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viernes, 9 de enero de 2015

AMY WINEHOUSE – “Frank”: La Billie Holiday del nuevo milenio.


De vez en cuando surge en la industria musical algún artista que acaba con la etiqueta de mito prematuramente muerto. El mundo de la música y de la fama es muy propicio para que almas rotas y espíritus vulnerables, acaben cayendo en un círculo de autodestrucción. Y AMY WINEHOUSE es el ejemplo de la primera década del siglo XXI. Surgida de la nada y con un estilo totalmente retro que estaba en pleno resurgimiento, mezcla de Jazz, R&B y un toque de Hip-Hop / Trip-Hop más actual, AMY WINEHOUSE podía presumir de ser, acertadamente comparada, con Billie Holiday y Sarah Vaugahn por un lado y con Lauryn Hill por otro. Tradición y contexto urbano unidos en un mismo producto. Y eso es “Frank”, debut de la artista inglesa, para muchos superado por su posterior y último disco “Back To Black” (que es cierto, tiene hits más memorables, pero en conjunto es un trabajo más irregular), pero para mi el disco más fresco y “novedoso” para la época, el que influyó en otras artistas y trajo el sonido crepitante de la música negra americana de nuevo a la palestra.

“Frank” vio la luz, cuando AMY apenas contaba veinte años. Y se convirtió en disco de platino en un momento. ¿Éxito prematuro? AMY ya era un poco especial, pero estoy seguro que tanto bullicio le pilló por sorpresa y le hizo refugiarse en sus propios demonios. En cualquier caso, musicalmente hablando “Frank” es un reflejo de lo que AMY WINEHOUSE había mamado desde la cuna: Jazz y la música negra de las calles. Devoró con fervor los vinilos de cantantes de Jazz que andaban por su casa, y también se empapó de las tendencias R&B y el Hip-Hop de su adolescencia, con lo que de las cuerdas vocales de AMY sólo podía salir algo como “Frank”: un compendio muy equilibrado de ambos mundos, de ambos extremos de una misma cuerda, con un trasfondo instrumental elegante y bien arreglado, una producción muy noventera y su voz, nasal y peculiar, carismática, única… y al mismo tiempo bien encasillada, heredera de su entorno y de su bagaje musical, con Billie Holiday a la cabeza (aunque la interpretación de “October Song” es puramente de Sarah Vaughan, incluyendo un homenaje-plagio al “Lullaby Of Birdland” de Sassy).

El inicio de “Frank”, con “Stronger Than Me”, puede ser comparable a cualquier disco de Neo-Soul: con loops repetitivos, instrumentación Jazzy y una producción vinilera. Pero uno se da cuenta de que AMY va más allá al escuchar “You Sent Me Flying”, tema de gran duración, en donde el Neo-Soul se tiñe de la influencia de la Bossa Nova y del Jazz más clásico, sin perder el toque propio de los noventa. Ese toque es la columna vertebral en cortes como “Fuck Me Pumps” o sobre todo “In My Bed”, el tema más R&B contemporáneo de todos. Pero luego tienes cosas como “Moody's Mood For Love” en donde se cuela la influencia de ELLA FITZGERALD con amagos de scat en la interpretación de AMY, “I Heard Love Is Blind”, que es Jazz de club puro y duro o la ya citada “October Song”, y uno se teletransporta a otra época. Esa es la genialidad de AMY WINEHOUSE, y yo creo que la clave de su éxito: lograr “refrescar” el pasado y hacerlo accesible y atractivo a generaciones como la suya (la mía) que no hemos vivido estas raíces musicales, pero por suerte hemos crecido con ellas por entorno familiar.

El futuro de AMY WINEHOUSE estaba más o menos escrito. Sus adicciones crecientes, su tormentosa vida privada, y la maldad de la industria musical que quiso exprimirla al máximo hicieron el resto. Hubo un momento en que la gente estaba más pendiente de si se derrumbaba borracha sobre un escenario, que si cantaba bien o sacaba nuevo disco. Muy triste, pero no es la primera vez que pasa. Y ahí alguien con la personalidad adictiva y voluble de AMY se hunde, hasta el punto de morir por exceso de sí misma antes de cumplir los 30 años. ¿A alguien le suena esta descripción del cenit de una carrera? Pues añade el nombre de AMY al de Charlie Parker, la propia Billie Holiday, Jimi Hendrix, Janis Joplin… o Kurt Cobain. Ser un genio atormentado es lo que tiene: el peor enemigo es él mismo. Mientras tanto “Frank” y su posterior secuela, “Back To Black” seguirá sonando en la radio, como legado de una artista que dijo poco para el potencial que tenía… Pero lo poco que dijo, fue intachable.

