WHITE LION - "Return Of The Pride" + Entrevista: Una vuelta con polémica

¡La polémica está servida! Una banda que toda la vida ha estado identificada por la dupla Mike Tramp – Vito Bratta, después de problemas legales variados, y de tener a Tramp girando como Mike Tramp´s WHITE LION, el león blanco vuelve, nuevamente con el nombre de siempre, pero sólo con Tramp como miembro original. ¿Sacrilegio? No sé, pero este retorno de WHITE LION está marcado de antemano por un estigma difícil de superar: el prejuicio de todos aquellos que entiendan que esta banda no es tal, si sólo está Tramp al frente. Un problema difícil de superar por muy bueno que sea el contenido estrictamente musical del trabajo.

A todo ello hay que añadir que Tramp no es tonto. Un título pretencioso, que pretende recordar uno de los trabajos más conocidos del grupo, “Pride”, una portada blanca y poco llamativa, que también rememora el citado trabajo, y un contenido musical que se podría calificar de repaso general al sonido que recorrió WHITE LION a lo largo de su andadura en los ochenta. Todos estos ingredientes buscan reenganchar a los seguidores más clásicos de la banda, pero también alimentan la llama de la prensa amarilla musical, dando de qué hablar a los que quieran ver en este esfuerzo algo más que Hard Rock de raíz ochentera pero con los medios de nuestros días. Desde mi punto de vista personal, pienso que hay que acercarse a “Return Of The Pride” tapándose los ojos si se quiere, obviando el nombre bajo el cual se edita, tomándolo objetivamente como un disco de Hard Rock puro y duro, sin más, sin ningún prejuicio que no venga exclusivamente de la música ofrecida en el redondo.

No seré yo el que defienda la postura de Tramp, pues muchas otras veces han ocurrido cosas parecidas en el negocio musical y, salvo excepciones, siempre he considerado que es un ejercicio de puro mercantilismo que no hace ningún bien a la música. Pero, por otro lado, tampoco seré yo el que vaya a crucificar precipitadamente este disco antes de escucharlo sólo porque salga bajo un nombre equivocado. Creo que, siendo sinceros, “Return Of The Pride” es un disco digno, notable, con algún lastre importante que a continuación comentaré, pero que mantiene bien el nivel y puede destacar (aunque no brillar) entre los lanzamientos del género que tan fuerte ha empezado en este 2008. No es un “Pride”, ni mucho menos un “Big Game” (mi disco favorito del león), pero tiene su enjundia y la calidad compositiva suficiente como para ser recomendado para los fans del estilo.

El disco se mueve por todos los palos: por un lado destacan temas épicos y extensos, que guardan en su interior un gran sentimiento y fuerza a partes iguales, lo que unido a la excepcional voz de Tramp los convierten en perfectos escaparates para “Return Of The Pride”. Es el caso del extraño corte de apertura, “Sangre De Cristo”, y digo extraño porque no es ni mucho menos la manera más convencional de empezar un disco con una composición de casi nueve minutos y tan rica en matices, y sobre todo es el caso de la orgásmica “Battle At Little Big Horn”, un tema in crescendo donde Tramp alcanza el clímax. Pero también hay hueco para baladas típicamente ochenteras, íntimas, donde la voz de Tramp más brilla en medio de un colchón musical elegante y sencillo, como ocurre en “Dream” y la preciosa y cercana “Never Let You Go”. El Rock poderoso y contundente también tiene su hueco en la genial “Live Your Life” pegadiza y macarra, la Bluesy “Never Let You Go”, muy revisionista y estimulante, como también ocurre en “Let Me Be Me”, elegida para cerrar la edición sin bonus track (en el caso de la edición europea, este bonus es una bonita balada acústica, “Take Me Home”). Y finalmente cortes que son puro WHITE LION, a medio camino entre el Rock  potente y la balada, como “Set Me Free”, para mi gusto el mejor tema del redondo, con un estribillo fácil de recordar y un ritmo contenido fundamental.

¿Cual es el problema? El sonido no acaba de hacer despegar al disco y lo lastra a lo largo de toda su duración. Es evidente que “Return Of The Pride” no posé los medios de los que pudo gozar en su momento WHITE LION y como la pretensión de Tramp ha sido la de crear un trabajo de aspecto y forma clásica que pudiera ser comparado con “Pride”, “Big Game” y demás... en igualdad de condiciones, no ha dotado al redondo de las modernidades sonoras de hoy en día, lo que genera que se haya quedado entre dos aguas. Y el problema está fundamentalmente en las guitarras: suenan sin chispa, opacas y algo bajas, contrastando enormemente con la voz de Tramp que sí posé muy buenos momentos y goza de buena producción. ¿Premeditación? ¿Casualidad? no sabría decirlo, pero “Return Of The Pride” se convierte en un disco algo frío en mi opinión por este motivo, no terminando de brillar todo lo que debiera.

En conclusión, un disco grande, sobresaliente en mi opinión en el apartado compositivo, que sin alcanzar los mejores tiempos de WHITE LION, sí es un digno sucesor. Pero un trabajo que se queda un poco a medias debido a una decisión no muy acertada en lo que a sonido se refiere. En cualquier caso, “Return Of The Pride” tiene la suficiente calidad como para hacer disfrutar a los amantes del género, tanto si quieres atribuir el trabajo a Mike Tramp y sus amigos como si quieres hacer lo propio con WHITE LION.

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ENTREVISTA A WHITE LION CON MOTIVO DE "RETURN OF THE PRIDE"

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Después de mucho tiempo persiguiendo los derechos por el nombre, Mike Tramp, vocalista original y el único miembro fundador de WHITE LION regresa con “Return Of The Pride”, un gran disco, que sin ser un punto culminante en la carrera del león, sí que es un digno sucesor de sus años más famosos. Puede pensarse que WHITE LION sin Vito Bratta no es WHITE LION, pero Mike Tramp demuestra que, dejando a un lado todos estos aspectos secundarios, lo que realmente importa es la música. Me puse en contacto con el propio Tramp para hablar de estos temas, entre otros muchos relacionados con su nuevo disco e inminente gira que los traerá por España dentro de unos meses. El resultado permite ver a un Tramp seguro de sí mismo, confiado en la apuesta que ha mantenido durante tantos años y con la misma ilusión que en sus primeros años. El León Blanco regresa fiero y con orgullo para mantener sus fauces abiertas durante muchos años.

Después de tanto tiempo detrás de conseguir los derechos del nombre de WHITE LION por fin sale “Return Of The Pride”, ¿Tenías ganas de volver como WHITE LION? 

