sus espaldas. Temas espirituales, cargados de sentimiento y que se renuevan lo justo, en lo que a ritmos y estructura se refiere, que no en cuanto al alma que desprenden. Pero no me quiero dejar tampoco “Little Ghetto Boy”, que popularizara en su momento DONNY HATHAWAY y en donde LEGEND y THE ROOTS se acompañan del rapero BLACK THOUGHT. La melodía y el ritmo Funk-Soul están ahí, pero el toque Hip-Hop le da un aire totalmente nuevo y diferente, que ni siquiera la interpretación clasicista de LEGEND nos hace olvidar. No en vano, THE ROOTS son conocedores del cancionero de DONNY HATHAWAY pues ya han versioneado en más de una ocasión el clásico “The Ghetto”.

Como decía al principio, proyectos como el de “Wake Up!” transmiten buenas sensaciones desde el principio. Si luego los resultados son tan buenos, uno no puede más que dejarse llevar y disfrutar. JOHN LEGEND y THE ROOTS dieron en el clavo y consiguen en este trabajo renovar y rendir homenaje al mismo tiempo. Una gozada.

“Hard Times”: https://www.youtube.com/watch?v=rYCKkmM0Tu8

“Compared To What”: https://www.youtube.com/watch?v=jGth8iG90j0

“Wake Up Everybody”: https://www.youtube.com/watch?v=iJgxJ6JrPkc

“Little Ghetto Boy”: https://www.youtube.com/watch?v=mbY7KTZFR5Y

“I Can’t Write Left Handed”: https://www.youtube.com/watch?v=odpJw1OEM8s

RIOT - "Thundersteel": Una banda infravalorada

El caso de RIOT es un ejemplo de injusticia dentro del negocio musical. Aunque su debut, "Rock City", data de 1976, y no cabe duda de que poseen muchos fans alrededor del globo, el éxito de la banda tras 30 años de historia es moderado y para nada correspondido con su enorme calidad. Quizás sea consecuencia de sus inicios poco promocionados, o debido a sus constantes cambios de formación. Incluso puede que este resultado sea fruto de que RIOT no ha sido una banda muy prolífica en discos... sea cual sea la causa, la banda de Mark Reale no ha podido quitarse la etiqueta de banda de culto y sin embargo, es elogiable la tenacidad de su creador por mantener a flote RIOT disco tras disco, con la misma ilusión del primer día.

Los neoyorkinos nos visitaron no hace mucho por varios puntos de la geografía española, y aunque en ninguno de los conciertos la audiencia pasó de 400 personas, los que pudimos asistir a alguna de sus descargas nos volvimos a casa con la sensación de haber visto a una gran banda. El nuevo vocalista desde que Mike DiMeo se dedicara en exclusiva a THE LIZARDS, el enorme (en lo que a cuerdas vocales se refiere), Mike Tirelli, dio muestras de adaptarse a las mil maravillas a los registros vocales de sus predecesores, incluso a los agudos de los que hace gala Tony Moore en "Thundersteel". Esto demuestra que hay RIOT para rato, afortunadamente, lo que unido a que por fin en este 2006 podremos disfrutar del nuevo disco de la banda, algo retrasado durante más de tres años por la situación de DiMeo con respecto a la banda, hace que todos sus fans estemos de enhorabuena.

Centrándome en "Thundersteel", el sexto álbum de estudio de RIOT, puedo decir, sin que sea exagerado, que es uno de mis diez discos favoritos de todos los tiempos, el "Painkiller" particular de la banda de Mark Reale. Un disco que vino en una etapa delicada para la banda, tras casi cinco años de silencio en los que solo la terquedad de Reale por hacer que RIOT siguiera adelante, consiguió que la banda no se disolviera definitivamente. Atrás quedaba su fantástico debut, "Rock City" y el no menos increíble "Narita" de 1979, de un cariz más clásico y menos rápido que "Thundersteel", pero donde la melodía de Reale en las seis cuerdas y la particular voz de Guy Speranza, el primer vocalista de la banda, consiguen hacer llegar al éxtasis. En muchas entrevistas (teniendo en cuenta que Mark Reale no concede excesivas), el líder de RIOT siempre lamenta la poca fuerza que su sello de entonces puso en su proyecto, lo que les hizo perder importantes giras que quién sabe a qué altura podrían haber puesto a la banda, demasiado infravalorada para mi gusto.

