MARK ISHAM – “Miles Remembered: The Silent Way Project”: reivindicando al Miles eléctrico.

Cuando este que escribe era un adolescente que ya escuchaba Punk, Rock, Heavy y derivados, pero que había crecido rodeado de Jazz por todas partes, tuvo lugar una revelación. Siempre tuve predilección por MILES DAVIS, pero hasta finales de los noventa casi todo el mundo obviaba los años transcurridos entre 1969 y 1975, la llamada etapa eléctrica de MILES. Esto generó que nunca hubiese escuchado ni “A Silent Way” ni “Bitches Brew”, los dos discos llamados a ser pioneros del Jazz-Rock en la historia de MILES DAVIS. Sin embargo, y como tantas otras veces, un buen amigo me instó a ir al Galapajazz que aquel año 2000 celebraba su primera edición, y en concreto a un concierto de un tal MARK ISHAM, compositor de bandas sonoras, productor y también músico, que acababa de sacar un disco homenaje a los 30 años de dichas dos obras de MILES DAVIS y de todo lo que vendría después, “Miles Remembered: The Silent Way Project”. Yo no sabía lo que me iba a encontrar y de repente me vi envuelto en un teatro donde supuestamente iba a haber un concierto de Jazz, pero en el escenario había dos guitarras eléctricas, un bajo eléctrico, un montón de pedaleras y un teclado, además de una batería con doble bombo. ¿Me había metido sin querer en un concierto de Rock?

Lo que sucedió esa noche fue el momento en que se abrió para mi las puertas del infierno: nunca pude suponer que MILES DAVIS había tenido tanta creatividad en esos años y menos aún que la música con la que había crecido, el Jazz, pudiese unirse a la que acababa de descubrir, el Rock. Obviamente, mi siguiente paga de fin de semana se invirtió en “Miles Remembered: The Silent Way Project”, el disco que me había servido para descubrir a MARK ISHAM y todo este mundo. El músico aporta dos cortes originales, “Internet”, muy movida y pegadiza y “Azael”, pero ambas podían haber sido creadas por MILES, no desentonan. El resto son temas extraidos de los trabajos de DAVIS en los setenta, además de algún cameo de otros standards del trompetista, como es la apertura con “In A Silent Way” enlazada con “Milestones” o la genial recreación de “All Blues”, muy groovie gracias al bajo de Doug Lunn. ISHAM actúa como protagonista y se limita a arreglar tempos y estructuras, siendo bastante fiel a los originales de MILES DAVIS. Incluso la forma de grabar el disco sigue la idea de dicha etapa: el disco se conformó con temas grabados en directo en The Baked Potato a finales de 1996, que luego fueron cortados-pegados en estudio, igual que hacía Teo Macero con MILES DAVIS en los setenta.

Instrumentalmente, ISHAM tampoco arriesga. Como buen compositor de bandas sonoras sabe recrear y ser honesto, y para esta ocasión ha decidido adoptar la instrumentación que MILES más repitió a finales de su etapa eléctrica, es decir con predominio de guitarristas y usando los teclados y las pedaleras para crear atmósferas y efectos. También en el uso y abuso de la sordina ISHAM es fiel a MILES al igual que en el wah-wah para distorsionar las composiciones. El invento no tendría misterio si no fuera porque cortes clásicos como “It's About That Time”, con esa larga introducción Funky que acaba estallando en decibelios o “Spanish Key”, da pie a recrearse y a generar excitación en el oyente a base de intensidad creciente, y aquí ISHAM ha sabido rodearse de músicos excepcionales que en directo, como bien pude comprobar, lo dan todo y traen consigo la excitación del Rock masivo. La dupla de guitarras de Steve Cardenas, más comedido y sobre todo el ultra distorsionado Peter Maunu, así como la contundencia desmedida de Michael Barsimanto (en directo una auténtica orgía percusiva), transmiten energía no sólo con la electricidad de sus amplificadores… “Great Expectations”, otro corte típico de intensidad creciente es un buen ejemplo, pero sobre todo las piezas más cortas y movidas, “Right Off (Theme From Jack Johnson)”, “Ife” (cargada de efectos de eco y repeticiones) y “Black Satin”, perfecto colofón. Por otro lado ISHAM no olvida la atmósfera y el enigmático lado oscuro que MILES desarrolló en muchos cortes de “relleno” de sus discos de la época y ahí está la ya citada “Azael”, que casi podía ser uno de los cortes firmados junto a Hermeto Pascoal por MILES en “Live – Evil”.

Cabe preguntarse si “Miles Remembered: The Silent Way Project” era algo necesario. En su momento fue criticado y alabado a partes iguales, porque cierto es, aportar no aporta mucho. Posteriormente el grandísimo WADADA LEO SMITH haría lo mismo, recreando el espíritu y la instrumentación de la citada etapa de MILES, pero con composiciones propias. Ahí sí se puede encontrar creatividad. En MARK ISHAM no, pero por otro lado, este disco era necesario: era un homenaje merecido a una etapa que enemistó a MILES DAVIS con los acérrimos Jazzistas y le hizo pasar de teatros a festivales de Rock. En ese sentido MARK ISHAM lo borda, recrea todo lo que fue aquella época fielmente y lo traslada al disco y al directo para que los que no vivimos la fusión original de ambos estilos, se nos cayeran los calzones del gusto y la impresión. Sólo por eso, mis loas las ha tenido desde hace 15 años…

“In A Silent Way – Milestones”: http://youtu.be/j47Y_LEmTzY

“Right Off”: http://youtu.be/Mc2PoZlsWao

“Spanish Key”: http://youtu.be/eXPrNmb_yms

AT THE GATES – “Slaughter Of The Soul”: la gema de Gotemburgo.

Hablar de AT THE GATES es hacerlo de una institución. Cuando Suecia estaba a la cabeza en el mundo del Death Metal europeo, se diferenciaron dos escuelas: la de Estocolmo, caracterizada por un sonido más crudo, grave y putrefacto, y la de Gotemburgo, más melódica, con mucha influencia del Thrash y la New Wave Of British Heavy Metal. Y en esta segunda escuela tres nombres brillan, dos de los cuales evolucionaron, DARK TRANQUILLITY e IN FLAMES (especialmente estos últimos, hacia un sonido más americano y moderno) y el tercero en discordia, que se pueden considerar los auténticos padres del género, se disolvieron justo en el momento en el que dieron con la fórmula mágica. Ellos fueron AT THE GATES, y la gema, el disco que marcó el punto culminante de toda la escuela de Gotemburgo fue “Slaughter Of The Soul”, tras el cual los gemelos Björler y Erlandsson por un lado y Tompa Lindberg por otro, partieron peras.

