LAKE OF TEARS es una banda ya vieja en el negocio musical. Una de las bandas punteras en la parte oscura y atmosférica del Metal en Suecia, pero sin apenas promoción en el resto de Europa por haber militado en la compañía peor distribuida del mercado: Black Mark Records. Por esta razón puede que muchos escuchéis por primera vez este nombre. Afortunadamente han cambiado de compañía y, aunque Noise Records no tiene mucha experiencia en el terreno del Gótico, es mucho mejor que Black Mark para que el grupo dé el salto definitivo.
La trayectoria de LAKE OF TEARS nace del Metal Gótico más tradicional de la primera parte de los noventa. Pero el grupo, al igual que otros compañeros de estilo, fue evolucionando hacia terrenos más experimentales, muy influidos por la psicodelia y el Rock de los setenta. En este disco, "Black Brick Road", vuelven un poco a sus raíces, sin olvidar esos ramalazos setenteros. Es un disco más metálico, menos atmosférico, pero con unos teclados magníficos que hacen que no nos olvidemos de las preferencias rockeras de sus componentes. Las guitarras toman un protagonismo fundamental, plagando el disco de buenos solos rockeros (como en el tema de apertura) o más melancólicos. En algunos momentos nos puede venir a la cabeza KATATONIA, aunque las diferencias musicales entre ambos son notables. Este parecido viene sobretodo en los temas más reposados. Desde luego, lo que sí hacen es alejarse de sus compañeros de estilo en Finlandia, ya que LAKE OF TEARS no practica una música tan directa como en aquellas latitudes, aunque son tan potencialmente comerciales como ellos.
El disco se abre con dos temazos: "The Greymen", rockero, con un estribillo muy pegadizo y "Making Evenings", con unos teclados excelentes. Son ambos temas potentes y directos que ayudan a entrar en el universo musical de este grupo. En el tema "Black Brick Road", que da título al disco, el Hammond pasa al papel protagonista al más puro estilo DEEP PURPLE, en un tempo más retardado y melancólico. En "Dystopia", un trasfondo Tecno encajado perfectamente con las guitarras pesadas y la voz desgarrada nos transporta a un aura electrónica que sale a relucir de nuevo más tarde, pero de manera menos acusada, en "A Trip With The Moon". Con un espíritu muy psicodélico, rozando el Pop más independiente, y con una estupenda voz femenina, se nos presenta el corte "Sister Sinister", lo que demuestra que aunque en sonido han vuelto a sus orígenes, siguen experimentando. En el tema "The Organ", como bien indica su título, los teclados vuelven a ser protagonistas construyendo el corte más melancólico del disco, limitándose las guitarras a acompañar a la voz. Esta atmósfera se repite en el penúltimo tema, "Rainy Day Away". Así llegamos a la joya del trabajo, "Crazyman", con un riff pesado al más puro estilo BLACK SABBATH y un Hammond de nuevo tremendo, acompañando a la voz más desgarrada de todo el disco. Este excelente tema es todo un homenaje a la música oscura de los setenta (¿tendrá alguna relación el título con Ozzy?).
La calidad del sonido es más que notable, con una producción clara y cercana, lo que junto a las fabulosas composiciones de las que he hablado hacen de "Black Brick Road", uno de sus mejores discos. Desde luego, ojalá que este grupo encuentre por fin el apoyo que necesita. Otros con mucha menos calidad tienen tres veces más éxito, ¿por qué no puede tenerlo LAKE OF TEARS?. Este disco es un gran paso, de nuevo, para ello.
Después
de 20 años dando cera y sirviendo de inspiración para grandes y pequeños,
¿alguien espera ser sorprendido por SICK OF IT ALL? ¿Alguien espera que se
reinventen? Es más, realmente ¿alguien quiere que lo hagan? Yo personalmente
no. Cuando como un cocido, quiero que tenga garbanzos, panceta, chorizo, grasa
por todas partes... el puré de lentejas servido a temperatura variable con
ralladura de menta, prefiero dejarlo para adalides de la investigación como
Adriá y compañía. Paralelismos culinarios a un lado, “Based On A True Story” es
un nuevo trabajo de SICK OF IT ALL, segundo en las fauces de Century Media
después del notable “Death To Tyrants” y su intensidad sigue sin moverse ni un
ápice, aunque donde estos veteranos siguen siendo dioses es en directo, de eso
no cabe duda.
