Entrevista a VIDRES A LA SANG (parte I): "Endins", la venganza se sirve rojo sangre...

ENTREVISTA A VIDRES A LA SANG TRAS LA SALIDA DE ENDINS (Octubre de 2007)

Desafiando a la muerte

Hablar de VIDRES A LA SANG es hacerlo de una de las bandas más prometedoras de España. Con dos discos a sus espaldas, “Vidres A La Sang” y “Endins”, su fascinante mezcla de Metal Extremo, épica y melodía Heavy, ha cautivado a muchos convirtiéndose en uno de los grupos más apreciados por el público extremo e incluso algún que otro oyente casual de estos géneros. Con un sonido cada vez más propio, y desligándose líricamente del poeta Martí i Pol del que cogieron prestados sus poemas en su primer disco, la banda catalana, a través de su cabeza pensante Eloi, contestó amablemente a nuestras preguntas. Por fin, tras un tiempo persiguiendo esta entrevista, tenemos el resultado en forma de un amplio repaso a la música, las letras y la filosofía de VIDRES A LA SANG. ¡Deja que el rojo y el negro musical del grupo de Terrassa invadan tu entorno!

Para los lectores de RockTotal que aún no hayan tenido oportunidad de escucharos, ¿qué es VIDRES A LA SANG para vosotros?

VIDRES A LA SANG es desde hace 5 años nuestra vida, nuestra manera de respirar y desconectar de la vida cotidiana, de nuestros trabajos, de nuestras frustraciones,  básicamente VIDRES A LA SANG es pasión por la música. Nos encanta la música y nos reunimos desde entonces para disfrutarla e intentar mejorar con el tiempo y con esfuerzo. Nunca hemos tenido metas más allá de disfrutar con lo que hacemos así que no hay objetivos materiales que perturben nuestro camino, de modo que la existencia de esta banda depende única y exclusivamente de que nos satisfaga lo que hacemos al cien por cien, al margen de una amistad muy arraigada que hay entre nosotros.

Una de vuestras señas de identidad en el primer disco homónimo de la banda eran los poemas de Miquel Martí i Pol. En “Endins” sólo habéis escogido un poema para una de las letras, en “Torna Al Teu Clos”. ¿Qué significa para vosotros la lírica de este escritor catalán ya fallecido? ¿Cómo entrasteis en contacto con su obra?

La lírica de Miquel Martí i Pol ha sido muy inspiradora en nuestros inicios y ya no tanto más adelante. El motivo es que a raíz de la muerte de mi padre necesitaba respuestas que calmaran mi vacío espiritual, y el caso es que un poema del autor que tenía mi madre colgado en el recibidor de casa al que jamás había prestado atención, concretamente “el més dur sempre guanya”, me ayudó mucho a racionalizar el sino de nuestra existencia y de paso aliviar mi dolor. Fue una revelación tan impactante que opté por rendirle homenaje en prácticamente todas mis composiciones para el primer disco. En el segundo disco quise solo incluir un poema suyo puesto que el segundo disco ya no venia marcado por las mismas circunstancias y llegué a la conclusión de que debíamos encontrar nuestra propia identidad lírica, si bien su influencia ha sido y será notoria. También debo decir respecto a los inicios de que la idea de cantar en catalán la llevábamos en la cabeza y que fracasé en mis primeros intentos, así que encontrarme con el poema fue una especie de aparición mística que justificó lo que vino a continuación.

Algunos pensábamos que vuestro particular sonido venía de que adaptabais la música a las letras y la acentuación de los poemas y no al revés. ¿Es esto así, primero pensáis la letra y luego la adaptáis a la música?

Alguna vez lo hemos hecho así pero ha sido en raras ocasiones. La manera en que suelo trabajar es primero centrándome en la composición musical y según lo que ésta transmite se le adapta un tipo de lírica u otra. Para los poemas en teoría tenia que ser tarea difícil ya que no tenia porque coincidir la métrica pero creo que logramos bastante bien encajarlos, es curioso porque muchas veces hemos dicho o pensado que aquellas canciones estaban predestinadas a musicar aquellos poemas.

Me he dado cuenta de que tanto en los poemas escogidos de Martí i Pol como en vuestras propias letras, el tema de la muerte, abordándola desde una visión muy introspectiva y casi mística, está muy presente. En vuestra propia web describís a VIDRES A LA SANG como un “desafío a la muerte” ¿Tratáis de reflejar los temores del ser humano ante su propio final?

Sin duda alguna. Supongo que también lo que te he contado en mención al fallecimiento de mi padre ayuda a entender el mensaje de VIDRES A LA SANG como un grupo lleno de vida y emoción dispuesto a luchar siempre desde la racionalidad y la intensidad y no desde la fe o la mentira. La muerte en nuestra sociedad está lamentablemente muy ligada a la religión que hace un daño inmenso a nuestra capacidad de raciocinio. La muerte no tiene porque ser una tragedia, quiero decir, llorar una pérdida es absolutamente normal, y tener miedo también, pero convertir un proceso natural del individuo como la misma muerte, o nuestras dudas existenciales en un circo como el que monta la iglesia, del cual se hace incluso negocio, me parece un hecho tan deleznable como denunciable.

También he visto, sobre todo en las composiciones de “Endins” un sentimiento de cierta rebeldía contra los que no viven la vida sino que la destrozan. “Els Limits De La Creació” creo que refleja bastante bien lo que trato de describir ¿no?

Bueno, debo admitir que “Els límits de la creació” es un poema bastante confuso ya que utilicé un vocabulario un poco retorcido intencionadamente, ya que la canción es retorcida en su elemento. Has acertado mucho más de lo que mucha gente ha interpretado sobre esta canción. En esta letra quienes hablan son unos padres a su hijo recién nacido que representan un arrebato de sinceridad brutal y le explican la mediocridad en la que lo van a convertir fruto de los estereotipos, banalidades y presiones de nuestra sociedad para reflejar las carencias que existen en nuestra educación como seres humanos. Es una metáfora irónica sobre nuestra creación por antonomasia, nuestros descendientes, y sus limitaciones, es decir, como destrozamos las vidas de nuestros hijos inculcándoles solo bazofia. Y no lo digo por experiencia personal (risas) es una manera de ironizar sobre una sociedad que creo que va de mal en peor, tanto en la educación como en el espíritu colectivo.

Por su parte “Negre Destí, Roja Venjança” e “Identitat” reflejan cierta inquietud por la defensa de las propias raíces, letras que me parece son muy acordes con la épica de vuestros temas. ¿Qué significan para vosotros estos temas, en especial el primero donde hacéis clara alusión a vuestro “paintcorpse” en directo, negro y rojo?

“Negre destí…” es un tema épico, muy identificable en el estilo de VIDRES A LA SANG que habla de la condición innata que existe en el ser humano para estar permanentemente en guerra, en conflicto, la escribió un buen amigo nuestro y creo que es muy enérgico. Es verdad que es un tema que representa nuestras raíces y nuestra imagen que explicaré en la siguiente pregunta.