Originalmente AT THE GATES surgió de la confluencia de GROTESQUE e INFESTATION. Los primeros se orientaban hacia el Death y el Black a partes iguales, con Tompa Lindberg mostrando su lado oscuro y el genial guitarrista Alf Svensson que entró en el grupo cuando ya estaba a punto de disolverse. Los segundos se centraban en el Death de ascendencia americana, y repetía Tompa con los gemelos Björler. Cuando ambos proyectos cerraron, se abrieron las puertas del purgatorio con AT THE GATES. En principio continuistas con la propuesta de GROTESQUE (no en vano se puede encontrar toda la discografía de GROTESQUE reeditada con la primera demo de AT THE GATES, “Gardens Of Grief”, porque no hay salto estilístico grande), pero pronto Svensson introdujo un toque progresivo, complejo y al mismo tiempo melódico en las composiciones, mientras que los Björler aportaron su amor por SLAYER en el trabajo de riffs. Aparecen así los dos primeros trabajos de AT THE GATES, los más técnicos y menos accesibles, “The Red in the Sky Is Ours” y el genial “With Fear I Kiss the Burning Darkness”, donde la producción empezaba a hacer una transición.

Así, en 1993 AT THE GATES pierden a Svensson y con ello se termina de conformar el sonido de AT THE GATES, perdiendo también el toque más denso y progresivo, añadiendo más melodía y basando las estructuras en el riff entrecortado a lo SLAYER. “Terminal Spirit Disease”, mitad en estudio y mitad en directo, fue el pistoletazo y dos años después, “Slaughter Of The Soul” la culminación. Los temas se acortaban, las estructuras se simplificaban y Tompa asumía un papel casi Hardcore en actitud e inflexiones vocales, pero al mismo tiempo las melodías ganaban en protagonismo y aunque indudablemente la música se hizo más accesible y amplia de miras, en ese momento fue una “novedad” que abrió la veda para cientos de grupos que imitaron ese sonido una y otra vez. Tras una intro futurística, “Blinded By Fear” comienza sin contemplaciones, con Erlandsson como técnico rítmico, los Björler como máquinas de riffs y Martin Larsson como el encargado de redondear las melodías. “Slaughter Of The Soul” continúa con misma velocidad y principios, pero probablemente estemos ante el tema más característico del Death Melódico de Gotemburgo, ese sin el cual CARNAL FORGE por ejemplo no existiría, incluyendo una parte solista para enmarcar.

“Cold” es más variado y experimental, trayendo a colación algo del espíritu progresivo de épocas pretéritas, nuevamente con un trabajo solista excepcional, pero “Under A Serpent Sun” vuelve a los territorios iniciales, con un riff deconstruido que se queda grabado a la primera y mucho Groove pese a no ser un medio tiempo precisamente. “Into The Dead Sky” semiacústica e instrumental sirve de “interludio” para otro momento culminante, precedido de un percutor de revolver que se dispara para dar comienzo a “Suicide Nation”, una pasada en cuanto a Groove y probablemente precedente de lo que los Björler harían después en THE HAUNTED. “World Of Lies”, mantiene el cabeceo con un tiempo algo más contenido y más predominio del riff en detrimento de la melodía, “Unto Others”, sigue esta línea de cambios de ritmo aunque aquí siendo protagonista aún más Tompa con alguno de sus mejores gritos característicos (la voz ideal para el Death Metal Melódico que luego ha paseado por decenas de grupos al ser un culo de mal asiento), “Nausea” es todo lo contrario, una patada en la boca del estómago a velocidad vertiginosa, puramente Thrash y con unos riffs bajados de tono en comparación al resto que a veces hasta traen a la mente el otro lado del Atlántico. Y para terminar, “Need”, otro tema icónico del Death Melódico de Gotemburgo, con esos riffs entrecortados y melodías pegajosas y sobre todo “The Flames Of The End” otro corte instrumental para acabar de una forma extraña, con uso de atmósferas y teclados.

Cabe preguntarse si AT THE GATES habrían evolucionado más, se habrían estancado o habrían mutado en otra cosa como IN FLAMES y compañía. THE HAUNTE D partía de iguales premisas, pero desde una vestimenta más Thrash y al final ha acabado por venderse al dólar, sin embargo después de reunirse en 2007 para actuar en directo y a partir de 2010 con el objetivo de volver a ser una banda con todas las letras, AT THE GATES ha facturado este año un “At War With Reality” que aunque muchos pensaban que iba a sonar a THE HAUNTED pero con Tompa a la voz, nada más lejos, pues parace que AT THE GATES han querido seguir donde lo dejaron, en la cumbre de su sonido. En cualquier caso, “Slaughter Of The Soul” es insuperable, cortísimo pero sin relleno alguno y si alguna vez alguien me pregunta qué es el Death Melódico, le diría: “Slaughter Of The Soul”.

Video de “Blinded By Fear”: https://www.youtube.com/watch?v=nCtjAmtIGf0

“Slaughter Of The Sun”, Wacken 2008: https://www.youtube.com/watch?v=Xxk2iWxdmhw

“Suicide Nation”, Wacken 2008: https://www.youtube.com/watch?v=ZSnpcgjBVp4

BOBBY HUTCHERSON – “Dialogue”: un ejercicio conjunto.

Si cuando uno piensa en el vibráfono se le viene a la cabeza LIONEL HAMPTON como precursor y MILT JACKSON como icono, si acudimos a las tendencias más avanzadas del Jazz, el nombre que aparece es BOBBY HUTCHERSON. Después de acompañar a numerosos combos a principios de los sesenta, el músico se lanzó a su debut como líder para Blue Note, en una época en que el Jazz ya había mutado hacia el avant-garde y el Free pero aún había espacio para el clasicismo. HUTCHERSON era parte de esta coyuntura y se acompañó de un puñado de músicos que estaban en el filo del cuchillo en ese momento, aventurosos y aventurados, en pleno ejercicio conjunto pese a que BOBBY HUTCHERSON fuera el líder que diera cohesión a esta sesión perfectamente grabada por Rudy Van Gelder en abril de 1965. Freddie Hunbbard, el avanzado Sam Rivers, el armónicamente enigmático Andrew Hill, y una sección rítmica inventiva y técnica de la mano de Richard Davis y Joe Chambers, conformaban el plantel para el trabajo más complejo y denso de cuantos grabó HUTCHERSON que fueron muchos.