Donde
otros ven Metalcore, SICK OF IT ALL hace Hardcore neoyorkino del bueno: nada de
parones, ni de segundas voces, ni estribillos metidos con calzador... iba a
decir una vulgaridad, pero dejémoslo en que SICK OF IT ALL no le tienen que
demostrar nada a nadie, pues son unos de los padres de esta historia, y
cualquier pedorreta suya le da mil vueltas a los grupos actuales. ¿Y en qué se
traduce todo esto? En energía pura, coros, potencia, sencillez de elementos,
momentos hímnicos (imposible quitarse de la cabeza “Dirty Money”, con la que
cierran de forma magistral el disco)... Y como único elemento de “modernidad”,
una producción adaptada a las circunstancias, orientada hacia el terreno
metálico pero en su justa medida, sin robar protagonismo a la agresividad y a
la excepcional voz de Lou Koller, al que el adjetivo de “hardcoreta” le viene
pequeño. Así, Tue Madsen, que también produjo “Death To Tyrants” y que ya tiene
experiencia con otros grupos Hardcore, le da el toque de actualidad y
evolución, al inmovilismo básico de SICK OF IT ALL, pero en lo demás, simple y
llanamente puro Hardcore.
La
última frase puede tener sus pros y sus contras. Al ser simplemente un capítulo
más en SICK OF IT ALL, “Based On A True Story” (por cierto, los madrileños
HABEAS CORPUS les deben estar pidiendo derechos de autor por el uso del
título...) puede palidecer con obras pretéritas del propio grupo o no resultar
nada excitante para los que no tengan al combo en su lista de imprescindibles. En
el otro lado de la balanza, uno sabe de antemano que “Based On A True Story” le
va a gustar y su mayor o menor calidad viene dada no por su novedad, sino por
el grado de inspiración del grupo, es decir: la energía que consiguen
transmitir con nuevas composiciones por muy lineales que puedan parecer, que no
lo son. Analizado así, y en comparación con “Death To Tyrants”, creo que “Based
On A True Story” está a la altura, algo menos compacto, más irregular en el
mantenimiento de intensidad entre canciones, pero en general un digno sucesor y
nada que pueda defraudar a los seguidores de SICK OF IT ALL ni a los que
quieran escuchar auténtico Hardcore neoyorkino.
Principalmente
se nota un intento de variar los tempos. No todo va a piñón y dentro del continuismo
estructural, saben combinar bien los elementos básicos. Temas de pura
adrenalina como “Death Of Jail”, “Bent Outta Shape” o “Watch It Burn”, se
entrelazan con otros más groovies como “The Divide” o “Waiting For The Day”,
este último con un ramalazo clásico fantástico, gracias a los coros y a un
cariz más melódico que puede recordar a primerizos del Hardcore melódico. Y ya
no digamos los himnos, el citado “Dirty Money”, “Lifeline” o sobre todo “A
Month Of Sundays”, nuevamente con ese aire más clásico y coreable que en
directo debe ser dinamita. Esto genera altibajos en la escucha, pero también
variedad, con lo que ambas características se complementan y hacen de “Based On
A True Story” un disco a la altura de la calidad de SICK OF IT ALL, que insisto,
poco o nada tienen que demostrar a estas alturas de la película y muchos
deberían aprender de ellos, ya estén en discográfica grande, pequeña, se
autoediten o pasen desapercibidos. Cuestión de entrega y dedicación,
supongo.
En
definitiva, “Based On A True Story”, líricas a un lado, y para acoger los tópicos
típicos del género, es simplemente: un puñetazo en la cara de Hardcore de NYC.
Una vez más, ya lo dijo Stockhausen, tres acordes dan para mucho, y SICK OF IT
ALL son maestros en eso. ¿Revolucionarios? para nada, pero una vez más, ahora
me apetece comer un buen cocido, con todos sus pros y sus contras, mañana ya
hablaremos de la vichyssoise (o como se diga).
En
el mundo del Grindcore y sus alrededores en España siempre ha habido buena
savia: MACHETAZO, DENAK, LOOKING FOR AN ANSWER... y cómo no HAEMORRHAGE, uno de
los grupos con más solera de nuestro país. La banda madrileña no hace ni un año
que editaba su último trabajo completo, “Apology For Pathology” que ya
comentara mi compañero Juanma Rubio en esta web, y ya se ha envuelto en una
avanzadilla de lanzamientos paralelos que engrosan su lista de EP´s y
compartidos.