“Identitat”, es un tema más oscuro y lento, si bien también hay terreno para la épica y habla de la visión que tenemos de una sociedad que progresa en forma de decadencia. Y que nuestra identidad como seres humanos que somos, representa una fosa que estamos cavando muy lentamente entre todos.

El diseño de vuestros libretos, los maquillajes en directo... siempre el rojo y el negro están presentes en vuestra imagen. ¿Por qué esos colores? ¿Es el aspecto visual tan importante como el musical o lo tenéis como un complemento más?

El rojo simboliza la vida, la sangre, el espíritu, la guerra, la emoción, el amor, la épica… y el negro representa la muerte, el vacío, la desolación, la tristeza etc…Hemos querido simbolizar mediante estos dos colores la suma de los factores que determinan nuestra existencia y desaparición. La imagen creo que es muy importante si quieres manifestarte más allá de la música en sí. La imagen no es importante para la música pero sí es importante para el global del espectáculo que ofreces y para  invitar al oyente a sentir más curiosidad por lo que haces.

En el terreno estrictamente musical, he apreciado una evolución muy clara entre “Vidres A La Sang” y “Endins”. Además de la mejora del sonido, el componente épico está mucho más presente y ha aumentado la variedad de las estructuras. También veo que Albert tiene un papel más predominante en el aspecto solista. ¿Qué evolución apreciáis vosotros entre ambos trabajos?

Sin duda hay mucha evolución entre un disco y otro, y el reto es hacer exactamente lo mismo para el próximo, aunque obviamente, cada vez será más difícil. La épica ha cobrado mayor protagonismo para éste disco y las estructuras son bastante más ricas en todos sus ámbitos. Albert ha hecho un trabajo sensacional en los solos ya que ha adquirido en mi opinión mucha más personalidad en su manera de solear, al margen de que su contribución en los arreglos para este disco ha sido decisiva. La verdad es que nos sentimos muy orgullosos de lo que hemos hecho aunque ahora hoy día ya hay cosas que cambiaría. Estoy firmemente convencido de que nuestro mejor álbum aún tiene que llegar pues aún debemos crecer mucho como músicos y que nos faltan aún muchos conceptos, pero estamos en el buen camino.

Pienso que lo que mejor define vuestro sonido es que sin necesidad de usar grandes tecnicismos instrumentales conseguís desarrollar composiciones de amplia extensión, llenas de sensaciones. Temas como “La Terra I Tú” de vuestro debut o la agónica e intimista “Torna Al Teu Clos” condensan una gran tensión musical ante la que es difícil no reaccionar cuando los escuchas. ¿Estáis de acuerdo con esta apreciación? ¿Creéis que hay grupos que se fijan demasiado en el aspecto técnico y descuidan la transmisión de sensaciones?

Totalmente. Siempre he estado en contra de embarullar un riff porque sí. Creo que una canción para VIDRES debe tener un proceso, debe ser una historia que te cuente algo, y a veces es preciso echar mano de técnica pero por encima de todo está la estructura, la sensación que te queda después de haber terminado es lo que cuenta. Voy a hacer una comparativa un poco estúpida pero bastante clara con como cuando haces el amor. ¿De que te sirve follar con la tía más buena del mundo si no folla bien? ¿Verdad que lo que importa realmente es echar un buen polvo? Pues el polvo en este caso es la canción, y no el riff, ya que el riff no hace la canción y por si solo no tiene ningún valor. No me gustan los grupos que lo único que hacen es solapar riffs complicados con pegamento y se olvidan del conjunto global. Aunque también existen grupos que saben hacer riffs complicados y buenas canciones, al final, creo que acaban cargando por el sencillo hecho de que si no tienes márgenes de respiración durante una canción, el virtuosismo se acaba convirtiendo en mera rutina y acaba cansando porque no hay factor sorpresa. Yo creo que las canciones deben ser como las olas, que tengan su momento de creación, su punto álgido, su explosión, y su caída

Death Metal denso y pesado, Black Metal frío, Heavy en los solos y melodías... La variedad estilística de VIDRES A LA SANG es grande. ¿Cómo os definiríais vosotros?

Como tú lo has hecho. Es la mezcla de estos tres estilos, que son con los que hemos crecido, vibrado y aprendido. También hay un puntillo que definiría como peliculero o de banda sonora en nuestros temas a raíz de la épica que emanan los mismos, lo que pasa es que se puede no estar de acuerdo al no haber teclados o violines que lo identifiquen, pero yo creo que este elemento también está ahí.

Un poco de historia. Editasteis vuestro primer trabajo “Vidres A La Sang” por vuestra cuenta y riesgo. Uno de los temas del citado trabajo, el ya citado “La Terra I Tú”, lo promocionasteis a través de uno de los recopilatorios de Xtreem Music. Y pocos meses después el propio sello madrileño de Dave Rotten os reeditó el trabajo. ¿Fue así como Xtreem se interesó por vuestra música, a través del tema que le ofrecisteis para el recopilatorio? ¿Estáis contentos con el trabajo que está realizando el sello desde entonces?

La verdad es que le mandamos una copia a Dave porque Mr. Ax, el productor, nos dijo que seguro que le gustaría. Nosotros íbamos a autoeditarlo igualmente porque nos hacia ilusión tener el disco y no queríamos malbaratar aquel momento estando a la expectativa de si una discográfica nos decía si valíamos para esto. Le mandamos una copia del CD entero y en efecto le gustó, de manera que al cabo de unos meses nos hizo una oferta de reedición y para otro disco más. Estamos muy contentos con el trabajo que hizo al principio, ya que de no ser por ellos, nuestra música no hubiera llegado a tanta gente, pero luego con el segundo surgieron problemas que no nos dejaron nada satisfechos. No obstante, con Dave tengo muy buena relación personal, una cosa no quita la otra.

Dado que ya ha pasado un año desde la edición de “Endins” podéis hacer balance. ¿Os está dando buenos resultados el disco en cuanto a ventas, promoción, os conoce más gente...? ¿Qué cambiaríais de “Endins”, con qué no quedasteis contentos?

En cuanto a ventas sé que es de los discos que más se han vendido en el sello pero no tengo cifras concretas, y en cuanto a promoción, las cosas fueron mejor en el primer disco la verdad, aunque no nos podemos quejar.

De “Endins” cambiaria algunos aspectos técnicos en el proceso de grabación en el que tomamos decisiones erróneas que con el tiempo nos hemos dado cuenta de que hicimos mal; hay cosas de las que no te das cuenta hasta que pasa el suficiente tiempo como para recuperar objetividad. En cuanto a composición hay alguna parte que no me convence y que creo que deberíamos haber sido un pelin más autocríticos, aunque son detalles de no demasiada gravedad.

De todos modos, como ya te he dicho, es un disco del que estamos muy orgullosos y que nos ha costado mucho esfuerzo y dedicación.

Carles, vuestro anterior batería, aún estuvo presente en la grabación de “Endins”, pero luego dejó el grupo y entró Alfred Berengena de BAALPHEGOR en la banda. ¿Fue dura la marcha de Carles, más siendo uno de los fundadores de VIDRES A LA SANG? ¿Cuál fue el motivo si se puede saber?