No especialmente. Yo formé la banda en 1983 y con o sin Vito yo le he dado vida. He mantenido la puerta abierta para que él vuelva, pero no ha habido ninguna respuesta. Aún así estoy lleno de música para ofrecer y nunca me he dormido en mi tarea. Los fans del Rock estarán muy contentos con este álbum y al final del año, todo el mundo sabrá que WHITE LION ha vuelto, que es real y el resto será historia. 

¿Cuánto tiempo andabas detrás de crear “Return Of The Pride”? ¿Cuando te pusiste a componer, buscabas una continuación desde donde WHITE LION lo dejó con “Mane Attraction”? 

He estado escribiendo material durante los últimos dos años. Nunca me he sentado a componer tratando de ir hacia ningún sonido especial o un determinado tipo de canción. Soy el que compone las canciones de WHITE LION y cuando escribo, eso es WHITE LION. Al mismo tiempo he tenido hasta ahora 17 años de crecimiento y evolución que han rodeado a “Return Of The Pride”. ¡¡Es solo una continuación de todo eso!! 

Viendo la portada, el título... no cabe duda de que aludes directamente al período en que la banda fue más famosa con “Pride” y posteriormente “Big Game”. ¿Tuviste mucha presión a la hora de componer pensando en no defraudar a la gente que buscara una mezcla de vuestros mejores años? 

No he tenido ninguna presión. Es importante saber que la banda ha hecho este álbum desde el principio y hasta el final, y todo, incluyendo la portada es idea nuestra… Sólo cuando todo estaba hecho firmamos con Frontiers records, con lo que no había ninguna presión. 

Pienso que “Return Of The Pride” es un gran disco, muy variado y que combina todos los géneros por los que ha pasado WHITE LION: baladas, temas de aire bluesy, otras canciones de puro Hard Rock... ¿Qué opinas?¿Te gusta como ha quedado el disco? ¿Hay algún tema del que te sientas especialmente orgulloso? 

Muchas gracias. Estoy orgulloso de todos ellos, pero “Sangre de Cristo” y “Battle At Little Bighorn” son mis favoritos. Estos temas me han dado mucho espacio para contar mi historia y para hacer muchas cosas con mi voz. 

Es sorprendente empezar el disco con un tema como “Sangre De Cristo” tan largo y épico. ¿Por qué elegiste este tema para abrir “Return Of The Pride”? 

Sabía que quería empezar el disco de esta manera desde el primer segundo en que escribí la canción. Es solo nuestra forma de hacer y decir lo que es WHITE LION. Somos una banda de músicos y queremos tocar música que sea grande, no sólo canciones de tres minutos. 

El título está en castellano ¿Por qué lo titulaste así? ¿De dónde te surgió la inspiración para la letra? 

Supe instantáneamente de lo que quería hablar desde el primer segundo en que empecé a escribir la música. Y el título en español se debe sólo a que realmente la canción habla del Misterio y es un recuerdo de los viejos días. Es como mi “En busca del arca perdida” particular, pero el tema sobre el que canto es cierto y muy fuerte en sí mismo. Me siente bien realmente por el resultado de esta canción. 

Otro tema también extenso que me parece de lo mejor del disco es “Battle At Little Big Horn”, donde tu voz es perfecta. ¿De dónde surgió la idea de este tema? En general a lo largo de todo el disco demuestras que la voz la mantienes muy en forma, ¿Cómo consigues mantenerla después de tantos años? ¿Algún secreto de la eterna juventud? 

Sí, me encanta esta canción también, y siempre quise escribir acerca de esa batalla y hacer ver al mundo o a la juventud de lo que pasó una vez: alguien más vivió y poseyó estas tierras en las que ahora estamos viviendo.

No tengo el secreto de la eterna juventud, pero debo reconocer que vivo de forma saludable. Mi voz ha tenido mucho trabajo estos días y realmente he tenido que prepararla mucho, además de que cuando giramos mantenerla es difícil. Pero intento dar lo mejor de mí mismo y nunca pretender ser otra cosa que lo mejor de Mike Tramp. 

Hay una cosa que me llama la atención, el sonido del trabajo. No buscas la contundencia en las guitarras, manteniéndolas en un segundo plano y siendo tu voz la gran protagonista. ¿Fue premeditado? ¿Querías dar un sonido más clásico al disco, más ochentero? 

La pregunta me confunde un poco, pero voy a intentar decir lo que pienso. Nosotros cuando grabamos un disco, queremos que la banda suene como cuando tocamos todos juntos. Nunca, ni por un segundo, intentamos hacer lo que otras bandas con sus sonidos limpios y pulcros, queremos sonar de la forma y con el sentimiento que uno puede oir en ZEPPELIN o en AC/DC. 

¿Han participado el resto de los miembros del grupo en el proceso de composición o todas las ideas salieron de ti? 

La mayoría de los temas vienen de mí, pero el bajista, Claus Langeskov también me ayudó a escribir alguna de las canciones y tuvo un gran papel en los arreglos de todo el disco. Además, los dos hemos producido y mezclado el disco juntos.

El sello a través del cual sale “Return Of The Pride” es Frontiers, compartiendo sello con ASIA, DOKKEN, HOUSE OF LORDS, TOTO ¿Es hoy por hoy el mejor sello en lo que a Hard Rock y AOR se refiere? ¿Qué opinas de Serafino Perugino? 

Tengo una muy buena relación con Serafino y su dedicación al Rock ´n´ Roll es total. Me gustaría que hubiera muchos más como él en el mundo. 

Muchos fans cuando vean “Return Of The Pride” bajo el nombre de WHITE LION pensarán que el grupo no es tal sin Vito Bratta. ¿Qué les dirías? 

Nada realmente. Si esa es la forma en que ellos lo sienten está bien, pero yo no creo que haya muchos fans así, sólo unos pocos. 

Aunque conozco todos los problemas legales al respecto, ¿Has hablado con Vito en todo este tiempo? ¿Llegasteis a pensar alguna vez en reformar WHITE LION los dos? 

He hablado con Vito muchas veces, pero nunca he conseguido nada de él. Ahora yo he conseguido definitivamente el nombre de WHITE LION y nunca habrá una reunión. Esta es la única forma en que WHITE LION existirá, el tiempo ha pasado y he esperado demasiado… 

¿Qué balance sacarías de todo lo que ha sucedido en tu vida desde que WHITE LION se separó y hasta que ha salido “Return Of The Pride”? ¿Cambiarías algo? ¿Mantienes la ilusión del principio? 