El
caso que me ocupa es bastante especial para la banda. Tratando de emular a las
míticas Peel Sessions (de ahí el nombre del trabajo), HAEMORRHAGE anunció en su
MySpace que iba a regrabar una serie de temas clásicos de su discografía a la
elección de sus fans. Las respuestas no se hicieron esperar, y meses después
sale a la luz “The Kill Sessions”. Para darle un punto de reto añadido, el
grupo de Luisma, Lugubrious y compañía se metió en los estudios CATA (Centro de
Arte y Tecnología Argüelles) de la
SGAE, lugar que había acogido hasta orquestas para bandas
sonoras, y que era el sitio adecuado para el “falso” directo en que consiste
este trabajo, emulando así lo más posible a aquellas sesiones que reunieron a
finales de los ochenta a NAPALM DEATH, EXTREME NOISE TERROR, BOLT THROWER, y
demás luminarias inglesas. Sacando a la luz el resultado final en ediciones
limitadas en CD, vinilo y picture disc (este último una auténtica maravilla),
“The Kill Sessions” se convierte en una pieza de coleccionista ideal para
empezar a conocer a la banda y todo un regalo para sus fans.
La
selección de temas me parece muy adecuada, conteniendo piezas de todos sus
discos completos en estudio, los diez cortes presentados en “The Kill Sessions”
dan un buen repaso a los más de quince años de historia de la banda, que junto
con la inminente edición de todos sus EP´s y discos compartidos en un
recopilatorio, se convierte en una ocasión única para completar la discografía
del combo y rendirles un autohomenaje merecido. Himnos como “I´m A Pathologist”
(uno de mis favoritos tanto en disco como en directo), la gloriosa “Anatomized”
(regrabada varias veces en la carrera de la banda) o la no menos divertida
“Decom-posers”, se mezclan con temas de su discografía más actual como
“Mortuary Riot”, del “Morgue Sweet Home” o “Furtive Dissection” de su último
trabajo “Apology For Pathology”. Desde mi punto de vista le deberían de haber
dado un poco más de cancha a los temas más antiguos frente a los de sus últimas
obras, más que nada porque es una oportunidad única para escucharlos con un
lavado de cara en lo que a producción se refiere, máxime teniendo en cuenta que
la edición del último disco de HAEMORRHAGE es muy reciente, sin embargo,
comprendo que tal y como lo han dejado, es una manera ideal de no renegar de
ningún disco de la banda y contentar a todos por igual.
Pero
lo más llamativo sin duda de todo el trabajo, además de las presentaciones de
las tres ediciones (en especial como ya he comentado la del picture disc que es
buenísima), es el sonido conseguido. Evidentemente reproducir la sensación de
sus directos es imposible, ya no digo en el aspecto visual en donde
“Lugubrious” es insustituible con toda su parafernalia médica y poses a cada
cual más increíble, pero aún así HAEMORRHAGE ha conseguido sonar tan poderosos
como en un concierto, con la limpieza y el detallismo de un buen estudio. Los
temas de “Grume” y “Emetic Cult”, los dos primeros discos del grupo, suenan
como nunca y realmente se les saca una nueva dimensión, convirtiéndose “The
Kill Sessions” en un complemento ideal para los discos del grupo, como si
hubieras contratado un concierto privado en tu salón.
Mientras esperamos impacientes a un nuevo lanzamiento completo de la
banda, “The Kill Sessions” se convierte en algo más que una mera curiosidad. Un
disco hecho por y para sus muchos seguidores, repartidos por toda Europa, en
especial en Alemania donde tienen un estatus bastante reconocido (tristemente
más que en España), y que no debe faltar en ninguna discoteca de un aficionado
al Grindcore de vieja escuela, tanto fueras conocedor previo de la carrera del
grupo como si es la primera vez que te acercas a sus sonidos.
Después
de 3 años desde su debut, había ganas de volver a escuchar a los canadienses
THE END. Si en aquella ocasión se desmarcaban como unos alumnos aventajados de
bandas esquizofrénicas como THE DILLINGER ESCAPE PLAN, en esta ocasión la banda
ha conseguido dar una vuelta de tuerca a su sonido hacia nuevas influencias,
con un resultado final bastante bueno.