Carles dejó la música, o mejor dicho, dejó la vida de grupo con las responsabilidades y disponibilidad para el trabajo que esto conllevaba. Tomó la decisión de apartarse de este estilo de vida y dedicarse profesionalmente a las cosas que le tenían más preocupado, que era su vida laboral. Es una decisión que hemos respetado, pero que obviamente fue muy dura de asimilar, no solo por su nivel, sino por la fuerte personalidad como músico que tenia y por la gran amistad que existe entre nosotros. El tiempo ha ayudado a curar su ausencia, al margen de que encontramos un recambio de garantías como Alfred Berengena.

Pude veros hace relativamente poco junto a PUNGENT STENCH y la verdad es que con Alfred el aspecto visual de la banda es aún mayor porque ese pedazo de batería enorme que coloca en el escenario impresiona, y la forma de tocarla más aún... ¿Cómo entrasteis en contacto con Alfred, porque tengo entendido que al principio era sólo músico de sesión para los conciertos?

Así es. Alfred Berengena en un principio tocó algunos conciertos con nosotros para echarnos un cable como baterista de sesión, pero la verdad, es que después de trabajar con él, nos dimos cuenta de que podía aportar muchas cosas a la banda y de que lo consideraríamos uno más siempre que él se sintiera identificado con el proyecto, y así fue. No hay duda de que grabará con nosotros el próximo álbum y puedo decirte que es el músico más impresionante con el que he tenido ocasión de tocar.

Retomando el tema de las actuaciones en directo, en Madrid habéis estado un par de veces que yo recuerde. La primera con AVULSED y GOREROTTED y la segunda, de nuevo con el grupo británico y con PUNGENT STENCH. ¿Qué recuerdos guardáis de estos dos conciertos? ¿Qué otras actuaciones recordáis con más cariño?

De Madrid guardamos un gran recuerdo de las dos ocasiones, la gente es muy abierta y amable, y nos hemos sentido como en casa. Aquí tenemos muchos amigos y volver pronto sería un enorme placer ya que nos sentimos muy a gusto y muy apoyados. La verdad es que son de las actuaciones de las que guardamos mejores recuerdos, así como en Mallorca o en Suiza, Barcelona etc… y por supuesto en Terrassa, nuestra ciudad.

¿Están tan locos los miembros de GOREROTTED fuera como en el escenario? Lo digo porque aún está grabado en mi memoria el concierto junto AVULSED en el que uno de los componentes de los británicos saltó al escenario como su madre lo trajo al mundo...

Sin duda están muy pirados, y reconozco que son muy graciosos, beben como si de hooligans se tratara. Son buena gente, aunque no me siento muy identificado con su manera de divertirse, y que conste que yo también pillo mis borracheras, pero es que las de esta gente son sumamente exageradas, totalmente fuera de control, así que no es de extrañar que al año siguiente al saludarles no se acordaran de nosotros… aunque cuando nos pintamos en el backstage se les refrescó la memoria (risas)

Una curiosidad, en los dos conciertos que he citado vuestros en Madrid, pude ver algunos de vuestros familiares con cámaras de fotos y vídeo entre el público. Era curioso porque resaltaban en medio de tanto “metalhead”. ¿Vuestras familias son un apoyo muy importante en la música que hacéis? ¿Les gusta vuestro sonido?

Bueno, nuestras familias nos apoyan mucho en la medida de lo que pueden, pero no son seguidores de la música metal. Simplemente respetan y apoyan lo que hacemos porque saben que hacemos algo que amamos, que es sano, constructivo, y que aunque no entiendan muy bien lo que suena, se lo pasan pipa en nuestros conciertos, así que siempre que pueden, vienen para darnos ánimo, y eso a nosotros nos encanta.

Y en los próximos meses, ¿qué planes de futuro tenéis para la banda: nuevo disco, conciertos...?

En Noviembre volvemos a dar una serie de conciertos en Catalunya pero no serán muchos ya que Alfred tiene numerosos compromisos y yo estoy aprovechando para seguir en la composición de nuevo material. Tengo material acabado pero queda muchísimo trabajo por hacer y es imposible decir cuando lo vamos a terminar, ya que no tenemos ningún tipo de prisa.

Muchas gracias por vuestro tiempo, si queréis añadir algo para los lectores de RockTotal, este es vuestro espacio:

Ha sido un auténtico placer responder esta entrevista, tanto por su extensión como por la calidad de las preguntas, muchas gracias por el apoyo, y para quien no conozca aún a VIDRES A LA SANG os dejo nuestros links: www.vidresalasang.com; www.myspace.com/vidresalasangofficial

(Entrevista publicada originalmente en: http://www.rocktotal.com)

OPETH - "Watershed": en proceso de cambio.

Después de casi tres años vuelve OPETH, vuelve uno de los grupos cuya popularidad ha crecido enteros de manera exponencialmente en los últimos años, vuelve uno de los conjuntos más originales y propios del Metal contemporáneo, vuelve uno de los artífices de que aficionados al Metal Extremo, al Progresivo, al Metal en general se unan y confluyan en su aprecio por sus trabajos. Vuelve Akerfeldt y ahora más que nunca, demostrando que OPETH es él y una serie de músicos que lo acompañan desde que también el gran Peter Lindgren dejara el barco y ya sólo quede Martín Méndez de la última formación estable que se conoce en el seno de la banda sueca. Y el resultado de esta vuelta es “Watershed” un disco que lleva en el punto de mira desde que Mikael empezó a hablar sobre el proceso de composición del mismo. ¿Habrá seguido el mismo camino de “Ghost Reveries” que supuso el punto de desconexión definitivo con sus seguidores más veteranos? ¿Se producirá una nueva vuelta de tuerca en el sonido de OPETH? ¿Qué supone este séptimo disco en la carrera de Akerfeldt?

Me gustaría ir por partes y contestar una por una a estas preguntas, pero voy a optar por una descripción más “personal” de “Watershed”. Y antes que nada he de confesarme: me ha costado entre cuatro y cinco escuchas llegar a disfrutar del disco. Sí, no soy víctima de ningún tipo de virus o cambio de personalidad repentina, pero un admirador reconocido de OPETH como el que suscribe, ha necesitado varias escuchas para lograr de comprender y encajar “Watershed” en la carrera de Akerfeldt y compañía. ¿Motivos? Aunque el disco sigue siendo OPETH, cuesta reconocer a la banda en las estructuras de los temas. No es tanto el sonido, el cual mantiene la limpieza de “Ghost Reveries”, dando un protagonismo aún mayor a los teclados de Per Wiberg, que por cierto, es el gran beneficiado del nuevo rumbo de la banda, pues su papel en las composiciones es fundamental. Tampoco es que los elementos que siempre han estado presentes en la música de OPETH hayan cambiado: la magnífica voz gutural de Akerfeldt (cada vez más secundaria), en combinación con su versatilidad en las partes limpias, los riffs hipnóticos, las estructuras de raíz setentera... ¿Cuál es el cambio entonces? A mi modo de ver “Watershed” es un disco más arriesgado, más variado y, por extensión, más irregular que “Ghost Reveries”, y sin embargo, no hay que tomarse esto como un punto flaco del trabajo.