El único punto negativo para esta sesión era el no mostrar en ningún momento la cara compositiva de HUTCHERSON, para lo cual ya saldría un año después “Happenings”, disco completamente compuesto por el vibrafonista. En “Dialogue”, cuyo título dice mucho de lo que pretende ser, un diálogo entre músicos, las composiciones se deben a las plumas de Andrew Hill y Joe Chambers. El primero se caracteriza por temas de estructura tradicional pero tonalidad avanzada, mientras que el segundo presenta estructuras más complejas y perfectas para improvisaciones colectivas o individualidades libertarias. Para abrir boca, Hill presenta un corte de ascendencia Latin Jazz, pero desarrollo Free. “Catta” es vehículo de lucimiento para Hubbard, en un lenguaje Post-Bop perfecto para la ocasión, Rivers, fogoso y excesivo, aunque por eso mismo brillante, y el propio Hutcherson, que se contagia de los juegos armónicos de Hill investigando en los extremos de su instrumento. “Idle While” asume el papel intimista de una balada no al uso, firmada por Joe Chambers y que sirve para escuchar a Rivers con la flauta y Hubbard ensordinado, además de un buen solo de HUTCHERSON y otro no menos gratificante de Richard Davis, mientras Chambers se retuerce sin perder el Swing.

“Les Noirs Marchant” sale de la cabeza de un Hill muy marcial, recordando casi a los Jazz Messengers de Art Blakey, a golpe de fanfarria y estridencia, y mucho recoveco armónico, contrastando con el halo de misterio dejado por “Idle While”, y de nuevo con Sam Rivers en la flauta y el propio Hill adoptando un papel tumultuoso y disonante. La composición es sumamente arriesgada y totalmente colectiva, perdiendo a HUTCHERSON en su marimba mientras el resto de compañeros se marchan a otras dimensiones. Pero si hay una composición que es ejemplo de este sentimiento de conjunto, es la que da título al álbum, “Dialogue”. Durante diez minutos el corte firmado por Joe Chambers es un debate a seis entre los músicos, sin estructura aparente más que continuas ráfagas intercambiadas entre los músicos, incluyendo a un Sam Rivers que recuerda a Dolphy con el clarinete bajo. Si “Les Noirs Marchant” se aventuraba hacia el riesgo, “Dialogue” directamente se lanza al abismo sin paracaídas, siendo al mismo tiempo el tema más excitante del trabajo, el más colectivo y el más avanzado.

Para terminar la magnífica sesión, Hill firma dos composiciones algo más tradicionalistas. El Blues de “Ghetto Lights” y el Hard Bopero “Jasper”, donde el sonido de conjunto cede en favor del individualismo de intercambio de compases en un sentido tradicional, con una estructura previsible pero no por ello menos excitante. Para ser un debut, y pese a no contar con ningún tema propio, BOBBY HUTCHERSON supo rodearse de lo más fresco del momento para facturar su disco más arriesgado. Era el momento y el lugar adecuado, con la compañía necesaria para tal aventura. Ni qué decir tiene que hoy por hoy HUTCHERSON sigue siendo un referente en su instrumento y sino escuchad su último trabajo de este año 2014, “Enjoy The View”. Mientras tanto “Dialogue” queda como un conjunto de individualidades a cada cual más brillante.

“Dialogue”: http://youtu.be/9jZycoxXNgI

“Idle While”: http://youtu.be/HApGq9sttbs

ENTREVISTA A S.U.P. – “Hegemony”: un artista en constante evolución.

S.U.P. y SUPURATION, dos bandas para una misma formación, dos grupos inclasificables, dos “rara avis” de difícil definición que llevan casi veinte años editando música innovadora, futurista y, como en toda buena aventura a largo plazo, en cada capítulo con resultados igual de excitantes y cautivadores. “Hegemony” es el nuevo disco de Ludovic y los suyos y no me quise perder la oportunidad, después de algún que otro intento fallido, de ponerme en contacto con el propio Ludo para que nos hablara de estas dos décadas de amor por la ciencia ficción, la originalidad y la investigación sonora. No son muy dados a contestar entrevistas, así que disfruta de estas palabras por parte de una de las mentes más inquietas de la escena actual. ¿Hegemonía, superioridad, dominación? Simplemente la humildad de un artista en constante evolución.

Con “Hegemony”, S.U.P. y SUPURATION casi alcanzan 20 años de historia. ¿Estás contento con todos estos años? ¿Qué recuerdos guardas de tus inicios? ¿Cambiarías algo del pasado?

Estamos muy contentos en este momento. No podemos recordar todas las cosas que hemos hecho en el pasado, aunque no guardamos malos recuerdos excepto por cuatro o cinco conciertos. Creo que no cambiaría nada, estamos muy orgullosos de todo lo que hemos logrado.

En mi opinión, cada disco de S.U.P. es diferente. Puedes estar orgulloso de tener una banda impredecible, siendo muy difícil encontrar hoy en día otro grupo como vosotros. ¿Cuál es el secreto para mantenerse tan dinámico y fresco a lo largo de los años?

Intentamos grabar discos de distintas maneras en cada ocasión, no creamos copias de nosotros mismos. Cuando trabajamos en un nuevo CD, nos tomamos todo el tiempo necesario para estar seguro de que será lo más diferente posible a lo que previamente hemos hecho. No hay ningún secreto, intentamos mantener nuestro estilo desde el principio. Una cosa de la que siempre nos aseguramos es encontrar buenas historias (letras) para inspirar la música.

“Imago” fue un disco muy hipnótico: las guitarras eran predominantemente limpias y las voces recreaban atmósferas envolventes. Ahora “Hegemony” es más fuerte, las guitarras son más duras y tu voz vuelve a ser agresiva. ¿Qué queríais conseguir en este nuevo disco, qué sonido buscabais?

Queríamos grabar un disco más “básico”, más directo, incluso aunque nos tomamos mucho tiempo para grabar las voces, la música es muy simple, nada de técnica, nos concentramos en las melodías, que es lo más importante en nuestra música. Por ejemplo, en “Hegemony” no hay teclados (a excepción de un par de pasajes) en comparación con “Imago”. Nos gusta escribir música simple, pero con melodías originales.