Los
riffs entrecortados de inspiración cercana a MESHUGGAH y los fraseos
jazzísticos a lo THE DILLINGER ESCAPE PLAN se mantienen, pero ahora miran hacia
terrenos más controlados de locura, donde un nombre aparece como influencia
fundamental sobre el resto: TOOL. Aunque la voz sigue siendo puramente Hardcore
y rabiosa, mezclada con pasajes oscuros y melancólicos donde Aaron Wolff nos
muestra una faceta cálida y a la vez conmovedora, ahora las estructuras de las
canciones están mucho más elaboradas, con un aura mucho más progresiva, y una
forma de ejecutar las guitarras que hará que los ya citados TOOL aparezcan una
y otra vez en nuestras mentes. Otros nombres como NEUROSIS, ISIS o CULT OF LUNA
vendrán en algunos pasajes, pero está claro que THE END buscaba un nuevo sonido
y aunque aún le falta desmarcarse con una personalidad más propia, el trabajo
final es muy bueno.
La
producción es magnífica, sabe dar el punto justo de potencia y claridad para
que los temas no saturen pero se pueda disfrutar al máximo de todos los
detalles, y esto ya es un punto a favor pues el peso instrumental de este disco
es fundamental. Las guitarras, dentro de su aparente estatismo, se entrecruzan mil
veces, mientras el bajo llena los espacios y la batería nos lanza ritmos
matemáticos que parecen ejecutados por un robot. Música donde la improvisación
es mínima, donde todo está planeado al milímetro, sin por ello olvidar la parte
emotiva del asunto, algo que se deja en manos de Wolff y sus variados
registros. Globalmente “Elementary” se puede resumir con una palabra:
completitud. THE END ha conseguido en este disco que nada sobre ni falte; los
miembros del grupo han conjugado todos los elementos de manera que las
sensaciones que transmite el trabajo son diversas y lo suficientemente amplias
como para que sea dirigido a un amplio público y a la vez nunca tengas la
sensación de dispersión de ideas.
El
resultado es un viaje cargado de colorismo desde el corte de apertura,
“Dangerous”, probablemente el que más descaradamente recuerda a TOOL. Parecerá
que estás ante una nueva versión de “Lateralus”, sino fuera por el trabajo
vocal más agresivo y los riffs más contundentes. Sin embargo, a pesar de esta
poderosa influencia (que se volverá a repetir en “Throwing Stones”), se
convierte en uno de los cortes más estimulantes del trabajo, en perfecta
armonía con la parte más tranquila de la banda, que es para mí lo mejor de “Elementary”.
Temas como “The Never Ever Aftermath” o la sublime “The Moth And I”, unen la
música matemática e hipnótica del grupo, con una emotividad que realmente
consigue transmitir sensaciones al oyente. La voz de Wolff se vuelve agónica y
melosa a un tiempo, pero no buscando la melodía fácil. Ya en la segunda mitad
del disco hay un par de joyas que sorprenden y aumentan la variedad: “Awake?”,
que se convierte en un tema más agresivo y técnico que el resto, cargado de
disonancias y juegos instrumentales que llegan a sonar al Metal Extremo en
algunas partes, y la escogida como cierre, “And Always...”, que llama la
atención por ser un corte acústico, con piano incluido, largo (casi diez
minutos), pero que en ningún momento parece de relleno, incrementando la tensión
de manera progresiva. Es más, lejos de ser un mal final, el intimismo que logra
recrear hace que “Elementary” te deje con buen sabor de boca.
THE
END engrosa la lista de bandas relativamente jóvenes que dentro de parámetros
más o menos vistos anteriormente, tratan de buscar nuevos espacios de
experimentación. No se encorsetan en un género en concreto, beben de muchos
sonidos y gracias a eso consiguen que el oyente se sienta hipnotizado. Insisto
que el único “pero” es que las influencias del grupo son demasiado marcadas,
pero si siguen esta línea en el futuro, buscando un sonido más propio, puede
que estemos ante un valor en alza. Hasta entonces “Elementary” supone un buen
paso adelante.