“Fuck Me Pumps”: http://youtu.be/iVaqQe3V498

“In My Bed”: http://youtu.be/xdi_yuSgQw8

“I Heard Love Is Blind”: http://youtu.be/HqRF2GYrusg

“October Song”: http://youtu.be/OwnJuMaY7GM

viernes, 2 de enero de 2015

LOS MEJORES DEL JAZZ DE 2014

Igual que al hacer el Top en Rock y Metal, me cuesta mucho hacerlo con el Jazz. De buenas a primeras hay ciertos sellos como ECM, Tzadik o Clean Feed de los que incluiría todos sus lanzamientos, porque no fallan. Pero luego tenemos otros lanzamientos esperados o no que no han parado de sonar en mi reproductor y están entre lo mejor de sus autores. Algún purista dirá que este Top no hay por dónde cogerlo, pero prefiero moverme por impulsos así que…




1.- BRAD MEHLDAU - MARK GUILLIANA – “Mehliana”

Sin duda la sorpresa del año, el mejor disco que he escuchado en 2014 y no me refiero ya al mundo del Jazz (más si tenemos en cuenta que para muchos “esto” no será Jazz). BRAD MEHLDAU siempre fue uno de mis favoritos hasta que se produjo un desencuentro y o me aburría o me parecía un prepotente. Cuando muchos pusieron la señal de alarma con este proyecto junto al batería y músico de electrónica Mark Guilliana, pensé que sería el momento ideal para terminar de cerrar mi relación con MEHLDAU. Resultó ser lo contrario: “Mehliana” es lo mejor del pianista en mucho tiempo, precisamente porque no es él en el sentido clásico al que nos tenía acostumbrados. Aquí hay riesgo, aventura y frescura, lo que le estaba faltando desde hace años. Será difícil de superar.






2.- HENRY BUTLER & STEVEN BERNSTEIN & THE HOT 9 – “Viper's Drag”

Con “Viper’s Drag” vuelve a echar a andar Impulse, el mítico sello de los sesenta donde Coltrane investigó durante tanto tiempo. Y lo hace con un HENRY BUTLER que junto al excéntrico STEVEN BERNSTEIN quieren rendir homenaje a las raíces más rítmicas del Jazz, visto dese el prisma de la libertad improvisatoria y tonal posterior. El resultado es un disco cargado de alma, de respeto hacia el pasado y de reivindicación de una mano izquierda pianística que algunos se olvidan que tienen con tanto seguidor de Bill Evans y Keith Jarrett por ahí. Una gozada para disfrutar y sentirse en Nueva Orleans.






3.- JOHN ZORN & MOONCHILD – “The Last Judgment”

Con “The Last Judgment” JOHN ZORN cierra su proyecto MOONCHILD, ese que estaba llamado a suceder a Naked City y Painkiller, dejando que la cara más extrema de Zorn fluyera a gusto. Manteniendo a los Templarios como tema y de nuevo con John Medeski como cuarto miembro del trío Dunn-Patton-Baron, “The Last Judgment” es probablemente el lanzamiento más accesible de MOONCHILD, lejos de la densidad de su primer y homónimo capítulo o de los excesos vocales de “Six Litanies for Heliogabalus”. Más ambiental y estructurado, con un Patton más comedido, MOONCHILD se cierra de manera sobresaliente, aunque estoy seguro que la esquizofrenia de Zorn saldrá por algún lado con otro proyecto similar.






4.- PHAROAH SANDERS & CHICAGO / SAO PAULO UNDERGROUND – “Spiral Mercury”

Uno de los grandes de la historia del Jazz que ha ido vagando por el anonimato desde que su maestro COLTRANE desapareciera, siempre ha estado ahí. Ya sea viajando a las raíces africanas de la música, ya sea soltando su furia en trabajos de otros artistas, el faraón sigue vivo y “Spiral Mercury” es un ejemplo. Aquí SANDERS improvisa, se suelta y vuela como antaño con el colchón del proyecto UNDERGROUND del trompetista y cornetista Rob Mazurek, es decir un trasfondo de libertad rítmica y armónica, apoyado fundamentalmente en las texturas de la electrónica y la música ambiental por un lado y la percusión por el otro. Grabado en vivo, SANDERS encuentra la horma de su zapato en este contexto y si uno cierra los ojos casi cree verle de nuevo con la energía de los sesenta, pero la madurez actual. Un grande.






5.- JASON MORAN – “All Rise”

Si HENRY BUTLER rendía homenaje a la mano izquierda en “Viper’s Drag”, JASON MORAN lo hace igualmente con “All Rise”, centrado además en FATS WALLER. Pero MORAN no podía quedarse en una mera recreación, tenía que ofrecer un mestizaje, algo más, y para eso se ha juntado con MeShell NdegeOcello y ha trasladado a Waller, a los inicios del Jazz, al mundo de la música negra en general: al Funk, al Soul, al Blues… Tal y como ROBERT GLASPER hace en su Experiment, pero con un arraigo por la tradición del Jazz mucho mayor. Para muchos lo mejor de Moran y desde luego lo mejor de NdegeOcello en mucho tiempo.





LOS MEJORES DEL ROCK-METAL DE 2014

Muchos y variados lanzamientos ha habido a lo largo de este 2014 dentro de los sonidos metálicos y rockeros. Como cada año, hacer un Top es muy difícil y siempre se quedarán discos fuera. Para seleccionar estos cinco discos me he limitado a dejarme llevar por los que más he escuchado a lo largo del año o últimamente. Puede que no sea representativa, de hecho casi se podría decir que es una lista bastante centrada en el Metal Extremo, pero es prefiero moverme por el impulso inicial, antes que por el rigor musical. Ahí va:




1.- AT THE GATES – “At War With Reality”

El regreso más esperado por mi parte este año, como lo fue CARCASS el año pasado. Después de reunirse para girar en directo, los suecos creadores del sonido Death Metal de Gotemburgo tenían que ponerse a grabar material en estudio. Y han tardado en ponerse a ello. Sin embargo el resultado es apabullante. Había miedo de que sonase a unos THE HAUNTED con Tompa a la voz, pero no ha sido así: esto es puro continuismo del “Slaughter Of The Soul”, pero casi veinte años después. Sin duda el lanzamiento del año.