Casi todos los discos de S.U.P. tienen una historia detrás. En “Imago” era la metamorfosis de la crisálida, reflejada a través de los efectos de una droga futurística llamada “chrysalid”. ¿Cuál es la historia de “Hegemony”? ¿Qué concepto hay detrás? ¿Os gusta mucho la ciencia ficción no?

Por supuesto nos encanta la fantasía y la ciencia ficción, especialmente en lo que refleja nuestra música y estás totalmente en lo cierto en todo lo que significa la historia que hay detrás de “Imago”. Por su parte, “Hegemony” trata acerca de unos “post” humanos llamados “neovocyts” creados por otros seres humanos. Estos “neovocyts” son seres medio vegetales, medio humanos y se alimentan de la luz y matan a sus propios padres y madres cada año en un laberinto gigante. Es una historia bastante “gore” a veces, además de que no tiene un final feliz (como en realidad todas nuestras historias).

Musicalmente “Hegemony” es muy completo. Desde la primera canción la música es como una batalla: marcial en el inicio con “March Of The Neovocyts”, uno de mis temas favoritos; hipnótica en “Death Dance”, una canción muy intensa por la tonalidad de las guitarras; y se vuelve decadente al final, en “Dissolution”, una canción muy enigmática donde las guitarras se endurecen y tu voz se vuelve más oscura. ¿Qué opinas de estos temas? ¿Tiene el disco algún nexo de unión particular entre los temas o simplemente reflejan un orden aleatorio?

Estás en lo cierto, el aura marcial de algunos temas viene unido al hecho de que los “neovocyts” son un gran ejército, por lo que queríamos escribir este tipo de canciones de guerra. De hecho, cada canción está unida con la siguiente, con lo que es mejor escuchar el disco como un todo, aunque también puedas dar saltos entre canciones si lo prefieres. Nos gustan mucho los temas de los que hablas, no nos gustan para S.U.P. las partes muy veloces y explosivas, pensamos que no es necesario, aunque quizás sí las usemos para el siguiente disco de SUPURATION, no lo sabemos de momento.

¿Qué canciones escogerías de “Hegemony” como las más representativas del disco?

Serían: “March Of The Neovocyts”, “The Far Horizons”, “Salinity” y “Dissolution”.

¿Si tuvieras que definir este disco en comparación con vuestros trabajos anteriores, cómo lo harías?

Partiendo de las reseñas del disco que he leído dentro de lo que se refiere al Metal underground, “Hegemony” parece ser el mejor disco que hemos compuesto. Disfruto con todos nuestros álbumes, pero eso es normal, no puedo ser objetivo en este aspecto.

S.U.P. y SUPURATION son dos bandas diferentes, pero casi todo el mundo mezcla los dos nombres. En vuestra opinión, ¿Realmente hay diferencias entre ellas o en esencia ambos nombres reflejan lo mismo?

SUPURATION está basado en las grabaciones de tres discos en los cuales contamos una historia: “The Cube” del 93, “Incubation” del 2003 y el próximo año seguramente grabaremos el siguiente capítulo. Después del nuevo disco de SUPURATION el grupo llegará a su fin. S.U.P. trata con distintas historias en cada ocasión, en S.U.P. somos más libres de hacer lo que queremos: samplers, teclados, programaciones, etc… Con SUPURATION practicamos un estilo diferente, un poco más Death Metal.

Seguramente habrás contestado esta pregunta muchas veces pero, ¿cuál es el significado de “Spherical Unit Provided”? ¿Una forma metafórica de definir vuestro sonido “esférico”?

Sí, podemos ver el nombre de una manera metafórica. Todo el mundo puede definirlo a su manera.

Cuando trato de definir la música de S.U.P. fracaso absolutamente, es imposible para mí describirla de una manera precisa: ¿Dark? ¿Death? ¿Doom? ¿Me podrías ayudar? Holy Records os define como Dark Cold Metal ¿Estás de acuerdo? ¿Qué significa en realidad?

Es simplemente música, no nos gusta ser comparados con otros, puedes llamarlo realmente como quieras: Dark, Cold… no nos importa mucho, de hecho también es para nosotros difícil definir nuestra música y ¡es lo que siempre hemos buscado desde nuestros inicios! Lo único seguro es que estamos ligados al estilo metálico, eso es todo. Algunos dicen que somos ¡atmosféricos!

Mucha gente considera “The Cube” el mejor disco de SUPURATION. Probablemente, es el disco más duro de vuestra carrera, y con una historia muy interesante detrás, que tuvo su continuación en la historia de “Incubation” pero, ¿cuál es tu opinión acerca del disco quince años después de su edición? ¿Lo consideras el disco más representativo del grupo? ¿Por qué grabasteis una segunda parte en “Incubation”?

En realidad “Incubation” es una “precuela” que trata de lo que ocurrió antes de “The Cube”. Este disco es un gran álbum pero éramos bastante jóvenes entonces con lo que pecamos de falta de experiencia, aunque estamos de cualquier forma orgullosos de él. El siguiente paso ahora será grabar el último álbum para finalizar la historia completa…

Me gustaría saber tu opinión acerca de estas bandas que me gustan y con las que creo que se pueden trazar paralelismos con vuestra música:

THE SISTERS OF MERCY: Mi banda favorita.

PARADISE LOST: ”Gothic” es una obra maestra.

TREPONEM PAL: Los conozco, hicimos algunos conciertos juntos, y me gustan algunas de sus canciones, pero no conozco toda su discografía…

SAMAEL: Los estuve viendo en directo hace unos dos años. Gran banda: ¡innovadora e inteligente!

He dicho THE SISTERS porque creo que te gusta mucho la música “new wave” ¿no? ¿Qué opinas acerca del estilo? ¿Qué es lo mejor que ha aportado la “new wave” en general a la música?

Melodías muy buenas y oscuras, muy inspiradas. Estoy muy metido en la música “new wave” desde hace mucho tiempo, hay muchas cosas buenas en el Metal, ero mi corazón siempre se dirige hacia la “new wave”. De todas formas puedo escuchar a THE SISTERS y después un buen disco de BOLT THROWER, por ejemplo.

Sois la banda más conocida de Holy Records. De hecho, me encanta este sello francés por sus ediciones en digipack llenas de detalles. ¿Cuál es tu opinión acerca del sello? ¿Cuál es tu banda preferida de esta discográfica?