Por supuesto que cambiaría casi todo, pero porque ahora conozco las respuestas. Sin embargo, no es así como la vida funciona. Por eso, en lugar de pensar en el pasado, prefiero seguir adelante con todo mi conocimiento y no repetir los mismos errores. 

Dentro de no mucho comenzarás una gira por Europa que te traerá a España por primera vez en muchos años como WHITE LION y no como Mike Tramp´s WHITE LION ¿Vas a preparar algún set-list o show especial para el tour? ¿Te centrarás en los discos más clásicos o lo compensarás con temas de “Return Of The Pride”? 

La última vez que vinimos lo hicimos como WHITE LION y esta vez volveremos como WHITE LION, porque nosotros somos WHITE LION. Estoy muy contento con nuestros fans en España y sabemos que será grande cuando volvamos allí. Me encanta España y sus fans están totalmente locos y nos gusta que sean así. ¡Viva España! 

Hace tiempo leí en una entrevista al cantante de FAIR WARNING y SOUL DOCTOR, Tommy Heart, que decía que España, junto a Japón es uno de los países donde el Hard Rock está resurgiendo más fuerte ¿Qué opinas? ¿Qué piensas de los fans españoles? 

Te lo acabo de decir un poco más arriba. Yo creo que los fans españoles estarán por encima de los de Japón algún día. En España los fans del Rock realmente lo aprecian. 

¿Has podido leer o ver ya alguna reacción ante “Return Of The Pride”? ¿Qué opina la gente del disco? 

Hemos tenido cerca de un millón de escuchas en nuestra web, y ¡el 100% de ellas han aprobado el disco! 

Vuestros cuatro primeros discos y en especial “Pride” y “Big Game”, fueron de los más vendidos de la época. ¿Qué recuerdos guardas de todo aquello? ¿Te quedas con algún momento especial para ti? 

Todos estos años han sido una época fantástica, hemos estado ahí cuando la escena musical estaba en su punto más álgido y hemos tenido un montón de buenos momentos, girando con las mayores bandas del mundo. Estoy contento de haber sido parte de todo esto y haber aprendido tantas cosas que me valen hoy en día. 

¿De qué disco de WHITE LION te sientes más orgulloso? Y no vale que digas que este último. (Risas) 

Es cierto que “Pride” es nuestro disco más apreciado, pero realmente me encanta “Fight To Survive”, es muy crudo pero es también muy maduro. No puedes en verdad comparar ese álbum con todas las bandas de Los Angeles que algunas veces han metido en el mismo saco que a WHITE LION. Ese disco tiene mucha influencia europea y las letras son duras en todos los aspectos por los que pasan. 

Muchas gracias por tu tiempo, cualquier cosa que quieras añadir este es el momento.  

Estoy realmente agradecido de recibir aún tanto apoyo por lo que yo y WHITE LION hacemos. Es todo un honor.

ROBBEN FORD - "Blue Moon": Encontrándose a sí mismo

El guitarrista ROBBEN FORD es un hombre de mente inabarcable. Partiendo de su amor a MIKE BLOOMFIELD, el músico y cantante ha pasado por todos los géneros: Blues, Jazz, Smooth, Pop, Country… Amén de haberse sentado junto a grandes y pequeños como MILES DAVIS, JIMMY WITHERSPOON, GEORGE HARRISON o  JONI MITCHELL. Todo este eclecticismo genera un pequeño problema en sus discos en solitario: indefinición. Uno se pregunta en qué género se encuentra realmente cómodo FORD, cuál es aquel sonido que alimentará su inspiración y le hará sonar con mayor solvencia. Han tenido que pasar dos décadas para que “Blue Moon” deje entrever un poco cuál es su personalidad, su raíz, en definitiva, su lenguaje: el Blues (si bien, teñido de una gran cantidad de sonidos y variaciones de producción fruto de tantos años de vaivenes por la industria discográfica).

En “Blue Moon”, ROBBEN FORD se comporta como un Bluesman de libro, guitarra y voz como únicos elementos de expresión, temas de sentido rítmico y eléctrico, tirando más hacia JOHN MAYALL que hacia MUDDY WATERS, y con un sólido acompañamiento para sus cuerdas, tanto metálicas como vocales. Con excepción de “Indianola”, uno de los momentos culminantes del disco, y único tema totalmente instrumental, donde FORD se despacha a gusto con el mástil (con formas muy Jazzys todo hay que decirlo), el resto del trabajo muestra a un FORD que brilla en el apartado solista, pero sobre todo en el vocal, tiñendo de cierto matiz Pop a las composiciones, en ocasiones de forma muy radiofónica como en “My Everything” o “Don’t Deny Your Love”, que podía pasar por un tema Smooth de inspiración Blues, y en otras de forma totalmente tradicional como en “Make Me Your Only One”, mirando hacia New Orleans y al Jazz a medio tiempo a partes iguales. 

También hay momentos más puramente Jazz, especialmente “It Don't Make Sense (You Can't Make Peace)”, donde la guitarra de FORD coge algo de KENNY BURRELL, sin abandonar el sonido Blues, e incluso cierta “alma” soulera en cosas como “The Way You Treated Me (You're Gonna Be Sorry)”, pero en general “Blue Moon” es un disco de Blues, rítmico y accesible, pero Blues al fin y al cabo. Los puristas tampoco estarán muy cómodos con el sonido de ROBBEN FORD, pero con un pasado y una personalidad tan ecléctica, “Blue Moon” parece que por fin refleja una imagen bastante fiel del esqueleto del músico. Incluso la producción, lejos del sonido limpio y Smooth de otros guitarristas de trayectoria similar, trata de potenciar el ritmo y la adicción, hacer aún más protagonista a la voz de FORD y que el vigor de la guitarra no se vea aquejado de la limpieza radiofónica en la que podría caer este disco de tener otras pretensiones.

No estamos ante un trabajo de riesgo, tampoco ante una octava maravilla, pero después de pasar por tantas máscaras y disfraces, ROBBEN FORD desnuda su alma, su guitarra y sus cuerdas vocales en “Blue Moon”, dando como resultado un disco inspirado, llevadero y entretenido, al que se puede recurrir en sucesivas escuchas sin más pretensiones que pasar un buen rato, lo cual no es poco.