2.- CANNIBAL CORPSE – “A Skeletal Domain”

Hace tiempo que a CANNIBAL CORPSE sólo se le pide una cosa: ser ellos mismos. Los super ventas del Death Metal americano son un valor seguro, y aunque a veces han resultado ser un poco inmovilistas, sus últimos trabajos transitan los caminos del pasado pero con la frescura del presente. “A Skeletal Domain” sigue esta línea, solo que incluso mira más atrás, a los tiempos en que CANNIBAL CORPSE tenía mucha raíz Thrash y Groove, pero sin dejar a un lado la pesadez de los riffs posteriores. Además “Corpsegrinder” cada vez saca más partido a su voz.






3.- ACCEPT – “Blind Rage”

Desde “Blood Of The Nations” que supuso el regreso discográfico de ACCEPT después de una gira de reunión con UDO, pero con Mark Tornillo como nuevo cantante, los alemanes han vuelto a coger el turbo y sacan buenos discos de auténtico Heavy Metal. Tornillo tiene una voz muy similar a UDO, con lo que la maquinaria se mantiene intacta e incluso con mayor energía que antaño. “Blind Rage” no sorprenderá a nadie pero es de esos discos que desde su primer tema te hará mover la cabeza y no se despegará de tu mente hasta mucho tiempo después. Son ya unos veteranos pero también son y serán inmortales.






4.- MORTALS – “Cursed To See The Future”

MORTALS sería para mí el descubrimiento del año. Este trío de chicas practica una música heredera de HELLHAMMER, DARKTHRONE, CELTIC FROST, MOTÖRHEAD… es decir pura crudeza musical, con cierto toque Sludge también que los emparenta con HIGH ON FIRE. El resultado es lo más visceral y auténtico que he escuchado en este año. Un disco para no parar de cabecear y soltar adrenalina.





5.- TESLA – “Simplicity”

Otros que han hecho un pacto con el diablo y siguen como a finales de los ochenta. TESLA no decepcionan nunca y “Simplicity” no iba a ser menos. Un trabajo muy equilibrado entre energía rockera, calidad instrumental, melodía y variación de tempos, donde hay espacio para momentos íntimos, pero también para soltarse la melena. Y Jeff Keith se niega a envejecer… genial.




viernes, 19 de diciembre de 2014

MARK ISHAM – “Miles Remembered: The Silent Way Project”: reivindicando al Miles eléctrico.


Cuando este que escribe era un adolescente que ya escuchaba Punk, Rock, Heavy y derivados, pero que había crecido rodeado de Jazz por todas partes, tuvo lugar una revelación. Siempre tuve predilección por MILES DAVIS, pero hasta finales de los noventa casi todo el mundo obviaba los años transcurridos entre 1969 y 1975, la llamada etapa eléctrica de MILES. Esto generó que nunca hubiese escuchado ni “A Silent Way” ni “Bitches Brew”, los dos discos llamados a ser pioneros del Jazz-Rock en la historia de MILES DAVIS. Sin embargo, y como tantas otras veces, un buen amigo me instó a ir al Galapajazz que aquel año 2000 celebraba su primera edición, y en concreto a un concierto de un tal MARK ISHAM, compositor de bandas sonoras, productor y también músico, que acababa de sacar un disco homenaje a los 30 años de dichas dos obras de MILES DAVIS y de todo lo que vendría después, “Miles Remembered: The Silent Way Project”. Yo no sabía lo que me iba a encontrar y de repente me vi envuelto en un teatro donde supuestamente iba a haber un concierto de Jazz, pero en el escenario había dos guitarras eléctricas, un bajo eléctrico, un montón de pedaleras y un teclado, además de una batería con doble bombo. ¿Me había metido sin querer en un concierto de Rock?

Lo que sucedió esa noche fue el momento en que se abrió para mi las puertas del infierno: nunca pude suponer que MILES DAVIS había tenido tanta creatividad en esos años y menos aún que la música con la que había crecido, el Jazz, pudiese unirse a la que acababa de descubrir, el Rock. Obviamente, mi siguiente paga de fin de semana se invirtió en “Miles Remembered: The Silent Way Project”, el disco que me había servido para descubrir a MARK ISHAM y todo este mundo. El músico aporta dos cortes originales, “Internet”, muy movida y pegadiza y “Azael”, pero ambas podían haber sido creadas por MILES, no desentonan. El resto son temas extraidos de los trabajos de DAVIS en los setenta, además de algún cameo de otros standards del trompetista, como es la apertura con “In A Silent Way” enlazada con “Milestones” o la genial recreación de “All Blues”, muy groovie gracias al bajo de Doug Lunn. ISHAM actúa como protagonista y se limita a arreglar tempos y estructuras, siendo bastante fiel a los originales de MILES DAVIS. Incluso la forma de grabar el disco sigue la idea de dicha etapa: el disco se conformó con temas grabados en directo en The Baked Potato a finales de 1996, que luego fueron cortados-pegados en estudio, igual que hacía Teo Macero con MILES DAVIS en los setenta.