Totalmente de acuerdo, Holy Records es una gran compañía, realmente muy artística. Me gusta lo que hizo SEPTIC FLESH en Holy Records, pero creo que luego se cambiaron a otro sello. Me gusta mucho el disco “Revolution DNA”, muy buen artwork y muy buenos músicos…

He leído que la versión especial de “Hegemony” viene con un DVD extra en directo ¿Es cierto? ¿Dónde lo grabasteis y quién tuvo la idea?

Lo grabamos durante la gira de “Imago”, en el Zenith Arena de Francia, cuando fuimos invitados a un concierto de WITHIN TEMPTATION. Hicimos el DVD nosotros mismos y el resultado fue bueno, con lo que Holy Records decidió incluirlo en la edición especial de “Hegemony”. Pensamos que sería una buena idea.

En unión a la pregunta anterior, no he podido asistir a ningún concierto de S.U.P., sólo he podido ver el DVD de Holy Records Party y fue fantástico. Usáis muchos efectos de luz, vídeos, efectos especiales… ¿Es la imagen muy importante en S.U.P.? ¿Cómo es un concierto vuestro? Descríbelo para alguien que no haya visto nunca a S.U.P.

Queremos presentar algo diferente cada vez. Hace tres años incluíamos algunos vídeos, bastante duros en ocasiones para la gente joven. Cada vídeo está relacionado con la canción que tocamos. La imagen es muy importante para nosotros, por supuesto, pero creo que es algo básico para todos los grupos salvo para las bandas de Hardcore más extremo, lo cual ¡también está muy bien! Todas las bandas deben de escoger lo que quieren hacer, eso es el estilo underground. Puedes ver algunos vídeos nuestros en youtube o dayly motion, si quieres descubrir un poco más acerca de nuestra manera de ver las cosas.

¿Tenéis planes de gira en el futuro?¿Vendréis a España?

No lo sabemos de momento. Fuimos a España hace unos años con THE GATHERING y ¡fue una buena experiencia! Por el momento estoy muy centrado en el nuevo disco de SUPURATION, aunque haremos algún que otro concierto para “Hegemony” durante el 2009. Ya veremos. Aunque una cosa es segura, preferimos trabajar en el estudio que girar…

Francia es uno de los países más interesantes dentro del Metal, especialmente dentro del Avantgarde. ¿Qué opinas? ¿Qué tal está la escena en Francia? ¿Tienes alguna banda favorita?

Hay muchas bandas muy buenas e innovadoras aquí desde hace unos pocos años, las cosas parece que han cambiado, hay muchas bandas profesionales. Me gustan mucho THE OLD DEAD TREE, pero ¡son tan numerosas las bandas que podría citar!

Muchas gracias Ludovic por tus respuestas. Ha sido todo un honor para mí preparar esta entrevista, de verdad. Si quieres añadir cualquier cosa para nuestros lectores, ¡este es el momento!

Muchas gracias a todos los lectores y fans del Metal del mundo: Sed abiertos de mente, no sigáis modas, sed vosotros mismos y disfrutar todos los estilos de música que nos envuelven.

Entrevista efectuada por: Raúl Ureña

“March of The Neovocyts”: https://www.youtube.com/watch?v=6_er7hkT310

“The Far Horizons”: https://www.youtube.com/watch?v=TwuZiObJleU

(Entrevista publicada también en: http://www.xtreemmusic.com)

ESTRELLA MORENTE & NIÑO JOSELE – “Amar En Paz”: Unión de dos mundos

Con ESTRELLA tengo un problema. No soy objetivo. La hija del gran ENRIQUE MORENTE que en paz descanse, es un amor platónico personal, un ideal artístico y humano que en directo y en disco me envuelve y me extasía hasta perder la noción del tiempo y del espacio. La recuerdo interpretando bulerías, tangos y fandangos que me hacían llorar de alegría, recuperando un “Amor Brujo” de belleza indescriptible en el Auditorio Nacional de Madrid, recreando a NINA SIMONE cantando en francés en un disco homenaje a la mujer… No soy objetivo. Y encima su belleza atrapa, su voz te hace soñar despierto y su mirada hechiza. Insisto, no soy objetivo. Por otro lado se prodiga poco, compagina su labor de artista, con su papel de madre, tratando de que lo uno no quite espacio a lo otro, por lo que cualquier nuevo lanzamiento por parte de ESTRELLA es todo un acontecimiento. Ya necesitábamos algo nuevo y aquí está: “Amar En Paz”, un proyecto arriesgado pero exquisito, una comunión perfecta entre la música brasileña y el Flamenco, un rato de intimidad compartida entre ESTRELLA, el no menos importante NIÑO JOSELE (el disco es un proyecto mutuo) y la cabeza pensante de Fernando Trueba como maquinador de este trabajo que está entre lo mejor del año.

El encuentro entre ESTRELLA MORENTE y NIÑO JOSELE con la música brasileña de fondo no es la primera vez que se produce. Ya Trueba lo consiguió en “Paz”, disco bajo la exclusiva firma de JOSELE en el que rendía homenaje flamenco al Jazz de BILL EVANS. En ese trabajo se recogía “Minha”, tema original Francis Hime en el que ESTRELLA era la invitada de lujo. Trueba se quedó enamorado del resultado y desde entonces no ha cesado de rondar la idea que da origen a “Amar En Paz”. El proyecto estaba claro: ellos dos, solos, desnudos, con un puñado de canciones brasileñas, convenientemente traducidas y adaptadas. Temas de Vinicius de Moraes, Antonio Carlos Jobim, Luiz Bonfá, Ary Barroso, Dolores Duran, Pinxinguinha, Milton Nascimento… por donde ESTRELLA MORENTE se pasea como si fueran coplas flamencas y NIÑO JOSELE adapta al lenguaje flamenco sin perder ese toque tropical en el pizzicato de la guitarra. No son pioneros en este tipo de mezclas, otra de las grandes en mi lista, CLARA MONTES, ya hizo lo propio entre la Copla, el Flamenco y el Fado portugués. Bien es cierto que el Fado es mucho más afín a la jondura flamenca que la Bossa Nova, pero en el fondo la idea puede considerarse similar.