ABLAZE IN HATRED - "The Quietude Plains": Entre nieblas y penumbras

De entre la larga lista de bandas del entorno Firebox, y con el sonido típico del Doom finlandés por bandera, dejando a un lado a mis predilectos SWALLOW THE SUN, sus compatriotas ABLAZE IN HATRED fueron los que más me sorprendieron en su momento. Su debut, “Deceptive Awareness”, que ya fuera comentado en estas páginas por mi compañero Juanma Rubio, con cuya crítica estoy plenamente de acuerdo, era toda una oda a la melodía y la desesperación al mismo tiempo que conseguía envolver desde el primer momento y que acababa por extasiar. Ahora le toca el turno a “The Quietude Plains”, el disco que los confirma y que los asienta en su sonido, quizás más predecible, más “estándar”, pero igual de disfrutable que su magnífico debut.

Los que asocien Finlandia a SHAPE OF DESPAIR quizás salgan decepcionados con bandas como ABLAZE IN HATRED. Bien es cierto que las atmósferas embaucadoras recargadas por teclados y guitarras tortuosas son la base. Los largos desarrollos, el dejar fluir la música como si fuera un río de sangre lento y taciturno, la profundidad vocal, el estatismo rítmico... son ingredientes comunes, pero ABLAZE IN HATRED, siguiendo la tradición de SWALLOW THE SUN, DEPRESSED MODE o COLOSSEUM, se tiñe de melodías, de cierta aurora brillante, deslumbrante, evocadora, hasta cierto punto “feliz”, de la que carece la mítica banda finlandesa. La rama más accesible, más amable y esperanzadora del Doom finlandés, pero sin dejar a un lado la hondura, la melancolía, el “quejío” que dirían los flamencos. Y todos estos ingredientes, que tan bien resultaron en “Deceptive Awareness” siguen intactos en “The Quietude Plains”, aunque quizás con un grado de madurez mayor, y al mismo tiempo menos sorpresas para el oyente.

El punto fuerte sigue estando en la bellísima y antagónica combinación entre la voz profunda, visceral y funeraria de Mika Ikonen y las melodías hímnicas, épicas y coloristas de las guitarras de Sanna y el propio Ikonen, siempre conducidas, dirigidas y potenciadas por los teclados de Eve Kojo, eternamente presentes y nunca protagonistas más allá de lo adecuado para terminar de redondear las atmósferas y los paisajes de niebla y penumbra. Dejando a un lado a los citados SWALLOW THE SUN, sólo hay dos bandas que llegan a evocar tanta emoción y al mismo tiempo tortura humana: DRACONIAN y SATURNUS, aunque la primera desde un punto de vista más accesible si cabe y la segunda con unas premisas más desgastantes y decadentes. En cualquier caso, “The Quietude Plains” mantiene intacta su belleza intrínseca, su relajo y su pasión espiritual, prueba de lo cual sería el magnífico cierre del trabajo con la “prácticamente” instrumental “My Dearest End” y sobre todo, la hipnotizante “Therefore I Suffer”, recorriendo ambas casi veinte minutos de absoluta magia y hechizo para cualquiera con sangre en las venas.

La primera parte del disco se podría considerar la más estándar y continuista con su debut. Aunque los parámetros sean constantes, el predominio del amanecer en “A Walk Through The Silence”, cuyas melodías evocan el alba en un paraíso de hielo, el constante ir y venir de las “ondas” de “Perfection Of Waves”, que acaban clavándose en nuestros cerebros, o la fuerza más desgarrada de “Beyond The Trails Of Torment”, ofrecen el punto de variedad de un disco que trata de madurar un sonido que al mismo tiempo que propio y personal, se mimetiza con su entorno. En este sentido “The Quietude Plains” se podría comparar con el segundo trabajo de SWALLOW THE SUN: sin repetir la genialidad atrayente del primer disco, consiguieron madurar su propuesta y ofrecer una personalidad cada vez más propia. En definitiva, “The Quietude Plains” no supera el debut de ABLAZE IN HATRED pero ofrece un paso más que cualquier aficionado al Doom finlandés no debería perderse.

Como “regalo”, la primera edición de “The Qietude Plains” ofrece un segundo CD cuanto menos curioso en su contenido, no por su extensión que es cortísima: dos temas extra que son versiones de VERENPISARA y ENTOMBED, siendo la segunda de las citadas la más “ajena” al estilo de ABLAZE IN HATRED. En cualquier caso “The Qietude Plains” habla por sí mismo: un gran trabajo que no decepciona.

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AMON AMARTH - "Twilight Of The Thunder God" + Entrevista: Alcanzando el Valhalla

La trayectoria de AMON AMARTH va a toda velocidad hacia las mieles del éxito. Manteniendo una línea muy constante disco tras disco, aunque con la variedad suficiente como para no acusarles de autoplagio, la banda sueca con el siempre reconocible Johan Hegg al frente, ha sabido mantener una línea ascendente que le está llevando a conquistar todos los mercados y hasta a lanzar sus discos de una y mil maneras (algunas realmente curiosas, como en la que incluyen figuras “cabezudas” de cada uno de los miembros del grupo), para desquicie de sus fans y satisfacción de su discográfica, Metal Blade. Esta introducción puede parecer peyorativa para un determinado grupo de oyentes, pero mi intención es la contraria, más bien reconocer el mérito que ha tenido esta banda de llegar ahí arriba, expandiendo el nombre de Thor y Odin por todas partes y todo a golpe de esfuerzo propio y sin descanso. De tocar en pequeñas salas, a encabezar festivales. De tener ventas discretas, a ser uno de los valores seguros para las tiendas y para Metal Blade. Y todo sin variar en grandes dosis sus ingredientes. Mi más sincera enhorabuena.

En esta situación, AMON AMARTH llega a un punto de inflexión en su carrera. “With Oden On Our Side” marcó el cenit del éxito en una carrera ya dilatada, y también empezó a cosechar algunas críticas por su acercamiento más melódico. Así pues, “Twilight Of The Thunder God” tenía el duro papel de seguir contentando a los nuevos seguidores del grupo y tratar en todo lo posible de mantener a sus ya amplias hordas de fans, que los siguen desde hace mucho tiempo. Y en mi modesta opinión, que hace ya tiempo que desistió de ver en manos de AMON AMARTH un segundo “The Avenger”, creo que los suecos lo han conseguido. No es que “Twilight Of The Thunder God” difiera en exceso, su tratamiento más cercano al Death Melódico de libro sigue ahí, pero han encontrado el equilibrio con el Death Metal épico que muchos denominan Viking Metal y que poco o nada tiene que ver con lo que realmente es ese estilo (si nos fijamos sólo en las letras, desde luego que lo son, pero no veo más vikingo que este elemento en el grupo). Ya desde que fue desvelada la portada, muy cercana a la de “Versus The World”, algunos intuimos que AMON AMARTH quería con este disco consolidar a los nuevos fans y no perder a los viejos. Y creedme, que “Twilight Of The Thunder God” es un digno sucesor del pasado del grupo, y sin llegar a la altura de joyas pasadas, es superior a “With Oden On Our Side” y eso que yo fui de los que alabó aquel disco, evolución bien entendida en el sonido de la banda.