Quien
diga que de España no salen buenos grupos es que no se ha dado una vuelta por
el panorama musical de nuestro país en los últimos tiempos. A consagrados
grupos, que no son profetas en su tierra, hay que añadir cada vez a más bandas
noveles que están dando qué hablar, cada uno en su estilo: ANGELUS APATRIDA en
el Thrash, , CHAOTIC HOPE en el Black, VIDRES A LA SANG en el Death - Black, y
ahora los gallegos UNREAL OVERFLOWS, también dentro del terreno del Death
Metal, son ejemplos de bandas que, con un poco más de apoyo, y si el negocio
musical fuera "justo", estarían a la altura de las grandes bandas,
tuteándose con ellas.
El
inicio de este debut del grupo natural de Pontevedra, "Paths To The Human
Involution" ya llama la atención, con un impresionante sonido y una
estructura al más puro "Sound Of Perseverance" de DEATH. Quizás sea
la única pega de este trabajo de los gallegos, su influencia muy marcada del
triunvirato DEATH, CYNIC y ATHEIST. Pero dejando a un lado la originalidad, no
hay duda de que la calidad compositiva de UNREAL OVERFLOWS en este debut es
enorme. La producción es cristalina (conseguida en los Space Lab alemanes,
donde ya grabaran AVULSED en su momento) y no deja oculto ningún instrumento.
Todo se oye con una claridad pasmosa que permite babear a gusto con la técnica
del cuarteto.
Los
parámetros del disco son más o menos constantes a lo largo de todo el CD, pero
consiguen a fuerza de buenas melodías y estructuras muy trabajadas que sus tres
cuartos de hora de duración no se hagan para nada pesados. Nada es fruto de la
improvisación, y sí de muchas horas de trabajo en el local de ensayo, de tal
manera que nada sobra y nada falta en las composiciones de UNREAL OVERFLOWS.
Evidentemente las guitarras son las que llevan más el peso de todas las
composiciones, bien sean en forma de solos, bien en forma de riffs complejos
que se unen entre sí en perfecta armonía. Pero sería injusto no citar la labor
de Jorge en los parches, cambiando los ritmos de manera constante, o el propio
Zoilo tanto en las voces (quizás un poco constantes a lo largo de todo el
disco, si no fuera por los toques más guturales que se encuentran en algunos
temas, o alguna voz limpia anecdótica), pero sobre todo con un bajo firme y
dominante que rellena todos los huecos, y que siempre está ahí.
La
melodía es un elemento muy importante en la música de los gallegos, magníficos
temas como "Crematory Of Forgotten Cries", "Breeders Of
Credibility" o "In Darkness I Dwell 2005", lo atestiguan, y
sirven de ejemplo de cómo se puede ser un maestro de los instrumentos, sin por
ello olvidarse de que una buena melodía es casi tanto o más importante. Si
bien, a modo de opinión personal, creo que el conjunto habría ganado enteros si
en vez de dejar las voces limpias como mera anécdota, hubieran profundizado en
este elemento en los temas, con lo que se ganaría en variedad, pues la voz
agresiva de Zoilo, como ya he comentado antes, se acaba haciendo algo monótona.
No hay que dejar de destacar otras composiciones, como "What To Do
When...", una de las más cañeras en lo que a riffs se refiere, sin olvidar
unas melodías épicas que rozan la perfección; alguna influencia sueca de la
escuela de Gotemburgo que se cuela en la estructura de "Is There Anybody
Outside?"; y la magnífica "Pain Of An Afflicted Soul", cuyos
riffs y ritmos son imposibles de sacar de la cabeza cada vez que la escuchas.
UNREAL
OVERFLOWS, con poco más de un lustro de historia, y presentando su primer
disco, "Architecture Of Incomprehension", conseguirán callar muchas
bocas. Las de todos aquellos que cuando ven al lado del nombre de un grupo,
donde aparece su procedencia, que es español, miran hacia otro lado y prefieren
lo que viene de fuera a lo hecho en casa. Y no es ya por reivindicación ni nada
parecido, pero no cabe duda que en España hay muchas bandas y algunas de ellas
muy buenas. UNREAL OVERFLOWS son de este grupo de bandas, que no debes
perderte. Todo un descubrimiento.
Siempre que
llega el final de año y hay que destacar los discos que más han llamado mi
atención sufro de úlcera y de sudores fríos. Empiezo a mirar los cantos de los
discos que he comprado que son de este año y digo, anda este, este otro, una
joya, buff, qué bueno… y demás interjecciones y expresiones de admiración.