Llama la atención que “Watershed”, dejando a un lado la ampliación de su extensión en las ediciones limitadas del disco que contienen bonus tracks, en su formato normal, es el segundo disco más corto en la historia de OPETH desde el “My Arms, Your Hearse”. Estamos hablando de casi una hora de trabajo aún así, pero uno tiene la sensación de que podría haber entrado aún algún tema más que mantuviese la inspiración. Llama la atención también que la labor compositiva se ha vuelto más compleja que nunca: los temas siguen patrones más o menos definidos pero, sin llegar a los contrastes y antítesis de sus primeros discos, estamos ante uno de los discos más difíciles de escuchar del grupo sueco. Finalmente llama la atención el giro ya definitivo que Akerfeldt ha realizado en su fuente de inspiración hacia ámbitos sinfónicos y por momentos, casi psicodélicos. En definitiva, “Watershed” es un disco que sorprende, un trabajo que descoloca, pero que a la vez es evolución lógica en la carrera de OPETH, un paso más en su camino, en una banda que ha logrado sonar de manera única y no estancarse en ningún momento.

Si juntas lo bueno de “Damnation”, que vuelve a estar presente en los arreglos de los teclados y las ambientaciones de los temas, totalmente añejas, con un mellotron constante e inspiración Zeppeliana y Floydiana patente, con la línea abierta en el grupo con “Ghost Reveries”, en donde OPETH combinaba su faceta más oscura con una mirada cada vez más directa al Rock Sinfónico de los setenta, tendrás una descripción de lo que es “Watershed”. Los que busquen oscuridad, frialdad, producción cruda y lejana y agresividad contenida, que se vayan olvidando, pues Akerfeldt vuelve a confirmar en este trabajo que los tiempos (gloriosos por otro lado) de “Morningrise”, “Orchid”... se dejaron atrás, y sin renegar de ese pasado, ahora la música de OPETH se centra en otros aspectos, que podemos llamar, más eclécticos y elegantes, y en esta ocasión más sesudos y complejos. En mi opinión, y hablando de una forma objetiva, dejando a un lado mi mayor o menor fanatismo por el genio de Akerfeldt, “Watershed” es una especie de disco de maduración: continuista a la vez que arriesgado, pero sin que uno pueda sentirse decepcionado si le gustó “Ghost Reveries”. Para bien, o para mal, OPETH avanza en su camino y eso implica que sus detractores en los últimos tiempos no se reencontrarán con el grupo en este trabajo.

En total, siete composiciones conforman “Watershed”, y la sorpresa está asegurada desde la propia configuración del “tracklist” del disco: en vez de comenzar de una manera habitual, con el típico tema que pone toda la carne en el asador, Akerfeldt comienza relajado y sin prisas con un tema acústico, “Coil” en el que se hace acompañar de voz femenina. Un tema que, en condiciones normales serviría de “relleno” o “intermedio”, y por el que el grupo ha apostado para abrir el trabajo. Y después de varias escuchas, confieso que considero que la elección ha sido adecuada, pues “Watershed” comienza así donde lo dejó “Ghost Reveries”, de la misma manera fantasmal e intimista. No será hasta que comiencen las disonancias de “Heir Apparent”, tema que se puede considerar puramente OPETH, que el disco arrancará definitivamente, y aunque se pueda considerar un corte “típico” por las formas, su contenido va mucho más allá, experimentando con una pesadez y una contundencia, por momentos desgarrada, que es difícil de recordar en OPETH salvo quizás en algunos pasajes de “Deliverance”, pero todo esto sin dejar a un lado la delicadeza acústica, que sin embargo se queda en un segundo plano ante el final apoteósico.

El disco continúa con “The Lotus Eater”, el que podemos considerar “single” del disco, pues ha estado mucho tiempo como preescucha. Nuevamente la complejidad estructural sale a relucir en este tema, aunque aún más si cabe, debido a los constantes vaivenes por los que fluye. Sin duda es uno de los momentos que hay que tomarse con más calma pues es fácil perderse y en ocasiones uno tiene la sensación de ser golpeado por varios cortes a la vez. Lo mejor es el gran papel que Per Wiberg ejecuta, teniendo alguno de sus momentos más inspirados (con parte jazzística incluida). Lo peor, el agotamiento al que uno puede llegar tras una escucha detenida del tema. Veremos qué tal funciona en directo, porque no es para nada la típica canción que pueda enloquecer a una audiencia. Y así llegamos a “Burden”, en mi opinión el mejor tema de todo el disco, y eso que es “acústico”. En lo que podemos considerar un Blues rockerizado y cargado de atmósfera setentera, Akerfeldt utiliza unos registros limpios que nunca antes le había escuchado, haciéndome pensar en muchos momentos que me encontraba ante otro grupo. Wiberg vuelve a reivindicarse como el gran protagonista, Axenrot demuestra que no todo es exuberancia, Méndez, siempre presente aunque en un segundo plano, hace un gran papel, y el final, con los duelos entre Akefeldt y la reciente incorporación de Akesson en las guitarras, con desafinamiento consciente como colofón, convierte al tema en el punto culminante de lo que llevamos de trabajo.

Con “Porcelain Heart” experimentamos el momento de mayor oscuridad del disco, pudiendo recordar por momentos a lo que OPETH hizo en “Blackwater Park”, pasado por la batidora acústica de “Damnation”. Un tema envolvente, tenebroso e intenso unas veces, barroco y bien orquestado otras, que supone un descenso a los infiernos en medio de la claridad y el intimismo del que veníamos, y todo eso sin usar voces guturales, lo cual es todo un logro. Sin embargo, este corazón de porcelana particular se ve ensombrecido ante el otro momento culminante de “Watershed”, “Hessian Peel”, la composición más larga de todo el disco y la mejor estructurada: oscuridad fantasmal, hipnotismo, melancolía, nuevos aires bluesy (con un Akerfeldt demostrando su aprecio particular por este estilo en su forma de cantar), instrumentación cuidada hasta límites lo concebible, apoteosis musical, intensidad en la ejecución, aires Crimsonianos a punto de la esquizofrenia... A lo mejor no es un “clásico” para el grupo, pero no cabe duda de que la inspiración era máxima a la hora de componer este tema. Finalmente, volviendo a los terrenos más psicodélicos y setenteros, “Hex Omega”, cierra el disco de una manera sobresaliente, aunque dejando con ganas de más, con la sensación de que, como conscientemente este tema ha sido concebido, “Watershed” está inconcluso, aunque si miramos nuestros relojes habrá pasado casi una hora desde que comenzamos su escucha.