Instrumentalmente, ISHAM tampoco arriesga. Como buen compositor de bandas sonoras sabe recrear y ser honesto, y para esta ocasión ha decidido adoptar la instrumentación que MILES más repitió a finales de su etapa eléctrica, es decir con predominio de guitarristas y usando los teclados y las pedaleras para crear atmósferas y efectos. También en el uso y abuso de la sordina ISHAM es fiel a MILES al igual que en el wah-wah para distorsionar las composiciones. El invento no tendría misterio si no fuera porque cortes clásicos como “It's About That Time”, con esa larga introducción Funky que acaba estallando en decibelios o “Spanish Key”, da pie a recrearse y a generar excitación en el oyente a base de intensidad creciente, y aquí ISHAM ha sabido rodearse de músicos excepcionales que en directo, como bien pude comprobar, lo dan todo y traen consigo la excitación del Rock masivo. La dupla de guitarras de Steve Cardenas, más comedido y sobre todo el ultra distorsionado Peter Maunu, así como la contundencia desmedida de Michael Barsimanto (en directo una auténtica orgía percusiva), transmiten energía no sólo con la electricidad de sus amplificadores… “Great Expectations”, otro corte típico de intensidad creciente es un buen ejemplo, pero sobre todo las piezas más cortas y movidas, “Right Off (Theme From Jack Johnson)”, “Ife” (cargada de efectos de eco y repeticiones) y “Black Satin”, perfecto colofón. Por otro lado ISHAM no olvida la atmósfera y el enigmático lado oscuro que MILES desarrolló en muchos cortes de “relleno” de sus discos de la época y ahí está la ya citada “Azael”, que casi podía ser uno de los cortes firmados junto a Hermeto Pascoal por MILES en “Live – Evil”.

Cabe preguntarse si “Miles Remembered: The Silent Way Project” era algo necesario. En su momento fue criticado y alabado a partes iguales, porque cierto es, aportar no aporta mucho. Posteriormente el grandísimo WADADA LEO SMITH haría lo mismo, recreando el espíritu y la instrumentación de la citada etapa de MILES, pero con composiciones propias. Ahí sí se puede encontrar creatividad. En MARK ISHAM no, pero por otro lado, este disco era necesario: era un homenaje merecido a una etapa que enemistó a MILES DAVIS con los acérrimos Jazzistas y le hizo pasar de teatros a festivales de Rock. En ese sentido MARK ISHAM lo borda, recrea todo lo que fue aquella época fielmente y lo traslada al disco y al directo para que los que no vivimos la fusión original de ambos estilos, se nos cayeran los calzones del gusto y la impresión. Sólo por eso, mis loas las ha tenido desde hace 15 años…

“In A Silent Way – Milestones”: http://youtu.be/j47Y_LEmTzY

“Right Off”: http://youtu.be/Mc2PoZlsWao

“Spanish Key”: http://youtu.be/eXPrNmb_yms

miércoles, 17 de diciembre de 2014

AT THE GATES – “Slaughter Of The Soul”: la gema de Gotemburgo.


Hablar de AT THE GATES es hacerlo de una institución. Cuando Suecia estaba a la cabeza en el mundo del Death Metal europeo, se diferenciaron dos escuelas: la de Estocolmo, caracterizada por un sonido más crudo, grave y putrefacto, y la de Gotemburgo, más melódica, con mucha influencia del Thrash y la New Wave Of British Heavy Metal. Y en esta segunda escuela tres nombres brillan, dos de los cuales evolucionaron, DARK TRANQUILLITY e IN FLAMES (especialmente estos últimos, hacia un sonido más americano y moderno) y el tercero en discordia, que se pueden considerar los auténticos padres del género, se disolvieron justo en el momento en el que dieron con la fórmula mágica. Ellos fueron AT THE GATES, y la gema, el disco que marcó el punto culminante de toda la escuela de Gotemburgo fue “Slaughter Of The Soul”, tras el cual los gemelos Björler y Erlandsson por un lado y Tompa Lindberg por otro, partieron peras.

Originalmente AT THE GATES surgió de la confluencia de GROTESQUE e INFESTATION. Los primeros se orientaban hacia el Death y el Black a partes iguales, con Tompa Lindberg mostrando su lado oscuro y el genial guitarrista Alf Svensson que entró en el grupo cuando ya estaba a punto de disolverse. Los segundos se centraban en el Death de ascendencia americana, y repetía Tompa con los gemelos Björler. Cuando ambos proyectos cerraron, se abrieron las puertas del purgatorio con AT THE GATES. En principio continuistas con la propuesta de GROTESQUE (no en vano se puede encontrar toda la discografía de GROTESQUE reeditada con la primera demo de AT THE GATES, “Gardens Of Grief”, porque no hay salto estilístico grande), pero pronto Svensson introdujo un toque progresivo, complejo y al mismo tiempo melódico en las composiciones, mientras que los Björler aportaron su amor por SLAYER en el trabajo de riffs. Aparecen así los dos primeros trabajos de AT THE GATES, los más técnicos y menos accesibles, “The Red in the Sky Is Ours” y el genial “With Fear I Kiss the Burning Darkness”, donde la producción empezaba a hacer una transición.