“Amar En Paz” destaca por una característica: la impresión de ser el invitado de excepción en una reunión íntima y ajena al bullicio. ESTRELLA MORENTE y NIÑO JOSELE dan la impresión de estar en el salón de su casa, disfrutando alrededor de un fuego cálido, en un ambiente acogedor, de un puñado de canciones que parecen suyas desde que se concibieron. De hecho me gustaría pensar que los arreglos de “Amar En Paz” son más fruto del momento y la improvisación que de un trabajo muy sesudo e intenso. La homogeneidad final del disco da esa impresión y la capacidad de ESTRELLA MORENTE de despojar a los temas de su tropicalidad y añadirles profundidad y sentimiento flamenco, y de NIÑO JOSELE de timbrear en su guitarra como si de un Jobim se tratase, hacen el resto. Abren con “Mañana de Carnaval” de Bonfá, pero bien podían haber abierto con cualquier otra, que la sensación de violar la intimidad de dos buenos amigos en soledad la vamos a tener desde el principio, sensación incrementada por el tarareo inicial de ESTRELLA en el tema. Siguen con “Amor En Paz”, de Vinicius de Moraes, honda y amarga, casi tanto como “Amargura”, un corte de delicadeza infinita y lágrimas a punto de salir de nuestros ojos, donde NIÑO JOSELE da a su guitarra un toque mucho más flamenco que lo habitual en el resto del disco.

Como escaparate escogen con tino “Baile del desamor” de Paulinho da Viola, con más ritmo que el resto del trabajo y mayor colorismo, ideal para mostrar las bondades de “Amar En Paz” en un ambiente más amable y accesible. De hecho será el único momento en el que nuestros pies tenderán a seguir el compás, pues en el resto del trabajo estaremos embebidos de la magia y la hondura del sentimiento de ESTRELLA y JOSELE, como en “Labios que Besé”, de Álvaro Nunes, donde la voz de ESTRELLA casi se rompe por momentos, en una letra coplera auténtica. Al gusto inmaculado en la selección del repertorio, la interpretación íntima y personal y el sonido cálido y cercano, hay que añadir un diseño cuidado, en formato vinilo de siete pulgadas, ideado por Mariscal, dando como resultado una de las mejores obras del 2014 que está llegando a su fin. Una unión de dos mundos musicales que parecen haber nacido para mezclarse y dar como resultado un amor en paz.

Baile del desamor: https://www.youtube.com/watch?v=POkhtK9fcEo

Amar en paz: https://www.youtube.com/watch?v=-xIPeOWt4OY

Labios que besé: https://www.youtube.com/watch?v=bFeBzhQw4NM

DJ TIËSTO – “In My Memory”: el paradigma del Trance.

Dentro de la música electrónica cada escuela y cada género tiene sus seguidores y adalides particulares. Y curiosamente también el elemento geográfico tiene mucho que ver. Así, si nos centramos en el Trance aunque su origen lo encontramos en Alemania y otras zonas como el Reino Unido lo han extendido, tiene su epicentro en los Paises Bajos, donde la lista de DJ es interminable, pero probablemente sea DJ TIËSTO uno de los más veteranos sino el pionero, dando alas a otros como ARMIN VAN BUUREN o DASH BERLIN. La fórmula era más o menos sencilla: tendiendo hacia el progresivo, se desarrollan estructuras de intensidad creciente y con melodías muy asimilables, algún que otro toque ambiental y temas con colaboraciones vocales que se meten de lleno en el Pop. El problema de esta fórmula es que cada vez ha ido perdiendo más su parte progresiva y ha ido ganando más su parte Pop, hasta el punto de que el propio DJ TIËSTO se ha quitado el DJ de su nombre y actualmente es más un productor Pop que un creador de atmósferas y estados de trance electrónico.

Afortunadamente no es el caso de “In My Memory”, que se puede considerar el paradigma del Trance surgido de los Países Bajos en esta época. A través de este disco DJ TIËSTO se extiende a placer en sus viajes mágicos, en donde los beats son un elemento más y hay mucha atmósfera y mucho ambiente envolvente que crece en detallismo por momentos. También hay singles de corte Pop, siendo el más llamativo “Close To You”, con la voz de Jan Johnston o sobre todo el corte título del disco, “In My Memory”, donde el trasfondo más bailable se pone al servicio de una cándida Nicola Hitchcock de la banda de Trip Hop británica MANDALAY, así como el tercero en discordia, “Battleship Grey”, con la voz de  Kirsty Hawkshaw en uno de los cortes más oscuros y pausados pese a no ser instrumental. No obstante el grueso del disco son los largos desarrollos instrumentales de los que solo “Dallas 4PM” alternó con los cortes vocales como single. Para empezar un corte de once minutos como “Magik Journey” con partes orquestales y una tensión dramática perfectamente llevada por los loops y los beats de TIËSTO, dice mucho de lo que es este disco.

Además DJ TIËSTO no se centra solo en lo que se puede definir como Trance de libro. A lo largo del trabajo el DJ toquetea por fronteras afines como el Jungle y el Drum ‘n’ Bass de “Obsession”, producido junto a  Junkie XL o el Acid House y Techno de “Flight 643” que posteriormente se adaptó a la voz de Suzanne Palmer para dar pie a “643 (Love's on Fire)”. Temas que pueden ser remezclados de mil formas y que tienen su mejor exponente en la pista. “Lethal Industry”, algo más corto, tiene alguno de los mejores breaks del trabajo así como la típica línea melódica sintetizada que se queda a la primera, al igual que ocurre con “Suburban Train”, que se puede considerar la otra cara de la moneda de “Magik Journey”, corte de más de diez minutos que se va desarrollando de manera progresiva, un poco a contratiempo al principio y que sin darnos cuenta nos envuelve en pleno trance musical (también tuvo su versión vocal con  Kirsty Hawkshaw retitulándose como “Urban Train”) que en directo le ha servido a TIËSTO para medirse ante su pupilo ARMIN VAN BUUREN.

Como siempre ocurre en este tipo de producciones, “In My Memory” se sirve solo o acompañado. El acompañamiento es el correspondiente disco de remezclas que se puede conseguir en la edición de lujo del trabajo como bonus. El tema más recurrente en este acompañamiento es la versión vocal de “Flight 643”, tanto la original retitulada como “643 (Love's on Fire)”, como diversas remezclas. Sin embargo la que más me gusta es la remezcla del “In My Memory” por V-One, que mantiene el intimismo y el toque cándido de la original, pero le añade la progresividad del Trance. Para gustos los colores. En cualquier caso y volviendo a la obra principal, “In My Memory” se puede considerar un paradigma, un punto de partida y un punto y aparte para un artista, DJ TIËSTO y para un género el Trance con epicentro en los Países Bajos. Posteriormente el alumno superó al maestro y ARMIN VAN BUUREN se convirtió en el líder de la escena, pero tanto maestro como alumno han ido cayendo en la misma evolución dando el brazo a torcer hacia el Dance-Pop, dejando los viajes en trance para otros momentos… Una pena.