¿Dónde podríamos ubicar “Watershed”? No sabría decir si es mejor o peor que “Ghost Reveries”, pero desde luego este disco no es un adormecimiento en los laureles, es un paso más en el camino, un camino que cada vez aleja a OPETH más de su pasado, pero que no deja de demostrar el genio de un hombre, Mikael Akerfeldt, que mantiene su inspiración prácticamente intacta. El futuro de OPETH nadie lo conoce, no se sabe si alguna vez retomarán la estela que van dejando y volverán sobre sus huellas, o por el contrario, seguirán dejándose llevar por la marea que los empuja desde su creación. Sea cual sea la opción, “Watershed” contribuye a forjar la leyenda de un grupo que puede presumir de ser ellos mismos.

(Crítica publicada también en: http://www.rocktotal.com)

OPETH - "Ghost Reveries": siguendo adelante con algunas novedades

¡Por fin!, tras más de dos años de espera y con cambio de compañía incluido, vuelven ellos, los únicos e irrepetibles OPETH (y no soy José Luis Moreno...). Sedientos estábamos sus fans de que nos volvieran a regalar un disco, después de ese par de joyas que fueron "Deliverance" y "Damnation", el álbum acústico que a algunos les supo amargo y que a mí me encantó. Tuvimos que conformarnos con un DVD regularcillo (por el set list elegido, no por el sonido que es tremendo) para poder saciar nuestro mono de OPETH.

Pero toda espera paciente tiene su recompensa en forma de un nuevo CD. Ocho canciones, 66 minutos de música y lo que es mejor, toda una gira de presentación por delante que les volverá a traer a España. Mikael Akerfeldt es un genio, una especie en peligro de extinción en estos días, y sabe que el truco está en sonar coherente con uno mismo sin dejar de experimentar. Por esta razón editó "Deliverance" y "Damnation" casi a la vez, para poder saciar su vena investigadora con el segundo y contentar a sus fans con el primero. Y por esta razón también, se ha sacado de la manga un disco que con un nuevo sonido, más natural (aunque menos oscuro, todo hay que decirlo), que sabe conjugar lo mejor de sus dos discos previos. Lejos están ya los tiempos de "Morningrise", la obra de OPETH de la que más grato recuerdo guardo, pero lejos de estancarse o evolucionar de manera poco recomendable, Mikael ha sabido darnos lo que todos sus fans queríamos, sin por ello acomodarse.

La producción, a cargo de un ingeniero joven y desconocido, es excelente, superior diría yo. Puede que no le guste a los fans más clásicos, pero consigue integrar el teclado en perfecta armonía con las partes más metálicas del grupo. De hecho el sonido que han conseguido, es uno de los puntos más atractivos de este plástico y uno de los mejores aciertos de OPETH para su nuevo lanzamiento. Eso y, nuevamente, la portada a cargo de Travis Smith, fantasmal como pocas.

El disco se abre con un temazo como la copa de un pino que viene a engrosar la lista de obras maestras de los suecos, "Ghost Of Perditon" tiene todo los elementos clásicos de OPETH, desarrollos progresivos, riffs pegadizos, voces oscuras e increíbles, y pasajes acústicos con voces limpias, pero además hay que añadir un nuevo elemento en la música de OPETH que los enriquece aún más: la incorporación de los teclados, que le da un aire años setenta único. Escucha la parte central de este tema y sabrás a lo que me refiero, totalmente progresiva y que te dejará con la boca abierta. Desde luego mejor comienzo no se puede elegir para un disco. Pero la cosa no acaba ahí, "The Baying Of The Hounds" vuelve a regalarnos otros diez minutos que pasan volando, cargados de buenos riffs y, de nuevo, con un Hammond a lo DEEP PURPLE que queda perfecto en medio del tema, entre los guturalismos de Mikael y los cambios de ritmo de Martín López (todo un ejemplo de evolución la de este chico desde que está en OPETH). El tema tiene un puente que es de lo más embaucador que haya salido de la pluma de Mikael nunca. Y su increíble final es también digno de mención, pura explosión de furia y virtuosismo.

Esta primera parte del disco, que se puede llamar más clásica dentro de la trayectoria de los suecos, se cierra con "Beneath The Mire", con un inicio arabesco que nos trasladará de viaje a los lugares más paradisíacos que tu imaginación pueda pensar. Los riffs se repiten una y otra vez, mientras el mellotron de Per Wiberg nos transporta a otra dimensión, hasta que la voz de Mikael nos despierta. Este efecto hipnótico de las guitarras continúa a lo largo de toda la pieza, pero intercalando algunos solos realmente bellos, y en especial el pasaje a lo LED ZEPPELIN que sirve de nudo a la composición, algo que deja entrever las influencias del maestro Akerfeldt. La canción va aumentando su tensión de manera in crescendo, hasta que estalla en una nube de riffs hechizantes que erizan nuestra piel para terminar decayendo en un pasaje totalmente KING CRIMSON, realmente esquizofrénico y con unos efectos nunca antes vistos en OPETH. Otra obra maestra que se vuelve a apuntar el señor Mikael Akerfeldt.

Y llegamos a la parte central del disco que es la que más cuesta escuchar, pero en dónde OPETH han investigado mucho más en nuevos sonidos y efectos. "Atonement" es una balada que de nuevo trae a la cabeza a LED ZEPPELIN y que podía haber cabido perfectamente como una composición de "Damnation". La voz limpia y hechizante de Akerfeldt va guiando todo el tema, a la vez que unos ritmos orientales acompañarán las melodías que Mikael y su compañero Peter Lindgren se sacan de sus guitarras, mientras de nuevo Per Wiberg nos vuelve a asombrar con un piano muy jazzy. Sencillamente genial. Puede chocar en las primeras escuchas, pero conforme se acostumbra el oído a ella, acabas cayendo rendido a sus pies. Esta composición es seguida por una canción doble, "Reverie / Harlequin Forest", la primera es una introducción instrumental muy bella y continuista con "Atonement", para no cortar de golpe con la faceta melódica de OPETH. La segunda es un tema más en la línea clásica de OPETH, aunque las voces limpias no pierden su protagonismo, los riffs se metalizan, se hacen más poderosos y Martín López vuelve a asombrarnos con unos ritmos difíciles de seguir. Este tema podía haber sido firmado por cualquier banda de Metal Progresivo y la gente no notaría la diferencia hasta la parte central, momento en el que Akerfeldt recupera su voz gutural y los riffs se vuelven más mórbidos y potentes. Y de nuevo un pasaje decadente a lo años setenta, nos cautivará hasta el momento en que las guitarras vuelvan a golpear nuestras sienes a la par que la voz gutural de Mikael nos acompaña en su paseo por el infierno, cuyas puertas nos abre en forma de un esquizofrénico y adictivo final en dónde de nuevo KING CRIMSON volverá a nuestras mentes.

"Hours Of Wealth" dará que hablar, de eso no cabe duda. Se puede considerar una balada en sentido estricto, con la guitarra acústica y los teclados como único acompañamiento a la voz, trasladándonos de nuevo a los gloriosos años setenta. Es un tema corto (aunque pasa de los cinco minutos eso sí), pero cargado de emotividad, que sin embargo estoy seguro que no gustará mucho a sus fans más cerrados. La voz de Mikael suena excelente, desnuda, cálida, sin apenas acompañamiento musical pero trazando unas líneas melódicas difíciles de olvidar. Si la escuchas sin prejuicios te darás cuenta de su belleza y acabarás gozando con ella.