Reducirla a cincuenta, veinte… es difícil, pero ya hacerlo a sólo cinco discos
es tarea imposible. Así que opto por un sistema objetivo y efectivo. Cierro los
ojos y allí a donde va mi dedo, ese es del Top 5 de entre los que previamente
he seleccionado y extraído de mis estanterías. Salvo uno, los otros cuatro
están colocados en este top por este motivo…
Como uno no se
conforma, aunque sólo salen cinco en la lista, no dejo de hacer mención
especial al resto… en este caso, con mucha variedad en cuanto a procedencia de
bandas, aunque bastante extremismo sonoro en cuanto a su forma de expresarse: ANALEPSY, THE BLACK DAHLIA MURDER,
AUDIOLEPSIA, LEPROUS, KRANE, KHMER, MORIBUNDO, LOOKING FOR AN ANSWER,
LOSTREGOS, LODO, THROANE, WHITE WARD, OSSERP, SEPTIC FLESH o URSA han sido damnificados, entre otros
muchos con no aparecer en el top 5, pero no porque sean menos que los abajo
citados, sino por puro azar. Todos ellos se encuentran entre los veinte discos
que más veces he escuchado este año o que más me han conseguido impresionar en
los últimos meses.
Un año 2017
que creo que ha sido bastante fructífero en cuanto a obras reseñables, con un
gran nivel tanto por bandas de toda la vida, como por otras más jóvenes y en lo
que a nuestras fronteras se refiere, con una calidad cada vez más contrastada
en todos los géneros y bandas que aparecen más entre sellos extranjeros de
renombre como Season of Mist, Napalm o Relapse. Los siguientes cinco discos son sólo una pequeñísima
muestra y seguro que aún me quedarán otras muchas joyas por escuchar…
CANNIBAL CORPSE – Red before black
El único disco
de este Top 5 que tenía clarísimo iba a estar era éste. CANNIBAL CORPSE es una
de las primeras bandas de death que escuché y siempre he sido seguidor de su
música, pero dejando esto a un lado, objetivamente hablando Red
before black es un disco de sobresaliente. Es sorprendente como con el
tiempo la mediática banda edita discos como éste que son puro CANNIBAL CORPSE pero no por eso son
menos buenos. Solamente se les puede achacar seguir siendo tan fieles a sí
mismos en los tópicos de siempre, pero es que a un grupo como ellos no se les
pueden colocar letras de otro tipo. Por otro lado echo de menos las portadas de
antaño, pero por lo demás, en lo estrictamente musical Red before black es un
manual de instrucciones sobre cómo hacer death metal.
La producción
de Erik Rutan es por fin adecuada.
Siempre he tenido problemas con él detrás de los controles, pero en esta
ocasión ha logrado el equilibrio entre oscuridad, profundidad y contundencia.
Los temas son rápidos, groovies, con muchas partes thrash, Corpsegrinder sigue siendo él, para bien y para mal, y las
guitarras se mueven entre el clasicismo y el tecnicismo a partes iguales. Pocas
bandas podrán decir que no están influidas aunque sea minimamente por CANNIBAL CORPSE y sacando discos como Red
before black está más que justificado. ¡Qué ganas de verlos en marzo!
TEETHING – We Will Regret This Someday
Los madrileños
TEETHING es una de mis bandas
predilectas. Desde que los vi hace cinco años, cuando estaban prácticamente
recién formados con NAPALM DEATH, me
quedé prendado de ellos y de la energía que tenían en directo, especialmente su
vocalista Luis y ese portento en los
parches que es Álvaro, pero desde
entonces split, siete pulgadas o EP que editaban, era algo que esperaba con
ansia. Ya iba siendo hora de que editaran su debut, un We will regret this someday
que lanza nuevos temas y revisionados de otros antiguos y que es el mejor
escaparate para unos herederos confesos de NAPALM
DEATH, pero no sólo. Se notan sus raíces de finales de los noventa y tanto
en las letras de Luis como en sus
tics en escena, uno sabe que el hardcore, el nu metal o el punk forman parte de
su bagaje, al mismo nivel que el grind o el death metal de vieja escuela.
Todo eso queda
reflejado a la perfección en este debut que es un no parar desde ese inicial one two, one two, fuck you con el que
prueban el sonido de su micro y que sirve de apertura, hasta esa oda anti
racista que es “White cross inversión”.