Primeramente resaltaría que “Twilight Of The Thunder God” es un disco mucho más compacto y menos heterogéneo que su predecesor. Esto es debido fundamentalmente a un tratamiento más épico y tradicional de los riffs, recuperando esos medios tiempos cargados de tormenta e ira vikinga como ocurre en “Tattered Banners And Bloody Flags” o en “Embrace Of The Endless Ocean”, cortes de atmósfera muy grandilocuente, que con la profundísima y carismática voz de Hegg se convierten en historias tributo del pasado escandinavo. Si a lo que acabo de comentar unimos, nuevamente, la producción de Jens Bögren, que logra captar muy bien ese halo hímnico de las guitarras del grupo, el resultado no puede ser mejor. Pero también hay que resaltar que no desaparece el tono más melódico y accesible de su obra previa. Temas como el de apertura, “Twilight Of The Thunder God”, donde colabora en los solos Roope Latvala de CHILDREN OF BODOM es un ejemplo, al igual que “Free Will Sacrifice”, un corte con mucho groove que es de los más pegadizos del trabajo y donde Hegg usa su registro más oscuro, o en “Varyags Of Miklagaard”, más a medio tiempo, pero con unas guitarras muy limpias y accesibles, dejando a un lado el cariz más épico. El resto son temas que combinan lo mejor de ambos mundos y que terminan de construir la cara actual del grupo, maduración de un sonido con el que llevan desde hace años.

Curiosa es cuanto menos la otra colaboración que aparece en el disco en “Guardians Of Asgaard”. Aquí, el vozarrón de Hegg comparte protagonismo con la cascada y única voz de Lars Goran Petrov de ENTOMBED, sinceramente, el último que pensaba que fuera a hacer una colaboración en este trabajo, convirtiéndose en un tema sencillo y adictivo que en directo puede funcionar muy bien. Aunque sinceramente, junto al corte de apertura, mi preferido de este disco sería el que le sigue al citado, “Where Is Your God?”, un corte cuyo riff inicial descoloca por ser lo más atípico en el grupo que se puede uno encontrar, sin embargo la agresividad general y la pesadez de las guitarras convierten a este tema en un digno sucesor del brutal “Asator” perteneciente a su anterior disco. Ya enfilando la recta final, “No Fear For The Setting Sun” hace uso de los riffs entrecortados característicos del Death sueco, aunque con un estribillo donde la épica vuelve a ser la nota dominante. Por su parte “The Hero”, con unos efectos quizás excesivamente actuales en sus guitarras iniciales, recupera la cadencia pegadiza y marcial del medio tiempo tan característico del grupo. Finalmente y antes del ya mencionado “Embrace Of The Endless Ocean”, el riff inicial de “Live For The Kill” parece que va a encuadrar el corte en un nuevo ejemplo de acercamiento al Death Melódico, pero las guitarras más características de AMON AMARTH no desaparecen, siendo un buen corte, aunque no sea el tema que más me guste del trabajo, acabando por resultarme un poco simplón y falto de fuerza, sobre todo tras el solo de guitarra, donde una nueva colaboración, los chicos de APOCALYPTICA, hacen su aparición pero sin terminar de encajar.

En general, centrándome en mis gustos personales y habiendo seguido a la banda desde hace años, pienso que “Twilight Of The Thunder God” es el disco que todos los fans, viejos y nuevos, de AMON AMARTH esperarían a estas alturas de la película. Evolución sutil, conjunción de todas las lecciones aprendidas y resultados muy favorables. Se echa de menos un corte que destaque sobremanera y que se acabe por convertir en un clásico en sus directos, pero aún así estamos ante un trabajo sobresaliente, en el que no decae la intensidad y en el que una vez más, se reivindican a las legiones de Odin y compañía. Lo dicho, AMON AMARTH está recogiendo los frutos del esfuerzo y con resultados como el de “Twilight Of The Thunder God”, se lo merecen. Otros con mucho menos, han conseguido lo mismo, AMON AMARTH puede presumir de haberlo conseguido manteniendo su prometedor sonido, y sabiendo evolucionarlo en su justa medida. Un lanzamiento a la altura de las circunstancias.

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ENTREVISTA A AMON AMARTH CON MOTIVO DE "Twilight Of The Thunder God"

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AMON AMARTH es quizás una de las bandas de trayectoria más envidiable de los últimos tiempos. Desde sus inicios han sabido madurar y evolucionar, sin ser rompedores pero tampoco autocomplacientes. Y a golpe de martillo (de Thor se sobreentiende), la banda sueca ha llegado a ser uno de los referentes del Death Metal europeo. Siempre enarbolando la temática y la mitología vikinga, AMON AMARTH puede presumir de tener ya una larga carrera a sus espaldas y el reciente lanzamiento de “Twilight Of The Thunder God” no hace más que confirmar su buen estado de forma. Una vez más, el quinteto sueco sorprende con un disco que recoge lo mejor de toda su carrera y les lleva un poco más lejos en calidad y popularidad y esperemos que no se les acabe la inspiración a pesar de su extensa y continuada discografía. Para hablar de la lucha entre Thor y el mundo de la Serpiente, además de la moda Vikinga que nos rodea, me puse en contacto con Fredrik Andersson, batería de la formación sueca. Descubre en sus respuestas cómo AMON AMARTH se forma por auténticos espíritus de fuego, y cada nuevo disco se configura como una batalla con la que celebrar la victoria, cuerno repleto de cerveza en mano, y lanzando gritos de júbilo. ¡Salud! 

Con “Twilight Of The Thunder God”, AMON AMARTH alcanza su séptimo disco. Tenéis una carrera de más de 15 años a vuestras espaldas y habéis realizado muchos conciertos alrededor del mundo. ¿Qué es lo mejor que recuerdas de todos estos años? ¿Estás contento con el status que ha alcanzado la banda hoy? ¿Cuál es el límite de AMON AMARTH? 