De la paz y tranquilidad que "Hours Of Wealth" nos deja, somos levantados bruscamente por unos riffs entrecortados que nos vuelven a recordar que OPETH es ante todo una banda de Metal en su definición más amplia. Estamos ante "The Grand Conjuration", la penúltima composición del disco, que nos devuelve al Mikael maestro tanto en la voz limpia, como en la gutural. De nuevo los teclados están omnipresentes, dando pinceladas psicodélicas aquí y allí, y los riffs y solos de guitarra son una vez más obras maestras de este instrumento. Su parte final es de lo más adictiva y mágica del disco, con un Martín López de nuevo en estado de gracia, y su tocayo, Martín Mendez manteniendo el pulso de manera notable. Desaparecen los últimos acordes de "The Grand Conjuration" y la belleza de las guitarras de "Isolation Years" nos regalan una nueva y corta balada al estilo OPETH, que deja un buen sabor de boca para acabar con esta obra maestra, otra más en la trayectoria del grupo sueco.

Supongo que muchos habréis notado que se me ve el plumero con OPETH. Y es que aunque he tratado de ser objetivo con ellos, cada disco suyo que cae en mis manos, le acabo poniendo calificación de obra maestra (¿cuántas veces habré dicho esto ya?), y "Ghost Reveries", pese a que muchos dirán que es rupturista con su trayectoria, es una obra de matrícula de honor. Desde luego, para mí no hay duda, el disco del año. Si ya les conocías, no sé a qué esperas. Si no les conoces, corre y hazte con TODA su discografía cuánto antes. Y si no te gustan, como dice un amigo mío, corre al otorrino porque tienes un problema.

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NAGLFAR - "Pariah": que los cambios no afecten la esencia

Desde la marcha de Jens Rydén de los gloriosos suecos NAGLFAR, muchos fuimos los que pensamos que el futuro de esta magnífica banda iba a ser incierto. ¿Quién se encargaría de sustituirle?. La Banda sueca ha tirado a lo seguro y ha encontrado en el bajista y cofundador del grupo su frontman ideal. Kristoffer W. Olivius pasa con nota su labor y compensa en el escenario su menor presencia corporal, con unas poses de chulo de barrio perdonavidas que dan miedo a cualquiera.

¿Ha influido la marcha de Rydén en la música?. Ciertamente no mucho. Las melodías afiladas y 100% escandinavas al más puro estilo DISSECTION, la mala leche en forma de velocidades infernales y la notable agresividad vocal de Olivius, mantienen los parámetros del grupo, como demuestran los primeros cortes del álbum, "A Swarm Of Plagues" y "Spoken Words Of Venom", dónde los sutiles teclados, y las fabulosas guitarras crean atmósferas oscuras, frías, casi heladas, y llenas de odio. Puro Black Metal melódico como muy pocas bandas saben hacer y que tiene en NAGLFAR y los líderes indiscutibles, DISSECTION, sus mayores exponentes.

"Pariah" mantiene esos magníficos cortes a medio tiempo cargados de melodía y rabia contenida que plagaban su plástico previo, "Sheol", pero en general se aprecian dos novedades: incremento de la velocidad bastante notable, lo que le acerca a aquel tremendo debut de hace ya diez años llamado "Vittra" (¡Cómo pasa el tiempo!), por un lado, y mayor simpleza e inmediatez por otro lado. "Pariah" es más directo, con temas más cortos, pero manteniendo el listón de calidad alto.

Los cortes más variados y a la vez atmosféricos, como "The Murder Manifesto" o "None Shall Be Spared", se llenan de cambios de estructura y elementos sorprendentes que demuestran que la creatividad de NAGLFAR sigue intacta, si bien pierden un poco del aura maligna que rodea al grupo a la hora de componer, ganan en sonoridad, ampliando el registro de la banda sin perder su esencia.

Las composiciones, en general, son más coherentes y continuistas. Me explico, en discos previos, la calidad de todos los temas era enorme, pero siempre había algún tema que resaltaba aún más como la fabulosa "Black God Aftermath" de su disco anterior. "Pariah" es más lineal en este sentido, buscando más el sonido de conjunto, algo que, gracias a la producción fría y cristalina, han conseguido.

Probablemente estemos ante su disco más accesible, ideal para entrar de estreno en una compañía tan internacional como Century Media, y conseguir ampliar su, de momento, pequeño público. Si los tienes perdidos en tu horizonte musical y no habías escuchado nada de ellos, probablemente este disco sea ideal para hincarles el diente. Luego, mi recomendación sería ir navegando hacia atrás hasta conseguir su obra maestra "Vittra".

De todas formas, "Pariah" es un excelente disco, un poquito por debajo de sus predecesores, con algún tema relativamente flojo ("The Perpetual Horrors" se me hace un poco tedioso), pero, en general, que gustará a amantes de la banda o desconecedores de su música que quieran descubrirles. Black Metal de belleza helada como sólo los nórdicos saben hacer.

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RIOT - "Army of One": las injusticias de la industria musical

Cuando llegó a la redacción esta copia del último trabajo de la banda del dios Mark Reale, RIOT, después de más de tres años desde el magnífico "Through The Storm", mis ojos se abrieron como platos y empecé a segregar saliva cual hambriento tras días de ayuno. Una de mis bandas favoritas de todos los tiempos, con discazos como "Narita", "Thundersteel" (del que ya dejé buena cuenta en la sección de clásicos) o "Inishmore" por poner ejemplos de distintas etapas del grupo, volvía por fin con un disco que lleva grabado ya un tiempo, pero que debido a la marchad de DiMeo a THE LIZARDS había sido retrasado una y otra vez.

En una entrevista que un amigo le hiciera hace un tiempo a Reale, al hablar de este nuevo trabajo, "Army Of One", el maestro de las seis cuerdas comentó que tenía dudas sobre la forma de editarlo. Tirelli era el nuevo vocalista, pero el disco ya estaba grabado con DiMeo y no quería hacerle un feo regrabando las voces con otra persona que no hubiera estado implicada en el proceso compositivo de "Army Of One". Parece que por fin Reale se ha decidido a sacar el disco tal y como se concibió en un principio, saliendo primero en Japón a lo largo del verano, y por fin en pleno Otoño en Europa. Y menos mal que lo ha hecho, porque el resultado es un disco sobresaliente que reúne elementos que hacía tiempo no aparecían en RIOT, a la vez que mantiene la senda más melódica y reflexiva del magnífico "Through The Storm".