Energía derrochada sin límites en poco menos de media hora que no ha parado de
sonar en mi reproductor en ocasiones prácticamente en bucle. No podían faltar
en este top.
IMPLORE – Subjugate
Parece
reiterativa en mi lista el que el grind aparezca, pero en el caso de IMPLORE es
sutilmente diferente, pues ellos tiran también de death, crust e incluso black
para ofrecer un compendio de metal extremo en este segundo trabajo en largo de
la multinacional banda, aunque la cataloguen de alemana. Desde que comienza Subjugate
uno no puede parar de mover los pies y menear la cabeza, ya estemos ante
ataques directos y concisos o temas más influidos por el groove del death
metal. Y lo mejor de todo es que han logrado una sensación de directo atroz.
Seguramente no me equivoque si digo que este album está grabado a la antigua
usanza, dejando correr las cintas.
Algunos
preferirán su anterior disco, Depopulation, que era aún más
visceral, pero creo que IMPLORE han
dado un paso de gigante con este nuevo trabajo en donde todo suena más
concentrado y a la vez variado y con el que han conseguido un espaldarazo
internacional increíble que les ha hecho meterse en una gira interminable por
todo el mundo. Merecido se lo tienen desde luego. Otros que eran imposible no
estuvieran en este top aunque solo fuera por lo quemado que tengo su vinilo en
casa.
THE OBSESSED – Sacred
SAINT VITUS y THE OBSESSED son junto a TROUBLE y PENTAGRAM algunas de mis bandas de doom rock favoritas de la
herencia BLACK SABBATH en EE.UU. Por
eso conocer la noticia de que por fin Scott
"Wino" Weinrich iba a grabar de nuevo un disco de THE OBSESSED teniendo su homónimo debut
y Lunar
Womb quemados de tanto escucharlos, me parecía una grandísima noticia,
aunque siempre tomándola con cierta cautela pues uno no sabe muy bien nunca por
dónde irán los tiros y el grado de inspiración de alguien que lleva casi 40
años en la música y que resucita una banda tan mítica. La cautela se esfumó en
cuanto escuché “Punk crusher” y todo
lo que construye Sacred.
Este disco es
una lección de oscuridad y pesadez doom en su sentido más rockero. Riffs
adictivos, ritmos para cabecear una y otra voz y la fantástica voz de Wino que está en una forma portentosa
para la edad que tiene. El damnificado es precisamente SAINT VITUS, que lo vuelven a perder en favor de THE OBSESSED, pero así podemos
recuperar a una de las bandas más infravaloradas del subsuelo americano y que
para cualquier amante del heavy heredero de la etapa ochentera de BLACK SABBATH es ley. Quien llegara así
a la vejez…
ARCHSPIRE - Relentless
Mutation
Por
recomendación de un compañero de esta misma web, me hice con este disco de ARCHSPIRE. Sus laudatorios comentarios
y su bagaje musical me hicieron ponerme con Relentless mutation a
ciegas, como se hacían antes las cosas y desde el primer minuto se me cayeron
los… al suelo. De Canadá tenían que ser… y además en su momento se llamaban DEFENESTRATED, así que uno ya puede
tener una idea de cual fue su inspiración primigenia. Pero no, no son una nueva
copia de CRYPTOPSY. Este grupo
llevan el death metal técnico un paso más allá en barroquismo por parte de los
solos, en brutalidad en los riffs, en velocidad y en cambio de estructuras
minimalistas, lo que me recuerda mucho a NECROPHAGIST
y en parte a OBSCURA y sobre todo a BRAIN DRILL.
Los temas son
pequeñas obras maestras tanto a nivel individual (especial mención para un
vocalista que debe estar entre los más rápidos a la hora de frasear como es Oli Peters o su batería Spencer Prewett que por momentos parece
una máquina supersónica) como de conjunto, mezclando partes clasicistas, con
solos ambientales y armonías jazzy, todo ello sin perder el rumbo de los temas
ni la brutalidad genérica del grupo gracias a una producción perfecta que pone
todo en su sitio. Por sorpresa entró en mi discoteca, pero no por sorpresa sino
por méritos propios se cuela en este Top.
Versión extendida del Top 5 publicado en Subterráneo Webzine: TOP 5 - 2017 - SW
Aprovechando
que SILENT estaba un poco en barbecho (aunque según tengo entendido este verano
grabarán su tercer trabajo), César y Josep, ambos miembros de la banda
catalana, y en compañía de Aleix (hermano de Josep), Dani y Toni, han decidido
poner sobre un trozo de plástico un puñado de temas en donde dejan fluir todas
sus influencias más “desérticas” y pesadas, dando lugar a este trabajo homónimo
de GOLDFISH.