Así, en 1993 AT THE GATES pierden a Svensson y con ello se termina de conformar el sonido de AT THE GATES, perdiendo también el toque más denso y progresivo, añadiendo más melodía y basando las estructuras en el riff entrecortado a lo SLAYER. “Terminal Spirit Disease”, mitad en estudio y mitad en directo, fue el pistoletazo y dos años después, “Slaughter Of The Soul” la culminación. Los temas se acortaban, las estructuras se simplificaban y Tompa asumía un papel casi Hardcore en actitud e inflexiones vocales, pero al mismo tiempo las melodías ganaban en protagonismo y aunque indudablemente la música se hizo más accesible y amplia de miras, en ese momento fue una “novedad” que abrió la veda para cientos de grupos que imitaron ese sonido una y otra vez. Tras una intro futurística, “Blinded By Fear” comienza sin contemplaciones, con Erlandsson como técnico rítmico, los Björler como máquinas de riffs y Martin Larsson como el encargado de redondear las melodías. “Slaughter Of The Soul” continúa con misma velocidad y principios, pero probablemente estemos ante el tema más característico del Death Melódico de Gotemburgo, ese sin el cual CARNAL FORGE por ejemplo no existiría, incluyendo una parte solista para enmarcar.

“Cold” es más variado y experimental, trayendo a colación algo del espíritu progresivo de épocas pretéritas, nuevamente con un trabajo solista excepcional, pero “Under A Serpent Sun” vuelve a los territorios iniciales, con un riff deconstruido que se queda grabado a la primera y mucho Groove pese a no ser un medio tiempo precisamente. “Into The Dead Sky” semiacústica e instrumental sirve de “interludio” para otro momento culminante, precedido de un percutor de revolver que se dispara para dar comienzo a “Suicide Nation”, una pasada en cuanto a Groove y probablemente precedente de lo que los Björler harían después en THE HAUNTED. “World Of Lies”, mantiene el cabeceo con un tiempo algo más contenido y más predominio del riff en detrimento de la melodía, “Unto Others”, sigue esta línea de cambios de ritmo aunque aquí siendo protagonista aún más Tompa con alguno de sus mejores gritos característicos (la voz ideal para el Death Metal Melódico que luego ha paseado por decenas de grupos al ser un culo de mal asiento), “Nausea” es todo lo contrario, una patada en la boca del estómago a velocidad vertiginosa, puramente Thrash y con unos riffs bajados de tono en comparación al resto que a veces hasta traen a la mente el otro lado del Atlántico. Y para terminar, “Need”, otro tema icónico del Death Melódico de Gotemburgo, con esos riffs entrecortados y melodías pegajosas y sobre todo “The Flames Of The End” otro corte instrumental para acabar de una forma extraña, con uso de atmósferas y teclados.

Cabe preguntarse si AT THE GATES habrían evolucionado más, se habrían estancado o habrían mutado en otra cosa como IN FLAMES y compañía. THE HAUNTE D partía de iguales premisas, pero desde una vestimenta más Thrash y al final ha acabado por venderse al dólar, sin embargo después de reunirse en 2007 para actuar en directo y a partir de 2010 con el objetivo de volver a ser una banda con todas las letras, AT THE GATES ha facturado este año un “At War With Reality” que aunque muchos pensaban que iba a sonar a THE HAUNTED pero con Tompa a la voz, nada más lejos, pues parace que AT THE GATES han querido seguir donde lo dejaron, en la cumbre de su sonido. En cualquier caso, “Slaughter Of The Soul” es insuperable, cortísimo pero sin relleno alguno y si alguna vez alguien me pregunta qué es el Death Melódico, le diría: “Slaughter Of The Soul”.

Video de “Blinded By Fear”: https://www.youtube.com/watch?v=nCtjAmtIGf0

“Slaughter Of The Sun”, Wacken 2008: https://www.youtube.com/watch?v=Xxk2iWxdmhw

“Suicide Nation”, Wacken 2008: https://www.youtube.com/watch?v=ZSnpcgjBVp4



lunes, 15 de diciembre de 2014

BOBBY HUTCHERSON – “Dialogue”: un ejercicio conjunto.


Si cuando uno piensa en el vibráfono se le viene a la cabeza LIONEL HAMPTON como precursor y MILT JACKSON como icono, si acudimos a las tendencias más avanzadas del Jazz, el nombre que aparece es BOBBY HUTCHERSON. Después de acompañar a numerosos combos a principios de los sesenta, el músico se lanzó a su debut como líder para Blue Note, en una época en que el Jazz ya había mutado hacia el avant-garde y el Free pero aún había espacio para el clasicismo. HUTCHERSON era parte de esta coyuntura y se acompañó de un puñado de músicos que estaban en el filo del cuchillo en ese momento, aventurosos y aventurados, en pleno ejercicio conjunto pese a que BOBBY HUTCHERSON fuera el líder que diera cohesión a esta sesión perfectamente grabada por Rudy Van Gelder en abril de 1965. Freddie Hunbbard, el avanzado Sam Rivers, el armónicamente enigmático Andrew Hill, y una sección rítmica inventiva y técnica de la mano de Richard Davis y Joe Chambers, conformaban el plantel para el trabajo más complejo y denso de cuantos grabó HUTCHERSON que fueron muchos.