INQUISITION – “Ominous Doctrines of the Perpetual Mystical Macrocosm”: Misticismo disonante

Sudámerica es cuna del Metal: sus aficiones destacan por pasión y devoción hacia las bandas y en el ámbito del Metal Extremo más aún. Sin embargo, fuera de sus territorios es difícil encontrar bandas más allá de las de siempre: SARCOFAGO, SEPULTURA, KRISIUN, RATA BLANCA o ANGRA por poner ejemplos que además provienen todos del mismo país, Brasil, a excepción de los argentinos RATA BLANCA. Pero hay más, muchas más bandas. Algunas como DISGORGE, ANDRALLS, REINO ERMITAÑO, POEMA ARCANUS… han conseguido cierto status, pero para la gran base musical y territorial que poseen, los ejemplos son escasos. Y quizás otro ejemplo que paso a paso después de 25 años de historia ha logrado abrirse paso sean los colombianos INQUISITION. Empezando dentro de las líneas divisorias del Thrash y avanzando hacia el Black de herencia noruega, el grupo ha ascendido exponencialmente en calidad musical, sonido, medios y público. Y quizás “Ominous Doctrines Of The Perpetual Mystical Macrocosm” sea la culminación de esta evolución.

Se les achaca ser una copia de IMMORTAL, pero no es verdad. Dagon tiene una voz muy parecida a la de Abbath en sus tiempos mozos, pero musicalmente INQUISITION han ido desvinculándose del Black noruego de libro a lo IMMORTAL, MAYHEM, BURZUM, EMPEROR, SATYRICON o los primeros ENSLAVED. Las estructuras se han ido haciendo más complejas, las armonías más trabajadas y los ambientes más obsesivos y opresivos. El aura fría y maligna del “inner circle” sigue presente, sobre todo en los momentos más veloces (como ocurre en “Cosmic Invocation Rites” o “Upon the Fire Winged Demon” por poner un par de ejemplos), pero las guitarras beben más de la disonancia y la libertad atonal de grupos como DEATHSPELL OMEGA o BLUT AUS NORD. Además la afinanción y el uso del doble bombo, así como la producción rítmica, tiene mucha influencia del Death, sin llegar a los niveles de IMMORTAL en su segunda fase de vida, pero ampliando la paleta de colores ofrecida por el dúo colombiano de Dagon e Incubus. Con todos estos ingredientes INQUISITION logra crear y recrear, ofrecer texturas enigmáticas que enganchan rítmicamente y envuelven armónicamente.

El macrocosmo místico de INQUISITION se teje poco a poco, combinando asaltos fríos, ritmos contenidos, Groove y Doom a partes iguales. El corte de apertura, “Astral Path to Supreme Majesties” muy representativo, con cambios de ritmo y de tonalidad que se desarrollan de forma natural y sin perder “el norte”. Ayuda mucho la producción, que parece aséptica inicialmente, incluso algo hermética, pero que ayuda a crear una sensación opresiva que está presente en todo el trabajo, además de ayudar a la particular voz de Dagon para sonar lo suficientemente clara y acorde con la música, sin quedar sepultada entre los riffs o tener un protagonismo excesivo. Los cortes no son largos, no yéndose mucho más allá de los 4 minutos, pero no por ello INQUISTION repiten ideas o estructuras, logran más bien dotar al trabajo de sensación de conjunto, conjugando melodías y cambios rítmicos en un fluir constante. Es el tema título, “Ominous Doctrines of the Perpetual Mystical Macrocosm”, el más largo y a su vez el más envolvente el que sirve de punto de inflexión, llegando las guitarras a cotas de disonancia y misticismo insuperables.

Con posterioridad INQUISITION darían continuidad a esta evolución ascendente con “Obscure Verses for the Multiverse”, su último trabajo que sigue la línea de “Ominous Doctrines Of the Perpetual Mystical Macrocosmos”, aunque de una forma algo más cruda y directa. Para mi gusto son una de las bandas de Black “clásico” más interesantes del panorama actual, y poco a poco su sonido es tan propio como respetuoso con la tradición y el origen noruego del estilo. Este disco es la prueba de esta afirmación.

“Astral Path To Supreme Majesties” en directo: https://www.youtube.com/watch?v=OBTbVQmCQGA

“Upon the Fire Winged Demon”: https://www.youtube.com/watch?v=1KjhAwKejSk

GRAVE MIASMA - "Exalted Emanation": Oscuridades luciferinas

¿Cuándo se considera álbum y cuándo Mini? Alguna vez he asistido a debates rellena tiempos vacíos como estos, y la verdad es que, las fronteras son difusas: ¿un número inferior de temas, menos de 8 pongamos? Difícilmente se podría considerar entonces algún que otro disco de Doom como completo, y ya no digamos cosas como el “Light Of Day, Day Of Darkness”” de GREEN CARNATION con un sólo tema. ¿Menos de una duración determinada, media hora por ejemplo? Difícilmente entrarían ciertos discos de Hardcore, Punk, Crust, Grind… Todo esto viene a cuento de que “Exalted Emanation”, con sus 5 composiciones completas y 2 interludios, es considerado por GRAVE MIASMA, con el que debuta (previamente se llamaban GOAT MOLESTOR y ya atesoraban varios lanzamientos), como un MCD, pero como discusiones de este tipo no llevan a ningún sitio: ¿qué contienen los 35 minutos que dura?

¿Te suena INCANTATION? ¿Derivados en intensidad como NECROS CHRISTOS, DEAD CONGREGATION, MELEKTAUS o con más solera SADISTIC INTENT y THE CHASM? Pues más o menos tendrás una idea de lo que hace GRAVE MIASMA, con una novedad: vienen del Reino Unido, país de momento no muy representado en estas lides, lo cual le proporciona cierto bagaje añadido en los momentos más salvajes. Y no novedad, pero sí punto extra: los temas no sólo tiran de intensidad y se aprecian melodías de onda totalmente finlandesa que puede que gusten a amantes de DEMIGOD, FUNEBRE, DEMILICH y similares. El resultado son 35 minutos de densidad y cabeceo, de susurros mortuorios y de pesadez rítmica, quebradiza e incesante al mismo tiempo, sepultada en un sonido de atrocidad humana y todos los epítetos que queráis añadir.