Hay miles de buenos recuerdos que guardo de todo lo que hemos experimentado y vivido en este tiempo, pero los mejores serían los conciertos que acaban destacando por encima del resto: Wacken, Summer Breeze, Israel, Islandia y Estocolmo, por ejemplo. Estamos muy contentos con el sitio que ocupamos actualmente, ciertamente nunca esperamos llegar tan lejos. El límite surgirá en el momento en que no podamos permanecer más detrás de nuestra música, o simplemente cuando no sintamos el fuego arder en nuestro interior por más tiempo. 

¿Tiene “Twilight Of The Thunder God” algún significado además de su propia esencia mitológica? ¿Quién sería el “Thunder God” hoy en día? 

“Twilight Of The Thunder God” se refiere a la batalla final entre Thor y el mundo de la Serpiente. Es una vieja saga de la mitología Escandinava que es relatada bastante a menudo en nuestra tierra. Sin duda, el Thunder God de nuestros días seríamos nosotros, ¡Amon Amarth! 

En este CD habéis rescatado una cara más épica en vuestra música. “With Oden On Our Side” se acercaba mucho más a la parte melódica del Death Metal, sin embargo en “Twilight Of The Thunder God” los riffs y los tempos de las canciones son más similares a vuestro pasado. De hecho la portada me recuerda a “Versus The World”. En tú opinión, ¿cuál sería la diferencia entre este nuevo disco y el resto de vuestros trabajos? 

Queríamos volver a un artwork más clásico y la idea de mostrar esta batalla final entre Thor y la Serpiente había rondado nuestra cabeza desde hacía muchos años, por lo que creímos que este era el mejor momento para ello. Pienso que la música de este trabajo es una mezcla entre lo viejo y lo nuevo. No teníamos realmente planes previos cuando empezamos a escribir el material, simplemente fue viniendo según escribíamos, y en esta ocasión estas canciones han salido así. 

En este nuevo disco mis temas favoritos serían “Twilight Of The Thunder God” y “Where is Your God?”, incluso pienso que estos temas podrían tener cabida permanente en los siguientes set-lists del grupo. En tu opinión, cuál sería la mejor canción de este disco para ser sucesora de temas como “Asador”, “The Pursuit Of Vikings”, “Death In Fire”…? 

En mi opinión, creo que “Guardians Of Asgaard” es una gran canción para el directo, pero también “Twilight Of The Thunder God”. 

De hecho, en “Twilight Of The Thunder God” y “Guardians Of Asgaard” participant en el disco dos invitados especiales: Roope Latvala de CHILDREN OF BODOM y el gran Lars Goran Petrov de ENTOMBED. ¿Quién tuvo la idea? ¿Considerasteis tener alguna otra colaboración además de la de Roope, Petrov y APOCALYPTICA? ¿Os gusta como han quedado esas canciones con ellos? 

Sí, pienso que son muy buenos, su participación ha añadido mucho sabor propio al nuevo disco y estamos muy contentos con el resultado obtenido. La idea de tener a Roope vino al girar con CHILDREN OF BODOM. Dijimos que sería divertido contar con un solo “machacante” como el suyo en el disco, y pensamos que si alguien podía conseguirlo ese era Roope. En cuanto a Petrov, la idea de tenerle vino al final de la noche en un bar después de muchas cervezas. De hecho, muchas grandes ideas vienen de esta forma. (Risas) 

En esta ocasión habéis vuelto a contra con Jens Bogren como productor otra vez. ¿Pensáis que es el mejor para expandir el sonido de AMON AMARTH? ¿Cuál es la mejor contribución de Jens al sonido de la banda? 

Él es con mucho el mejor productor con el que hemos trabajado. Oye cosas que nunca pensaríamos que pudiera y no se asusta a la hora de exponernos nuevas ideas para el grupo. 

Metal Blade ha estado muy implicado en la edición de este disco. Hay muchas versiones diferentes: LP, CD, Edición especial con el concierto en el Summer Breeze de 2007 y la más original, la edición con las figuras “bubblehead” de cada miembro del grupo. ¿Os gustan todas estas ediciones y en especial la de los muñecos “bubblehead”? ¿Quién tuvo la idea para esa edición? 

Pienso que es divertido. Yo mismo me considero un coleccionista y me gusta tener las ediciones especiales de los discos que compro. Sin embargo, no creo que sea nada auténticamente extraño o nuevo, siempre hemos realizado ediciones limitadas en LP o en Picture Disc. Añadimos el DVD con el concierto en el Summer Breeze como bonus, porque aunque fácilmente podíamos haberlo vendido como un DVD por separado, pensamos que daría más valor al disco para nuestros fans si lo hacíamos de esta manera como bonus del nuevo disco. En cuanto a los muñecos “bubblehead”… son divertidos, cuando la idea se nos propuso dijimos: “adelante”, es simplemente algo simpático, no todo tiene que ser siempre super serio. 

AMON AMARTH ha sido denominado por la prensa y algunos fans como Viking Metal. Sin embargo, es difícil comparar a la banda con otros grupos de Vikink Metal como ENSIFERUM, FALKENBACH… o los verdaderos padres del género, BATHORY. ¿Estáis de acuerdo con que os denominen así? Yo pienso que la gente que usa este término lo hace más pensando en las letras que en la música, siendo más adecuado el término Death Metal épico para vuestro caso. ¿Cuál es tu opinión al respecto? 

De hecho nosotros mismos nunca nos hemos definido como Viking Metal. Cuando empezamos, ni siquiera existía tal término. Siempre hemos tocado Death Metal melódico con temática Vikinga en las letras. Desde luego, estoy de acuerdo en que tenemos poco en común con esas bandas.

¿Está lo Vikingo de moda? ¿Os gusta que se usen símbolos mitológicos como el martillo de Thor, o los cuernos para beber cerveza como elementos de marketing? ¿No creéis que se están corrompiendo en parte estos signos al tratarlos como otra tendencia más? 

No lo sé. Es algo que nosotros hemos estado haciendo durante los últimos quince años. Si está ganando popularidad, personalmente no tengo problema por ello. Es mejor beber cerveza a través de un cuerno que en un vaso de plástico. (Risas) 

AMON AMARTH usa la mitología Escandinava en sus letras, pero ¿por qué lo hacéis? ¿Creéis en los dioses de la antigüedad como Thor… o simplemente queréis expandir este pasado para evitar su olvido? 

Pensamos simplemente que es un buen tema para escribir letras interesantes acerca de ello. En lugar de escribir como tantos otros acerca de cuerpos mutilados o sobre lo miserable que somos, escribimos acerca de batallas Vikingas y todos los asuntos interesantes acerca de la vida en la era Vikinga.