El único punto negativo para esta sesión era el no mostrar en ningún momento la cara compositiva de HUTCHERSON, para lo cual ya saldría un año después “Happenings”, disco completamente compuesto por el vibrafonista. En “Dialogue”, cuyo título dice mucho de lo que pretende ser, un diálogo entre músicos, las composiciones se deben a las plumas de Andrew Hill y Joe Chambers. El primero se caracteriza por temas de estructura tradicional pero tonalidad avanzada, mientras que el segundo presenta estructuras más complejas y perfectas para improvisaciones colectivas o individualidades libertarias. Para abrir boca, Hill presenta un corte de ascendencia Latin Jazz, pero desarrollo Free. “Catta” es vehículo de lucimiento para Hubbard, en un lenguaje Post-Bop perfecto para la ocasión, Rivers, fogoso y excesivo, aunque por eso mismo brillante, y el propio Hutcherson, que se contagia de los juegos armónicos de Hill investigando en los extremos de su instrumento. “Idle While” asume el papel intimista de una balada no al uso, firmada por Joe Chambers y que sirve para escuchar a Rivers con la flauta y Hubbard ensordinado, además de un buen solo de HUTCHERSON y otro no menos gratificante de Richard Davis, mientras Chambers se retuerce sin perder el Swing.

“Les Noirs Marchant” sale de la cabeza de un Hill muy marcial, recordando casi a los Jazz Messengers de Art Blakey, a golpe de fanfarria y estridencia, y mucho recoveco armónico, contrastando con el halo de misterio dejado por “Idle While”, y de nuevo con Sam Rivers en la flauta y el propio Hill adoptando un papel tumultuoso y disonante. La composición es sumamente arriesgada y totalmente colectiva, perdiendo a HUTCHERSON en su marimba mientras el resto de compañeros se marchan a otras dimensiones. Pero si hay una composición que es ejemplo de este sentimiento de conjunto, es la que da título al álbum, “Dialogue”. Durante diez minutos el corte firmado por Joe Chambers es un debate a seis entre los músicos, sin estructura aparente más que continuas ráfagas intercambiadas entre los músicos, incluyendo a un Sam Rivers que recuerda a Dolphy con el clarinete bajo. Si “Les Noirs Marchant” se aventuraba hacia el riesgo, “Dialogue” directamente se lanza al abismo sin paracaídas, siendo al mismo tiempo el tema más excitante del trabajo, el más colectivo y el más avanzado.

Para terminar la magnífica sesión, Hill firma dos composiciones algo más tradicionalistas. El Blues de “Ghetto Lights” y el Hard Bopero “Jasper”, donde el sonido de conjunto cede en favor del individualismo de intercambio de compases en un sentido tradicional, con una estructura previsible pero no por ello menos excitante. Para ser un debut, y pese a no contar con ningún tema propio, BOBBY HUTCHERSON supo rodearse de lo más fresco del momento para facturar su disco más arriesgado. Era el momento y el lugar adecuado, con la compañía necesaria para tal aventura. Ni qué decir tiene que hoy por hoy HUTCHERSON sigue siendo un referente en su instrumento y sino escuchad su último trabajo de este año 2014, “Enjoy The View”. Mientras tanto “Dialogue” queda como un conjunto de individualidades a cada cual más brillante.


“Idle While”: http://youtu.be/HApGq9sttbs

viernes, 12 de diciembre de 2014

ENTREVISTA A S.U.P. – “Hegemony”: un artista en constante evolución.


S.U.P. y SUPURATION, dos bandas para una misma formación, dos grupos inclasificables, dos “rara avis” de difícil definición que llevan casi veinte años editando música innovadora, futurista y, como en toda buena aventura a largo plazo, en cada capítulo con resultados igual de excitantes y cautivadores. “Hegemony” es el nuevo disco de Ludovic y los suyos y no me quise perder la oportunidad, después de algún que otro intento fallido, de ponerme en contacto con el propio Ludo para que nos hablara de estas dos décadas de amor por la ciencia ficción, la originalidad y la investigación sonora. No son muy dados a contestar entrevistas, así que disfruta de estas palabras por parte de una de las mentes más inquietas de la escena actual. ¿Hegemonía, superioridad, dominación? Simplemente la humildad de un artista en constante evolución.

Con “Hegemony”, S.U.P. y SUPURATION casi alcanzan 20 años de historia. ¿Estás contento con todos estos años? ¿Qué recuerdos guardas de tus inicios? ¿Cambiarías algo del pasado?
Estamos muy contentos en este momento. No podemos recordar todas las cosas que hemos hecho en el pasado, aunque no guardamos malos recuerdos excepto por cuatro o cinco conciertos. Creo que no cambiaría nada, estamos muy orgullosos de todo lo que hemos logrado.

En mi opinión, cada disco de S.U.P. es diferente. Puedes estar orgulloso de tener una banda impredecible, siendo muy difícil encontrar hoy en día otro grupo como vosotros. ¿Cuál es el secreto para mantenerse tan dinámico y fresco a lo largo de los años?
Intentamos grabar discos de distintas maneras en cada ocasión, no creamos copias de nosotros mismos. Cuando trabajamos en un nuevo CD, nos tomamos todo el tiempo necesario para estar seguro de que será lo más diferente posible a lo que previamente hemos hecho. No hay ningún secreto, intentamos mantener nuestro estilo desde el principio. Una cosa de la que siempre nos aseguramos es encontrar buenas historias (letras) para inspirar la música.