En el terreno personal GRAVE MIASMA cuenta con dos puntos fuertes: “Bestial Aggressor of Morbid Invocations” (no hay que preguntar si conocen a NECROS CHRISTOS…), es decir, el alias de su guitarrista, no se limita a llenar de cuerpo y densidad los temas, sino que, además de minimalistas y gélidos solos, envuelve cada atmósfera en detalles que no suelen apreciarse en estos grupos: disonancias, melodías que pasan de puntillas, cambios de tonalidad… En definitiva, aunque los temas, largos en extensión y compactos en estructura, pecan de inmovilistas, este hombre sabe darles un toque personal. El otro punto fuerte es “C.C.O.T.N” (a saber a qué hacen referencia las siglas), que además de apoyar la labor de Aggressor en las guitarras, tiene una voz sepulcral me recuerda a los mejores tiempos de Daniel Corchado, y claro, bebe mucho de NECROS CHRISTOS. Puramente mortuoria, aspirada y cargada de efecto eco.

Compositivamente hablando, “Exalted Emanation” es mejor disco de conjunto, que unión de individualidades. Aún así, “Arisen through the Grave Miasma”, elegida como apertura y dada su tonalidad más clara, se convierte en una de las más agresivas, sobre todo debido a sus ritmos más salvajes, y en el otro lado de la balanza, “Kussa’u Tibtihu” se torna mucho más oscura, más pétrea, más densa si cabe, además de ser la más extensa del trabajo y el cierre del mismo. Entre medias, otras tres odas funerarias que no cesan en su empeño de dejarnos con sensación de hielo en nuestras venas. Sin hacer nada que no se sepa, GRAVE MIASMA es un conjunto interesante y muy recomendado para amantes de las oscuridades luciferinas.

“Gnosis of the Summon” en directo: https://www.youtube.com/watch?v=C83_Tm2nD8Y

(Crítica publicada también en: http://www.xtreemmusic.com)

PIG DESTROYER - "Terrifyer": Crudeza y sencillez sonora sin adornos

SCOTT HULL es un guitarrista inquieto. Además de ser informático del Gobierno de EE.UU, el músico se ha puesto al servicio de engendros tan anti-sistema y anti-humanos como ANAL CUNT o AGORAPHOBIC NOSEBLEED, dos de los grupos más complicados de que le gusten a alguien y que más repulsión sonora generan, en especial el primero de los citados con el inefable SETH PUTNAM al frente, que en paz descanse. Pero su engendro más particular es PIG DESTROYER, donde recoge las enseñanzas de los citados y las lleva hacia terrenos más accesibles pero no por ello menos crudos y amables con el oyente. Con cambios de formación diversos y cogiendo como base el Grind y el Hardcore, HULL desarrolló en PIG DESTROYER obras que se centran en su guitarra como base de todo, partiendo de las microestructuras propias del Grindcore y con temática repulsiva para no variar. Desde su creación llevan sólo cinco discos completos y aunque todo el mundo considera “Prowler In the Yard” su mejor y también más arquetípico disco, me quedo de momento con “Terrifyer”.

En “Terrifyer” HULL acude en formato trío tan desnudo como excitante: solo las voces nerviosas y dobladas en dos tonos de JR. HAYES, marca de la casa y la batería cambiante y acelerada de BRIAN  HARVEY. El resto son riffs de guitarra, disnonantes, desestructurados, sin apoyo armónico de ningún tipo (no hay bajo, no hay segunda guitarra, no hay nada más que HULL solo ante el peligro, además sin capas de sobreproducción, su guitarra en dos canales y ya está). Esto genera sensación de ir por la cuerda floja muchas veces, como si cualquier error por parte de Harvey o del propio Hull quedara registrado sin remedio. Sólo en los escasos solos que posee el trabajo en sus cortes más amplios como “Towering Flesh”, las guitarras se doblan y tienen un poco más de cuerpo. La producción es, además, deliberadamente sucia, no porque sí, no inaudible, pero sí natural, sin importar si la disonancia fue excesiva o el break se salió de volumen. En este sentido “Terrifyer” me recuerda mucho a los últimos trabajos de BRUTAL TRUTH: alocado, caótico y lleno de cambios, pero audible, cosa de la que a veces BRUTAL TRUTH se olvidaba.

El trabajo consta de dos partes: la primera, es la más puramente PIG DESTROYER: 21 temas para 32 minutos de música, con cortes que raramente pasan del minuto y sin prácticamente efectos ni rellenos (algún que otro sampler, como en “Gravedancer” y poco más). Todo a piñón, combinando la velocidad desmedida, con el Groove y algún que otro ritmo Thrashy (como el citado “Gravedancer” o “Sourheart”). La voz de Hayes, ya esté doblada o distorsionada, se acaba metiendo en el cerebro a fuego, mientras la locura se desata con Hull y Harvey en cada corte. La segunda parte tiene su historia: en principio era un “bonus” para la edición limitada de “Terrifyer”, en forma de DVD de audio. Pero al final se convirtió en un EP con vida propia tres años después, “Natasha”. Supone un solo tema de algo más de 35 minutos que cambia totalmente el tercio de la primera parte. Esto es música Doom y ambiental a partes iguales. Obsesiva y opresiva, cargada de distorsión y de electricidad. Pesada y disonante. Etérea y fantasmal. Me recuerda a NAKED CITY, que también investigó en ambas ramas de la música extrema. Lo que iba a ser una anécdota experimental acabó por ser otro lanzamiento más complementario a “Terrifyer” en sentido estricto.

PIG DESTROYER es crudeza y sencillez sonora sin más adornos, sin arreglos innecesarios, sin efectos que distraigan la atención de lo esencial: las entrañas de la música del trío. Obviamente, al carecer de adornos, el estómago del oyente necesitará cierta preparación o un antiácido posterior, pero si consigue comulgar con la propuesta, acabará volviéndose tan loco como el propio grupo.

Vídeo oficial de “Gravedancer”: https://www.youtube.com/watch?v=GvjGipvKaF0

Un par de temas de “Terrifyer”:

https://www.youtube.com/watch?v=xOnKwFQCPQg

https://www.youtube.com/watch?v=cPSY_Gd3iI0

“Natasha”: https://www.youtube.com/watch?v=YRR-9ZA6vwg