¿Es imposible imaginar un concierto de AMON AMARTH sin “Victorious March”? ¿Os cansa tocar tantas veces este tema? ¿Cuál es la mejor cualidad de esta canción para que guste tanto? 

No tocamos esa canción siempre, aunque sí en la mayoría de nuestros conciertos. Sin embargo, no estamos cansados de tocarla. Es una gran canción y es siempre divertido tocarla en directo. 

Habéis girado mucho en el pasado. ¿Cuál es el mejor país para tocar en tu opinión? 

Realmente es algo imposible de decir, todos los países tienen buenas cualidades. Para nosotros, al ser Escandinavos, siempre nos gusta venir a los países del sur y tocar donde normalmente hace calor todo el año.

Muchas gracias por tu tiempo Fred. Si quieres añadir algo más para los lectores, este es el momento 

Muchas gracias por la entrevista. ¡Salud!

ROTTEN SOUND - "Exit": Grind con personalidad propia

Vuelven tras más de dos años, una de las bandas de Grindcore escandinavas más conocidas del panorama europeo junto a los dioses NASUM. ROTTEN SOUND son una banda finlandesa con más de una década de existencia. Iniciaron su andadura musical con un buen número de Ep's y singles (como toda banda de Grind que se precie) hasta que la extinta compañía española Repulse Records les diera la oportunidad de grabar un disco completo. Ahora nos traen un nuevo trallazo de media hora de duración de la mano de la compañía entre las compañías de la tierra de los mil lagos: Spinefarm.

Las influencias de ROTTEN SOUND son las propias de todo grupo de Grindcore de temática no gore que se precie, es decir, NAPALM DEATH, EXTREME NOISE TERROR y como no BRUTAL TRUTH. El sonido conseguido en este disco es bastante bueno, lo que favorece sobre todo a esa bestia que tienen en las baquetas que responde al nombre de Kai Hahto. Han conseguido una producción a la altura de bandas actuales como NASUM o ABADDON INCARNATE. ROTTEN SOUND se caracterizan por hacer un Grindcore bastante variado e interesante, algo difícil hoy en día. Temas que pese a su escasa duración, están muy bien estructurados, plagados de buenos ritmos y combinaciones de riffs muy variadas. Lo que hace que te mantengas atento en todos sus temas sin que haya lugar para el aburrimiento. Eso sí, como cualquier disco de Grindcore, no entra a la primera salvo que estés muy acostumbrado a estos sonidos tan extremos.

En "Exit", te puedes encontrar temas con ritmos de influencia Thrash como "Sell Your Soul" o "Western Cancer", medios tiempos de riffs pesados mezclados con partes rápidas de puro Grind, como "Mass Suicide", "Nation" o "The Weak", etc... todo ello con una gran variación en las voces combinando las más agudas tipo NASUM con otras más graves y guturales. Las letras son otro punto fuerte del grupo: pesimistas en fondo y forma, describen toda la mierda que nos rodea y a la que nos dirigimos, sin caer en el cinismo y en la doble moral como otros muchos hacen. En cualquier caso, pese a estar destinado a una minoría de antemano, ROTTEN SOUND nos ofrecen un buen disco. Directo, de puro Grind, pero a la vez con un sonido propio que no debe pasar desapercibido para los que amamos las sonoridades más extremas.

(Crítica publicada también en: http://www.rocktotal.com)

JESU - "Conqueror": Una obra de arte en su conjunto

En el mundo anglosajón hay un personaje que se puede citar como un “culo de mal asiento”, muy similar a lo que en Suecia ocurre con Dan Swanö. Me refiero a Justin K. Broadrick, en su momento artífice del disco de debut de NAPALM DEATH y que desde entonces, casi siempre dentro de unos terrenos más apegados a la experimentación y los sonidos industriales, no ha parado quieto metiéndose en uno y mil proyectos, siendo el más visible de todos ellos GODFLESH, enorme banda que parió alguno de los mejores discos de Metal Industrial de la historia.

En un país como el Reino Unido donde hace tiempo que las publicaciones musicales, como más de una vez se ha debatido, perdieron el norte al enterrar prematuramente al Metal como estilo, los músicos ingleses han tenido que reciclarse para lograr despuntar, aunque no sea en su propio país. En este sentido Justin ha logrado ser coherente con sus gustos musicales, y aunque alejado del Metal al uso, ha conseguido sobrevivir haciéndose un nombre, sobre todo en Japón, donde es venerado desde hace tiempo. Para dar continuidad a estas inquietudes JESU nació tras la muerte de GODFLESH, como vehículo principal de expresión de Justin, ahondando en la vena industrial de su banda fallecida, pero yendo más allá en su propuesta, tiñéndola de atmósferas y ambientes opresivos e hipnóticos, donde todo es un arte, desde la portada, pasando por el diseño del disco, las letras, las melodías, la instrumentación... todo busca crear una obra en global, donde cada elemento por separado puede ser insignificante, pero en conjunto se convierte en una pieza de admiración y de la que es difícil escapar, aunque también es difícil y mucho entrar.

La ceguera es blanca, lechosa, no negra y tormentosa, decía José Saramago en su “Ensayo Sobre la Ceguera”, y JESU nos hace entrar en esta particular ceguera en su segundo disco completo hasta la fecha, “Conqueror”, ya dejando a un lado la etiqueta de proyecto de un hombre solo. Esta comparación puede parecer exagerada, pero es la sensación que uno tiene cuando se enfrenta a “Conqueror” por primera vez. Al principio un muro blanco y aparentemente infranqueable puede erigirse entre JESU y el oyente, y si uno no pone de su parte muy probablemente no logre pasar el muro de la ceguera nunca. Las redes de ambientes formados por sutiles y constantes sintetizadores, las guitarras que sirven de hilo conductor de los temas con distorsiones que las mantienen en segundo plano, los matemáticos y constantes ritmos que sustentan los cimientos de las composiciones, y las melodías vocales de Justin, cíclicas y opresivas, aderezadas con efectos de post-producción que le dan un color industrial aún mayor, convierten a nuestros reproductores en volcanes de ceniza que nos envuelve en espesas nieblas, donde uno tiene la sensación apacible de estar ante algo bello y enigmático, pero que no es capaz de disfrutar al máximo.