“Imago” fue un disco muy hipnótico: las guitarras eran predominantemente limpias y las voces recreaban atmósferas envolventes. Ahora “Hegemony” es más fuerte, las guitarras son más duras y tu voz vuelve a ser agresiva. ¿Qué queríais conseguir en este nuevo disco, qué sonido buscabais?
Queríamos grabar un disco más “básico”, más directo, incluso aunque nos tomamos mucho tiempo para grabar las voces, la música es muy simple, nada de técnica, nos concentramos en las melodías, que es lo más importante en nuestra música. Por ejemplo, en “Hegemony” no hay teclados (a excepción de un par de pasajes) en comparación con “Imago”. Nos gusta escribir música simple, pero con melodías originales.

Casi todos los discos de S.U.P. tienen una historia detrás. En “Imago” era la metamorfosis de la crisálida, reflejada a través de los efectos de una droga futurística llamada “chrysalid”. ¿Cuál es la historia de “Hegemony”? ¿Qué concepto hay detrás? ¿Os gusta mucho la ciencia ficción no?
Por supuesto nos encanta la fantasía y la ciencia ficción, especialmente en lo que refleja nuestra música y estás totalmente en lo cierto en todo lo que significa la historia que hay detrás de “Imago”. Por su parte, “Hegemony” trata acerca de unos “post” humanos llamados “neovocyts” creados por otros seres humanos. Estos “neovocyts” son seres medio vegetales, medio humanos y se alimentan de la luz y matan a sus propios padres y madres cada año en un laberinto gigante. Es una historia bastante “gore” a veces, además de que no tiene un final feliz (como en realidad todas nuestras historias).

Musicalmente “Hegemony” es muy completo. Desde la primera canción la música es como una batalla: marcial en el inicio con “March Of The Neovocyts”, uno de mis temas favoritos; hipnótica en “Death Dance”, una canción muy intensa por la tonalidad de las guitarras; y se vuelve decadente al final, en “Dissolution”, una canción muy enigmática donde las guitarras se endurecen y tu voz se vuelve más oscura. ¿Qué opinas de estos temas? ¿Tiene el disco algún nexo de unión particular entre los temas o simplemente reflejan un orden aleatorio?
Estás en lo cierto, el aura marcial de algunos temas viene unido al hecho de que los “neovocyts” son un gran ejército, por lo que queríamos escribir este tipo de canciones de guerra. De hecho, cada canción está unida con la siguiente, con lo que es mejor escuchar el disco como un todo, aunque también puedas dar saltos entre canciones si lo prefieres. Nos gustan mucho los temas de los que hablas, no nos gustan para S.U.P. las partes muy veloces y explosivas, pensamos que no es necesario, aunque quizás sí las usemos para el siguiente disco de SUPURATION, no lo sabemos de momento.



¿Qué canciones escogerías de “Hegemony” como las más representativas del disco?
Serían: March Of The Neovocyts, The Far Horizons, Salinity” y Dissolution.

¿Si tuvieras que definir este disco en comparación con vuestros trabajos anteriores, cómo lo harías?
Partiendo de las reseñas del disco que he leído dentro de lo que se refiere al Metal underground, “Hegemony” parece ser el mejor disco que hemos compuesto. Disfruto con todos nuestros álbumes, pero eso es normal, no puedo ser objetivo en este aspecto.

S.U.P. y SUPURATION son dos bandas diferentes, pero casi todo el mundo mezcla los dos nombres. En vuestra opinión, ¿Realmente hay diferencias entre ellas o en esencia ambos nombres reflejan lo mismo?
SUPURATION está basado en las grabaciones de tres discos en los cuales contamos una historia: “The Cube” del 93, “Incubation” del 2003 y el próximo año seguramente grabaremos el siguiente capítulo. Después del nuevo disco de SUPURATION el grupo llegará a su fin. S.U.P. trata con distintas historias en cada ocasión, en S.U.P. somos más libres de hacer lo que queremos: samplers, teclados, programaciones, etc… Con SUPURATION practicamos un estilo diferente, un poco más Death Metal.

Seguramente habrás contestado esta pregunta muchas veces pero, ¿cuál es el significado de “Spherical Unit Provided”? ¿Una forma metafórica de definir vuestro sonido “esférico”?
Sí, podemos ver el nombre de una manera metafórica. Todo el mundo puede definirlo a su manera.

Cuando trato de definir la música de S.U.P. fracaso absolutamente, es imposible para mí describirla de una manera precisa: ¿Dark? ¿Death? ¿Doom? ¿Me podrías ayudar? Holy Records os define como Dark Cold Metal ¿Estás de acuerdo? ¿Qué significa en realidad?
Es simplemente música, no nos gusta ser comparados con otros, puedes llamarlo realmente como quieras: Dark, Cold… no nos importa mucho, de hecho también es para nosotros difícil definir nuestra música y ¡es lo que siempre hemos buscado desde nuestros inicios! Lo único seguro es que estamos ligados al estilo metálico, eso es todo. Algunos dicen que somos ¡atmosféricos!