Si
en la entrevista que le hice en estas mismas páginas a SILENT, Josep y César
nos comentaban su apego por gente como KYUSS, GOLDFISH es la confirmación de
que estas influencias están muy metidas en el subconsciente del quinteto
catalán. KYUSS, QUEENS OF STONE AGE y un ligero toque alternativo de los nunca
bien valorados ALICE IN CHAINS, convierten a “Goldfish” en un disco de sonidos
Stoner, de tonalidades rojizas, de olor a desierto... Todo ello gozando de un
sonido bastante bueno, que profundiza en la afinación grave de las guitarras, y
en la pesadez general de la música del grupo catalán y dando un lugar
privilegiado para las cuerdas vocales de César, que dicho de una manera llana,
demuestra ser un “monstruo” con su voz, llegando a registros que jamás pensaría
que tendría escuchando su trabajo en SILENT. De modo que si lo tuyo es el
Stoner de principios de los noventa, no lo dudaría ni un momento, GOLDFISH ha
facturado un gran disco que aunque sabe a poco (algo más de media hora entre
los cuatro temas nuevos y los dos temas pertenecientes a un anterior trabajo),
dice mucho.
Lo
mejor de GOLDFISH, además del papel protagonista de César, del que ya he
hablado, es que sin salirse de los parámetros del género, facturan
composiciones que dentro de su estatismo natural y consustancial al estilo, son
variadas y hasta cierto punto dinámicas, aunque parezca un contrasentido esta
frase. Aunque debería empezar por el principio, pondré un ejemplo, el que para
mí es el mejor tema del disco, “The Clonch (A Trip In Search Of Sound)”, un
tema de extensión media y que uno no se cansa de escuchar gracias a las inflexiones
de César y al efecto adictivo de los riffs de Josep y Toni. Evidentemente todo
está construido a golpes de riffs que beben de los viejos BLACK SABBATH
revisionados a través de TROUBLE, KYUSS y compañía, pero los efectos con los
que van intensificando las estructuras y los ritmos sencillos pero
imprescindibles de Aleix (que si uno escucha más detenidamente, no son tan
sencillos...), sin olvidarse del cuerpo que da al conjunto Dani con su bajo,
generan que la escucha de cada tema se haga amena y excitante.
Además
del ya citado “The Clonch (A Trip In Search Of Sound)”, el disco se forma por
otros tres temas nuevos y dos extras, “Tears You Waste In Vain” (que sigue la
línea del resto del trabajo) y “Eighteen Ideas” (más agresiva de lo que cabría
esperar, y que es un poco cajón de sastre en algunos momentos, pero que también
mantiene el nivel y muestra a la banda en plena evolución), que fueron grabados
en 2007 y en donde aunque el sonido es algo diferente y César no usa unos
registros tan amplios, sirven junto al resto del trabajo para tener una idea
global del sonido de GOLDFISH. De esos tres temas de los que aún no he hablado,
“Feed From Me (Agu)”, se desmarca como otro de mis preferidos, gracias a su
estructura, con continuos vaivenes que y a los contrastes de la voz de César.
“Light Never Hides”, por su parte es mucho menos explosiva, encargándose más de
recrear atmósferas a golpe de distorsión guitarrera, en uno de los temas donde
los patrones Stoner están más definidos y que posee una estructura de
intensidad creciente. Finalmente, “Coldness Denied”, se convierte en un tema
inquietante, lleno de interesantes efectos de guitarra, mientras Aleix mantiene
el pulso con unos ritmos que van aumentando su fuerza por momentos, y
nuevamente César mantiene su protagonismo usando otro registro nuevo con el que
incrementar su colección.
Una vez más el territorio nacional proporciona alimento para nuevas
bandas que buscan su sitio y GOLDFISH reclama el suyo, en un género que en su
momento gozó de excelente salud, quedando en un plano más minoritario hoy en
día, pero demostrando su valía y calidad. A pesar de lo corto que se hace,
“Goldfish” es un trabajo muy recomendable para todos aquellos que quieran
sentirse en medio de la soledad y la aridez del desierto.