Aún así, lo mejor estaba por llegar. En 1981 la banda estaba en su momento más creativo y sacaba al mercado el precedente musical de "Thundersteel", el tercer disco de RIOT, "Fire Down Under". Mucho tiempo dudé entre reseñar "Thundersteel" o este tercer trabajo, pero al final me dejé llevar por mi gusto personal más que por la objetividad. "Fire Down Under" siempre ha sido considerado por los fans un punto culminante de la carrera de RIOT, para muchos uno de los primeros discos de Speed Metal de la historia. Tras la marcha de Guy Speranza, Rhett Forrester se unió a la banda y su voz más cálida hizo que Reale cambiara la orientación musical hacia terrenos más Hard Rock en "Restless Breed" y "Born In America", tras lo cual una serie de problemas en el seno de la banda, y la falta del ansiado éxito que parecía no llegar nunca, hizo que RIOT se deshiciera temporalmente.

Afortunadamente, una banda completamente nueva formada con un joven monstruo de las baquetas, como ya demostrara previamente en el seno de la magnífica banda de Thrash JUGGERNAUT, como es Bobby Jarzombek (aunque no está presente en todos los temas del disco, turnándose con Mark Edwards), el bajista Don Van Stavern y el vocalista Tony Moore, capaz de llegar a agudos imposibles, pero con la suficiente versatilidad en la voz para adaptarse a otras tesituras, aparte del propio Mark Reale, grababan nuevamente  en 1988 un álbum para la historia, mezcla de Heavy y Speed Metal que en muchos temas deja con el culo al aire a los grupos de Power Metal posteriores. Este disco es, por supuesto, "Thundersteel", el disco objeto de esta reseña.

No se puede empezar un disco de una forma más efectiva como con el propio "Thundersteel", tema título del trabajo. El riff de entrada ya quedará grabado a fuego en nuestros cerebros, mientras el doble bombo y las baquetas a mil por hora de Jarzombek harán el resto, junto con un solo fantástico que el señor Reale se marca en la parte central del tema y la voz de Tony Moore, que en este corte llega a cota de potencias increíbles. Una composición para no parar de mover la cabeza y desfasar, que en directo es pura dinamita. Esta línea se ve continuada en "Fight Or Fall", donde el doble bombo se mantiene, pero el nivel de revoluciones baja para un mejor lucimiento de Tony Moore en tesituras más melódicas y con un estribillo más épico que entra a la primera.

Después de tan magnos trallazos el cuerpo precisa un descanso, pero ¡vaya descanso!, uno de los mejores temas del disco y sin embargo más a medio tiempo. Muchos grupos europeos como HAMMERFALL le deben a "Sign Of The Crimson Storm" admiración absoluta. Un corte extenso, épico, con unos riffs muy BLACK SABBATH, y donde la parte más cálida de la voz de Tony Moore sale a relucir en forma de unas melodías superlativas. El papel de Don Van Stavern es fundamental en este tema, manteniendo el pulso de manera magnífica, lo que unido al gran sonido ochentero de la producción, hace que este tema sea una de las obras maestras del grupo.

Y tras la calma, vuelve la tempestad en forma de "Flight Of The Warrior", típica de sus directos y uno de los temas más asimilables al Power Metal del disco. Nuevamente Jarzombek deja exhausto, aunque Tony Moore modera más su voz que en "Thundersteel", consiguiendo sensación de calidez a la par que de fuerza. El lucimiento de Reale en el solo vuelve a ser fantástico, aunque no es lo mejor que puede sacar de su instrumento. A pesar de pecar de algo previsible, es también un gran corte, aunque algo tapado por la suprema "On Wings Of Eagles", tema con un ritmo frenético muy similar a "Fligth Of The Warrior", pero diferenciado del anterior en dos cosas fundamentales: unos riffs rockeros pero poderosos a más no poder, que cambian encajados en una variada estructura llena de sorpresas, y un trabajo de Tony Moore excepcional, sobre todo en el pegadizo estribillo. Además el solo experimental y lleno de efectos que se marca el señor Reale es de órdago.