La producción, sin ser magnífica, consigue el objetivo de que suene natural, orgánica y que no pierda fuerza en ningún momento. Es como si volviéramos al pasado, cuando los discos se grababan como si de conciertos se tratase. Pero no es por el sonido por lo que destaca "Army Of One" (que también), sino por dos elementos fundamentales: las melodías que se saca Reale de la manga, y un trabajo de DiMeo realmente impresionante. "Army Of One" es un vehículo de lucimiento para un cantante muy versátil que ha conseguido dar a RIOT el punto Hard suficiente, sin perder la fuerza de antaño y con una voz que en las partes más emotivas roza la magia y en las más duras, nos hace recordar los tiempos del "Thundersteel". Un trabajo soberbio, solo igualado por la maestría de Reale en los solos y en la forma de componer temas intimistas y cercanos, a la par que llenos de fuerza. Un disco que, por lo menos, iguala "Through The Storm" y en algunos temas hasta lo supera, y del que estoy deseando ver temas en directo.

Las doce composiciones del trabajo pasan por todas las tesituras. Pero no cabe duda que la más sorprendente es la propia "Army Of One". ¿Os imagináis un "Thundersteel" compuesto en la actualidad y con la voz de DiMeo?, pues eso es "Army Of One" un tema speedico, lleno de fuerza, con una línea vocal excelente, que no llega a los agudos de Tony Moore (a los que nunca llegó DiMeo), pero que en cualquier caso supone lo más potente que ha compuesto RIOT en años. Ya vuelvo a salivar sólo de pensar que podré escucharla en directo alguna vez, que espero que no sea muy tarde. Pero lo mejor de todo es que, aunque en el resto del disco apenas se vuelve a repetir este derroche de energía inicial, el trabajo no decae en ningún momento haciendo uso de los elementos que han hecho famoso a RIOT desde que entró DiMeo, y mezclando a la perfección su aire a RAINBOW con la parte más Hard Rockera de los últimos temas compuestos por la banda americana en nuestro siglo. Precisamente en esta onda, pero con un groove y una capacidad de enganchar increíble, continúa el disco de la mano de "Knockin At My Door", con un estribillo realmente emotivo donde DiMeo se sale con su voz más Soul, y los teclados ayudan a recrear un ambiente muy ochentero.

A medio camino entre el "Sons Of Society" y el "Inishmore", el medio tiempo de "Blinded" nos vuelve a traer la magia de DiMeo tanto en el atemperado estribillo, como en las partes más heavys. La guitarra de Reale y la excitante sección rítmica con un Frank Gilchrist que realmente se sale, tejen un trasfondo musical muy épico que es lo que me hace recordar el clásico "Inishmore", con solo de guitarra neoclasicista doblado incluido. Manteniendo la ambientación más Heavy en los riffs de guitarra, "One More Alibi" supone otro punto culminante, gracias a los coros del estribillo que le vuelven a dar el toque Hard Rockero que tanto me entusiasma de los últimos trabajos de RIOT. Entusiasmo que vuelve de la mano de "It All Falls Down", donde las guitarras de Reale y Flyntz se salen literalmente, con unos riffs realmente pegadizos, unos solos increíbles, sencillos pero brillantes, y un aire a RAINBOW que vuelve a planear sobre la cabeza de la banda. El ecuador se alcanza con "Helpin Hand", más cruda que la anterior en lo que a guitarras se refiere, pero donde el alma de DiMeo vuelve a volar de la mano de su voz más Soul y emotiva, reforzada por la guitarra de Reale, que llora bajo sus dedos y por un hammond omnipresente que le vuelve a dar un aire ochentero que envuelve todo el disco.

La segunda parte del disco se abre con otro trallazo, "The Mystic" que hace que "Thundersteel" y los riffs y cabalgadas neoclásicas de Blackmore vengan a nuestra cabeza. Si alguien pensaba que este disco iba a seguir sólo patrones emotivos y Hard Rockeros, cortes como este son la prueba de que se equivocaba. Este cambio vuelve abrir la veda a nuevos cortes que mezclan a la perfección el Heavy y el Hard Rock ochentero, como es el caso de "Still Live", un tema que dentro de su simplicidad, consigue que nuestros pies se muevan fácilmente al ritmo de los pegadizos y rockeros riffs de Flyntz y Reale. Después de una introducción que nos pone en situación en una noche en el desierto, comienza "Alive In The City", otro corte muy característico por las guitarras de RIOT, pero con un aire muy Blues en los acordes, y una línea de bajo de Pete Perez que nos recuerda la importancia de su presencia en la banda. Pero quizás sea "Shine" el punto culminante de esta segunda parte del CD. Un tema veloz, poderoso, de riffs muy heavys y doble bombo casi constante, pero con una interpretación de DiMeo que lejos de elevar hacia los agudos, rebaja tonos, dando un aire más crudo al tema. Es un tema donde Reale se sale un poco de la tónica general de su forma de componer las guitarras, incluyendo una sección de cuerdas bastante curiosa en la parte final del tema, e incluso el solo que lleva a cabo se despega de sus clásicas influencias, suponiendo uno de los atractivos de "Army Of One". Finalmente, el broche de oro lo pone, tras una bella instrumental, "Stained Mirror", donde las melodías de Reale a lo "Narita" comparten protagonismo con los teclados y las acústicas, la oscura "Darker Side Of Light" (y no es porque lo diga el título), cuyos riffs rebajan su tonalidad bastante, y la voz de DiMeo tiene un aire melancólico que le queda niquelado al tema. Un gran final en cualquier caso.

Con perdón por la expresión, RIOT patea el culo a más de una banda supuestamente mítica, que sin embargo lleva décadas viviendo de rentas. En el caso de Mark Reale y compañía el verbo acomodarse no existe. Más de treinta años regalando nuestros oídos con discos que nunca bajan del notable, incluso los de la etapa menos atractiva del grupo para mi gusto, cuando Rhett Forrester estaba en la banda. Y "Army Of One" no podía ser menos, suponiendo un sobresaliente regreso discográfico de una banda que, lamentablemente, nunca recibirá los laureles que se merece. Y es que Reale y su banda deberían ascender al olimpo musical, y no quedarse como una banda de culto, con fieles seguidores, pero reconocimiento escaso. Injusticia es la palabra que siempre me viene a la cabeza como asociación de ideas a RIOT. En cualquier caso, y dejando reivindicaciones de fan enfermizo como el que suscribe a un lado, RIOT sigue en la brecha de la calidad, brecha de la que hace años que no se bajan, y que hace que "Army Of One" sea altamente recomendable a todos aquellos que les gustó "Trough The Storm" y que quieran recuperar algunas sonoridades más clásicas del grupo. La espera mereció la pena.

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ROTTEN SOUND - "Cycles": mirando hacia nuevos horizontes

Después de bastante tiempo desde la edición de “Exit” y con un MCD de por medio, “Consume To Contaminate” que hacía presagiar una buena continuación de aquél, una de las bandas finlandesas más influyentes del Grind y sus derivados vuelve a la carga con “Cycles”. Esta introducción parece sacada de una hoja promocional insulsa y típica pero viene motivada porque, personalmente, esperaba con ganas este lanzamiento y más después de ver a la banda en su gira con ROTTING CHRIST donde desgranaron casi la totalidad del citado MCD.