Se necesita paciencia, pero doy fe de que se puede llegar a penetrar en la inmensa blancura musical de JESU, y cuando se consigue uno se ve transportado, como si el cuerpo y el alma se separasen y en pleno trance místico nos dejamos llevar por las olas de sonidos de Justin y compañía. Una música que trasciende los géneros, aunque no hay duda que la base Post-Rock a lo NEUROSIS, CULT OF LUNA o ISIS está muy presente, pero las atmósferas, los elementos industriales, las largas estructuras que parecen repetirse una y otra vez en círculos hipnóticos ante nuestros ojos, convierten a “Conqueror” en algo único, propio, elegante y bello. Una música que se toma su tiempo para fluir, para llegar al oyente, que se regocija en los pasajes, en recrear más que en impresionar, que busca atrapar, rodearnos con brazos cálidos, donde el cuerpo puede relajarse y pasar a formar parte de la propia obra de JESU. Una música a la que no le importa picotear de las melodías Pop, de los pasajes de Psicodelia renovada a lo RADIOHEAD, siempre con el objetivo de dibujar nubes de algodón en las que el oyente pueda sentirse protegido y embebido. Una música, en definitiva, que es arte en sí misma.

Apoyadas en un sonido que no busca, conscientemente, resaltar ningún elemento sobre el resto, y que consigue el objetivo de que JESU suene a un todo y no a una unión de partes, y con una presentación que es tan elegante como la propia música de la banda (magnífico digipack blanco, hipnótico, para dejar que nuestra imaginación vuele), las ocho composiciones de “Conqueror” recorren casi una hora de pasajes. No importan en sí los temas, no son más que movimientos de una sinfonía, una forma de dividir en etapas nuestro ascenso a las nubes, y en parte para que el oyente tenga un merecido descanso con el que afrontar todo el viaje. Lo que importa es el todo, las preciosas melodías conseguidas por Justin con su melosa y cálida voz, que aunque puede parecer monótona en un primer momento, consigue una perfecta comunión con las atmósferas recreadas por los teclados y los artefactos técnicos en los que se apoya el señor Broadrick. Lo que importa son las sensaciones transmitidas, desde la magia eléctrica e industrial de “Conqueror” donde las guitarras se visten de contundencia en contraposición a las apacibles melodías recreadas por la voz y los teclados, pasando por la guitarrera y roquera, pero a la vez pausada “Transfigure”, hasta la extensa y no por ello menos hipnótica gracias a las muchas texturas conseguidas por los teclados “Weightless & Horizontal” o uno de los momentos culminantes, la popera “Brighteyes”, donde Justin evoca con sus cuerdas vocales melodías que se repiten de manera cíclica gracias a efectos de eco de gran belleza.

En definitiva, música para dejarse llevar, aunque cueste llegar a comulgar del todo con ella. Música para mentes abiertas, eso sí, para los que no busquen un género en concreto y quieran sentirse protagonistas de una obra y no meros espectadores. Música entendida como arte activo. Música y nada más.

(Crítica publicada también en: http://www.rocktotal.com)

UNITED FUTURE ORGANIZATION - "3rd Perspective": Música y cine hermanados

Desde Japón con amor, U.F.O. (UNITED FUTURE ORGANIZATION) es una banda de Acid Jazz formada en las islas orientales que a finales de los noventa logró ponerse a la altura de las bandas punteras del estilo en Europa. Comenzaron fuerte, con dos discos que están entre lo más recomendable del género, un trabajo homónimo y un “No Sound Is Too Taboo” haciendo clara referencia a los muchos sonidos que pasaban por el grupo sin miedo por parte de sus componentes a la hora de afrontarlos. Sin embargo, y aunque no todo el mundo está de acuerdo, su cumbre como conjunto y estilo está, en mi opinión, en su tercer trabajo, “3rd Perspective”, en el cual trasladan otro elemento más a su música: su pasión por el cine de los años cuarenta, cincuenta y sesenta, haciendo que el disco parezca una banda sonora de gangsters y espías, en clave de Jazz, dando un toque aún más “Lounge” a su música.

En once composiciones U.F.O. pone trasfondo musical a la genial portada del trabajo. Todos los temas están arreglados por el cuarteto principal y tres son ajenos que se deben a plumas tan antagónicas como ROB GALLAGHER / EARL ZINGER (al que se debe un “Friends – We’ll Be” en clave latina con una línea de bajo fantástica y que es la más cercana en cuanto a estilo con la música de U.F.O.), SUN RA (del que se recompone “Picaresque Eye”, que condensa toda la oscuridad orquestal del maestro, y un trabajo vocal excepcional, muy acorde con esa atmósfera recreada) y un fantástico “Nica’s Dream” de HORACE SILVER (uno de los momentos más jazzistas del trabajo, con protagonismo de los teclados y los ritmos más clásicos). El resto son auténticas rendiciones cineastas, cargadas de buenos arreglos orquestales, voces afrancesadas, y misterio y humor negro en todos los surcos (“Spy's Spice (Mon Espionne)” y “Waltz (Le Serpent Rouge)” a la cabeza, con su trasfondo de espionaje y atmósfera parisina por todas partes).

“3rd Perspective” quizás esté más centrado en un sonido que “No Sound Is Too Taboo”, es un disco más de conjunto y por supuesto conceptual, pero al mismo tiempo demuestra que U.F.O. ha encontrado la horma de su zapato con este hilo conductor. Si cogemos el aura a lo James Bond de “The Planet Plan” o el sonido swingeante y en blanco y negro de “Fool’s Paradise”, se podrá comprobar: la excitación viene de la mano de los detalles, de la producción usada para recrear, no tanto de la unidad instrumental ni del sonido más o menos moderno. “Cosmic Gypsy”, por ejemplo, junto a la ya citada “Friends – We’ll Be”, se ciernen como los momentos latinos del disco, y aún así la atmósfera de blanco y negro, cinéfila y vintage sigue presente. “3rd Perspective” es una película y tan importante es valorarla en global, como no perderse ninguno de sus capítulos, cosa que en entregas previas de U.F.O. no era algo necesario.

Sin duda, pocas veces cine y música se han comunicado tan bien, sin estar ante una banda sonora en sentido estricto, ni ser un trabajo homenaje a temas del séptimo arte. UNITED FUTURE ORGANIZATION alcanza la madurez compositiva con “3rd Perspective” y también termina de lograr el reconocimiento foráneo, poniéndose a la altura de formaciones como INCOGNITO fuera de las fronteras europeas (y más concretamente británicas). Lamentablemente, con posterioridad, el grupo pecó de irregularidad, tanto en la frecuencia de sus entregas como en resultados. Afortunadamente este trabajo (y sus dos precedentes) quedan para el recuerdo.