Un aparente nuevo descanso en lo que a revoluciones se refiere viene de la mano de "Johnny´s Back", otra habitual en sus directos, de corte más clásico en sus riffs y donde Van Stavern vuelve a la primera plana con una gran línea de bajo, y Tony Moore llega a agudos inhumanos a la par que con su cariz melódico se marca otro gran estribillo. Nuevamente un gran corte que precede a otro de mis preferidos, "Bloodstreets". Muchos diréis que estoy loco al considerar esta composición una de mis preferidas, pero hay que escucharla para entenderlo. El medio tiempo que ya hizo su presencia en "Sign Of The Crimson Storm", vuelve en forma del que se puede considerar el tema más intimista y lleno de sentimiento del disco. Las melodías que Reale saca de su guitarra me recuerdan a "Narita", otro de mis discos favoritos del grupo, y Tony Moore parece que va a acabar llorando al final del tema. Desde la introducción acústica hasta su apoteósico final, este corte es de lo mejorcito de la historia del Heavy Metal. Así de simple.

La tendencia más clásica de "Johnny´s Back" vuelve con "Run For Your Life", un tema que siempre que lo escucho me recuerda a SAXON, aunque siempre que te lo imagines con la única voz de Biff. Quizás tenga la mala suerte de estar entre dos composiciones superlativas, la ya citada "Bloodstreets" y el bombazo que aún está por llegar, "Buried Alive (Tell Tale Heart)", pero el clasicismo Heavy de este tema lo convierte, aún así, en imprescindible dentro de "Thundersteel".

Y por fin, poniendo punto y final a esta obra maestra, un corte de casi nueve minutos, que te dejará con unas ganas tremendas de volver a poner el disco otra vez en el reproductor. La introducción de Reale es sublime, un solo cargado de sentimiento, a la par que técnico, capaz de hacerte volar si cierras los ojos, tras el cual, y después de unas lúgubres campanas, comienza el épico tema de "Buried Alive". Todos los miembros de RIOT en este corte cumplen con nota de sobresaliente, desde Jarzombek, que deja a un lado su velocidad trepidante para hacer un acompañamiento lleno de cambios de ritmo y breaks, pasando por el pulso fundamental de Van Stavern, la profunda y desgarradora voz por momentos de Tony Moore, y desde luego, el sublime trabajo de Reale en las seis cuerdas, tanto en el campo de los riffs, la segunda línea de guitarra y sobre todo, en los solos. Un broche de platino para un disco indispensable (incluso aunque muchos digan que su portada es la peor del grupo, opinión que no comparto).

Tras "Thundersteel" entraría Mike Flyntz (aún en la banda) como segundo guitarrista, y Tony Moore se mantendría aún un disco más en estudio, "The Privilege Of Power", dando paso al cuarto vocalista en la historia de RIOT (que grabaran algún disco), y uno de los que se mantendría más tiempo en la banda, Mike DiMeo, dando lugar a varios discos muy buenos entre los que destaca "Nightbreaker" (mi favorito), "Inishmore" y el que era el último disco de la banda hasta ahora, "Through The Storm" (otro de mis favoritos) en 2002. Con DiMeo grabarían otro disco, pero tras dedicarse más en serio a THE LIZARDS y con la entrada de Mike Tirelli, el teórico nuevo disco de RIOT se retrasó aún más (aunque según parece saldrá a lo largo del verano).

En cualquier caso, RIOT merece ser una banda mejor considerada en la historia del Heavy Metal. Otros con menos calidad (y cada vez menos según pasan los años), llenan estadios, mientras los neoyorkinos se conforman con pequeñas audiencias, aunque afortunadamente con fieles fans. Desde aquí mi humilde aportación a tratar de encumbrarlos por fin de una vez por todas. Únete a la armada RIOT.

Thundersteel: https://www.youtube.com/watch?v=BjrhukAsi9I

Flight Of The Warrior: https://www.youtube.com/watch?v=PkALWbHqCI0

Johnny's Back: https://www.youtube.com/watch?v=7t0ccdyOI50

(Crítica publicada también en: http://www.rocktotal.com)