Y no hay lugar a dudas. Esto es puro ROTTEN SOUND. Se echa de menos a su anterior batería Kai Hahto, toda una máquina de las baquetas, sobre todo en las partes más rápidas y con cierto aire Crust de nueva hornada, sin embargo el resultado es totalmente satisfactorio en dos aspectos: su acercamiento hacia ritmos y contundencia más Death y su sonido más correoso y sucio que en “Exit”. El resultado está mucho más cerca de “Murderworks” (disco que por mucho que se empeñe la banda, no es su primer disco, pues la historia de ROTTEN SOUND ya se fraguó en la factoría Repulse, en aquellos años en que fue sello descubridor de bandas), que de su anterior trabajo. En consecuencia: amantes del sonido escandinavo de los noventa, con mucho de los primeros NASUM, algún que otro toque a BRUTAL TRUTH, y los orígenes del Grind/Death, no se sentirán defraudados antes este fantástico disco.

Eso sí, también es posible que “Cycles” sea el disco más accesible que ha facturado ROTTEN SOUND en su carrera, y no es porque la producción sea más limpia, que no lo es, más bien al contrario, sino porque los temas tiran de mucho ritmo fácil de aprender y los blast-beats, sin dejar de ser fundamentales en todos los cortes, dejan de tener el peso principal de los temas del CD. Por poner algunos ejemplos, en “Colonies” predomina el ritmo Thrash, sin dejar de ser un tema de gran empaque por otro lado, en “Caste System” los ritmos se ralentizan facturando un corte que si no fuera por la voz sería casi Death Metal a medio tiempo y en “Trust”, el tema más atípico de todos, la música se vuelve atmosférica y hasta en cierta manera depresiva. El hecho de que la portada sea mucho menos “violenta” que sus predecesoras (cosa que también ocurría con “Consume To Contaminate”) y que la contundencia y el groove tenga un papel mucho más importante en la música puede que tenga algo que ver, pero sin dejar de sonar a ellos mismos, en “Cycles” ROTTEN SOUND ha conseguido facturar un disco de miras más amplias.

No obstante, y pese a este tratamiento más cercano al oyente de las composiciones, la excitación surge desde el primer corte, “The Effects”, comenzando con ese ritmo contenido y a medio tiempo que vaticina una tormenta de blast-beats, y su continuación, “Prai$e The ₤ord”, todo un alegato antisistema, y que es de los cortes más brutales del disco. Nos damos cuenta así de lo compacto que es el sonido, llenando la guitarra todos los huecos posibles con una gran profundidad y un sonido realmente enfermizo y a la vez pegadizo, sin perder cierto toque melódico (que por ejemplo en “Blind” se ve refrendado por un breve solo), un bajo muy distorsionado que da la sensación de ser una apisonadora y con el nuevo batería, Sami Latva cumpliendo a la perfección, menos espectacular, pero más efectivo y de pegada más poderosa. La voz mantiene la línea aguda y con cierto efecto de los últimos trabajos, pero tiene la suficiente variedad como para no dejar títere con cabeza tema tras tema.

Los amantes del espíritu de los ochenta tendrán por otro lado en algunos cortes como “Deceit” o “Victims“ (donde el bajo suena aún más distorsionado que nunca) claros ejemplos de como ser efectivos, inspirándose en los clásicos y sin perder actualidad. En cualquier caso, “Cycles” cumple con creces las expectativas de los que ya conocieran al grupo. Un gran disco, con un sonido aplastante y con la variedad suficiente como para que los neófitos que no conozcan a ROTTEN SOUND, le echen un oído.

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ROTTEN SOUND - "Murderworks": la maquinaria sanguinaria finlandesa en su mejor momento

Corría el año 1993 cuando un grupo de finlandeses decidieron dar rienda suelta a sus “sonoridades más putrefactas” de la mano de un proyecto al que llamaron acertadamente ROTTEN SOUND. Pasaron (y siguen pasando) de discográfica en discográfica, incluso recalando en la española Repulse Records. Hace un año editaron un magnífico “Exit”, de la mano de Spinefarm en Europa, álbum del que ya dimos buena cuenta en estas páginas en su momento. Ahora, Relapse (su discográfica en terreno americano), se ha decidido a reeditar “Murderworks”, salido en 2002, y que supone uno de los mejores trabajos de la banda.

Si eres aficionado al Grindcore, ya sabes de qué va esta historia. Temas de menos de 2 minutos (en algunos casos mucho menos), con velocidades de vértigo y los elementos que han hecho famosa a la escuela escandinava de este estilo, léase NASUM, REGURGITATE, FROM THE ASHES y un largo etcétera. Es decir, un registro de voces más amplio, usando tanto voces guturales como agresivas, y riffs de ascendencia muy Death Metal. Estos elementos presentes también en grupos del otro lado del charco como BRUTAL TRUTH, y en bandas no escandinavas como ABADDON INCARNATE, alejan a esta corriente de los siempre imitados CARCASS, sin abandonar sus temas reticentes y su furia musical.

Ya la portada de “Murderworks” merece un premio a una de las más repulsivas de la historia, con un carnicero cubierto de sangre hasta las cejas, (aunque quizás este premio siempre lo tendrán los mejicanos DISGORGE con “Forensick”). Pero musicalmente tampoco andan cojos, gozando de un sonido realmente estratosférico, donde se oye todo. Además, en este disco se han permitido la licencia de elaborar unas composiciones algo más largas que de costumbre en algunos momentos, sin por ello abandonar las bases del Grindcore, lo cual ayuda a que entres más en materia y puedas dejarte llevar por su música, con menos esfuerzos.

Ya desde que la intro del disco se esfuma y el grupo empieza a descargar su colección de guitarrazos y sus asaltos vocales más extremos en “Targets”, nos damos cuenta de que este disco no nos va a dar respiro, para deleite de los que somos seguidores del grupo y para martirio de los que no soporten el Grindcore. Todo ello mezclado con claras influencias del Death Metal en forma de unos riffs muy currados, como nos muestran temazos de la calidad de “Revenge” o una de las mejores composiciones del disco, “IQ”. Aquí puedes encontrar de todo para saciar tus ansias más extremas: blast beats por un tubo (de nuevo el señor Kai Hahto ataca para deleite de los aficionados a la batería), tres tipos de voces distintas, una que es casi un chillido, otra agresiva y una gutural que es mi preferida, y unas guitarras que cruzan el espacio a la velocidad de la luz, sin darte tiempo a tomar el aliento. Tema tras tema, no podrás parar de mover la cabeza como un poseso, mientras los finlandeses escupen su música por nuestros altavoces. Grandes composiciones, variadas, combinando todos los elementos del género más extremo del globo de manera precisa, pero con pocos respiros para los no iniciados. Disfrutar de riffs como los de “Seeds” no tiene precio.

Si estás deseoso de buen Grindcore a la escandinava, y no conocías a ROTTEN SOUND, nada mejor que “Murderworks” para empezar a conocerles, media hora de auténtica genialidad, que además se ve aderezada por tres videos de la banda, para que puedas verles en directo. Si ya les conocías, este disco supone uno de los momentos más inspirados de su carrera, así que no sé a qué esperas. En cualquier caso, muy recomendable.

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