Mucha gente considera “The Cube” el mejor disco de SUPURATION. Probablemente, es el disco más duro de vuestra carrera, y con una historia muy interesante detrás, que tuvo su continuación en la historia de “Incubation” pero, ¿cuál es tu opinión acerca del disco quince años después de su edición? ¿Lo consideras el disco más representativo del grupo? ¿Por qué grabasteis una segunda parte en “Incubation”?
En realidad “Incubation” es una “precuela” que trata de lo que ocurrió antes de “The Cube”. Este disco es un gran álbum pero éramos bastante jóvenes entonces con lo que pecamos de falta de experiencia, aunque estamos de cualquier forma orgullosos de él. El siguiente paso ahora será grabar el último álbum para finalizar la historia completa…

Me gustaría saber tu opinión acerca de estas bandas que me gustan y con las que creo que se pueden trazar paralelismos con vuestra música:
THE SISTERS OF MERCY: Mi banda favorita.
PARADISE LOST: ”Gothic” es una obra maestra.
TREPONEM PAL: Los conozco, hicimos algunos conciertos juntos, y me gustan algunas de sus canciones, pero no conozco toda su discografía…
SAMAEL: Los estuve viendo en directo hace unos dos años. Gran banda: ¡innovadora e inteligente!

He dicho THE SISTERS porque creo que te gusta mucho la música “new wave¿no? ¿Qué opinas acerca del estilo? ¿Qué es lo mejor que ha aportado la “new wave” en general a la música?
Melodías muy buenas y oscuras, muy inspiradas. Estoy muy metido en la música “new wave” desde hace mucho tiempo, hay muchas cosas buenas en el Metal, ero mi corazón siempre se dirige hacia la “new wave”. De todas formas puedo escuchar a THE SISTERS y después un buen disco de BOLT THROWER, por ejemplo.

Sois la banda más conocida de Holy Records. De hecho, me encanta este sello francés por sus ediciones en digipack llenas de detalles. ¿Cuál es tu opinión acerca del sello? ¿Cuál es tu banda preferida de esta discográfica?
Totalmente de acuerdo, Holy Records es una gran compañía, realmente muy artística. Me gusta lo que hizo SEPTIC FLESH en Holy Records, pero creo que luego se cambiaron a otro sello. Me gusta mucho el disco “Revolution DNA”, muy buen artwork y muy buenos músicos…



He leído que la versión especial de “Hegemony” viene con un DVD extra en directo ¿Es cierto? ¿Dónde lo grabasteis y quién tuvo la idea?
Lo grabamos durante la gira de “Imago”, en el Zenith Arena de Francia, cuando fuimos invitados a un concierto de WITHIN TEMPTATION. Hicimos el DVD nosotros mismos y el resultado fue bueno, con lo que Holy Records decidió incluirlo en la edición especial de “Hegemony”. Pensamos que sería una buena idea.

En unión a la pregunta anterior, no he podido asistir a ningún concierto de S.U.P., sólo he podido ver el DVD de Holy Records Party y fue fantástico. Usáis muchos efectos de luz, vídeos, efectos especiales… ¿Es la imagen muy importante en S.U.P.? ¿Cómo es un concierto vuestro? Descríbelo para alguien que no haya visto nunca a S.U.P.
Queremos presentar algo diferente cada vez. Hace tres años incluíamos algunos vídeos, bastante duros en ocasiones para la gente joven. Cada vídeo está relacionado con la canción que tocamos. La imagen es muy importante para nosotros, por supuesto, pero creo que es algo básico para todos los grupos salvo para las bandas de Hardcore más extremo, lo cual ¡también está muy bien! Todas las bandas deben de escoger lo que quieren hacer, eso es el estilo underground. Puedes ver algunos vídeos nuestros en youtube o dayly motion, si quieres descubrir un poco más acerca de nuestra manera de ver las cosas.

¿Tenéis planes de gira en el futuro?¿Vendréis a España?
No lo sabemos de momento. Fuimos a España hace unos años con THE GATHERING y ¡fue una buena experiencia! Por el momento estoy muy centrado en el nuevo disco de SUPURATION, aunque haremos algún que otro concierto para “Hegemony” durante el 2009. Ya veremos. Aunque una cosa es segura, preferimos trabajar en el estudio que girar…

Francia es uno de los países más interesantes dentro del Metal, especialmente dentro del Avantgarde. ¿Qué opinas? ¿Qué tal está la escena en Francia? ¿Tienes alguna banda favorita?
Hay muchas bandas muy buenas e innovadoras aquí desde hace unos pocos años, las cosas parece que han cambiado, hay muchas bandas profesionales. Me gustan mucho THE OLD DEAD TREE, pero ¡son tan numerosas las bandas que podría citar!

Muchas gracias Ludovic por tus respuestas. Ha sido todo un honor para mí preparar esta entrevista, de verdad. Si quieres añadir cualquier cosa para nuestros lectores, ¡este es el momento!
Muchas gracias a todos los lectores y fans del Metal del mundo: Sed abiertos de mente, no sigáis modas, sed vosotros mismos y disfrutar todos los estilos de música que nos envuelven.

Entrevista efectuada por: Raúl Ureña

“March of The Neovocyts”: https://www.youtube.com/watch?v=6_er7hkT310



(Entrevista publicada también en: http://www.xtreemmusic.com)