Escaparse de la masa es difícil. Incluso aunque uno quiera y crea firmemente en otras cosas más allá de lo común, eso mismo es tratado como "común". Aunque sea simplemente un ruido en una ecuación econométrica que predice el comportamiento comercial del consumidor medio. Al final pocos pueden llegar a ser como el Salvaje de "Un Mundo Feliz" e incluso él acabó por sucumbir a lo común y no soportando su propia incoherencia acaba con su vida. Dejando a un lado la utopía apocalíptica de Huxley, el ser humano es un ser social y cuando esto es utilizado por el capital, lo dirige hacia la ausencia de individualismo. Escapar de la masa es ser coherente con uno mismo, y eso es lo que trata de reflejar el cuarteto catalán SYBERIA en su nuevo disco, "Seeds Of Change", que a la postre les supone el debut en una gran compañía como es Metal Blade. Curioso cuanto menos, esta aparente contradicción con su propio mensaje, aunque motivo de alegría porque calidad tienen y mucha.
El post rock y post metal (y todo aquello que le añades post delante y queda muy "cool") tiene bastantes acólitos en este trozo de tierra debajo de los Pirineos, y no es para menos. Bandas como TOUNDRA, EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO, LE TEMPS DU LOUP, JARDIN DE LA CROIX, URSA, HUMO... son ejemplos muy buenos de lo que es esta tendencia musical que parte de MOGWAI, PELICAN, RUSSIAN CIRCLES y demás. En todos estos grupos la ausencia de letras da un mayor impresionismo a la epicidad de la música, a la densidad rítmica y a la estructura. Es la clave y ya tengas una raíz más metálica o más rockera, trufes tu música de efectos y detalles psicodélicos o de distorsión y te dejes llevar por estructuras más largas, o te centres en lo esencial, todos estos grupos tienen la capacidad de atrapar y contar historias sin necesidad de decir ni una sola palabra. La música habla por sí misma. Y eso hace, y lo hace de manera sobresaliente, SYBERIA en "Seeds Of Change".
La portada es claramente alusiva a lo que el disco quiere reflejar conceptual y musicalmente. Plantar la semilla del cambio y dejar atrás todo lo que te anula tu propia personalidad para avanzar hacia delante en busca de un camino propio. La masa persiguiéndote puede ser tomada como un acicate para avanzar más lejos, o como un signo evidente de que todos quieren diferenciarse pero la comodidad del anonimato supone un freno. Al mismo tiempo, esta huida lo es de los propios temores, de la propia apatía. No mirar atrás y seguir aunque caigas o te equivoques es lo que te garantizará llegar a la meta, sin importar el tiempo que inviertas en ello. Es una carrera de fondo. Y esto lo reflejan muy bien y muy claro SYBERIA en este disco a lo largo de todas las texturas y atmósferas recreadas en los más de cincuenta minutos que dura el trabajo (en su versión en CD, diez minutos menos si descontamos el epílogo de "Shigir", en su versión vinilo).
Salir de la opresión, enfrentarse a la ignorancia, caer y volver a levantarse, dejar atrás deidades e ídolos para creer en uno mismo... son conceptos que SYBERIA recorre y a los que pone banda sonora con una intensidad variable y creciente por momentos. De hecho "Seeds of Change" es un ejemplo de disco conformado como conjunto de canciones, pero sobre todo como obra totalística. Escucharlo de principio a fin sin pausas es un ejemplo de viaje musical y de historia conceptual al mismo tiempo. Desde la energía y rabiosa fuerza de "Empire of Oppression" hasta la delicadeza y el optimismo envolvente de la propia "Seeds Of Change", añadiendo la épica progresiva y ambiental de "Shigir" en la versión CD, el trabajo deriva por piezas de todo tipo que muestran altos y bajos de la búsqueda del camino propio.
En el camino, apoyados por un sonido natural y lejos de contundencias gratuitas, SYBERIA va tejiendo un trasfondo muy emotivo y rico en matices con aires psicodélicos unas veces, más fríos y elevados otras (muy SIGUR ROS algunos pasajes). Los punteos de "Rogue Hunt", que pueden recordar un poco a las partes instrumentales de TOOL, las síncopas y ambientes pinkfloydianos de "Beirut", la densidad y el poderío rítmico de "After The Uprising", los continuos contrastes (que permiten dejar al descubierto una línea de bajo fantástica) de "Daring Ignorance"... todo son detalles que puestos en orden y escuchados de seguido confluyen en un viaje que atrapa y del que no querrás salir.
Un faro en medio de la nada, una cabaña en el círculo polar, un rincón en una biblioteca... en el fondo todos son recovecos para encontrarse a uno mismo. SYBERIA muestra un camino para ello en "Seeds Of Change" y mientras lo relatan uno realmente consigue desconectar de todo. Aunque sea durante casi una hora, SYBERIA nos hace ver que el resto no importa, sólo dejarse llevar y no mirar atrás.
¡Qué
agobio! Es la sensación que te queda tras una primera escucha de “The Ritual
Fires Of Abandonment”, tercer disco de los americanos MINSK. Una unión de
minimalismos musicales, riqueza en matices y detalles que se descubren tras
innumerables escuchas y dramatismo, profundidad, claustrofobia, hasta el punto
de que la audición completa del trabajo se hace agotadora.
Partiendo
de los cánones tradicionales del Doom y llevándolo al terreno americano del
Sludge, MINSK lleva a cabo una propuesta agónica que, a pesar de su dificultad
de escucha, consigue su efecto de transportar al oyente a otro mundo, llevarlo
en un viaje lleno de elementos de muchas culturas (percusiones, saxofones de
aire oriental, guitarras arábigas...) con una libertad de formas asombrosa. La
banda no duda en alargar las estructuras para conseguir que el dramatismo sea
aún más profundo y que el oyente pueda ser hipnotizado, atraído por la cantidad
de estimulantes combinaciones de ritmos, voces y atmósferas, que mezclan lo
sutil con lo desgarrado. Una sabia mezcla de elementos que recordarán a
NEUROSIS (cómo no), ISIS, PELICAN (algunos riffs llegan a su esquizofrenia)...
pero que se conjugan con maestría, con un toque personal y único que hace
difícil encasillar la música de esta banda.
El
sonido es perfecto. Todos los efectos que rodean la música de MINSK, incluso
los acústicos, se integran a las mil maravillas sin que unos se tapen con otros
y sin que ningún miembro del grupo destaque como protagonista sobre el resto.
El problema viene con la propuesta general del grupo, la cual, digámoslo desde
el principio, no es apta para todos los oídos. Hay que estar muy predispuesto y
concentrarse absolutamente en lo que sale de nuestros altavoces para poder
disfrutar, de lo contrario, “The Ritual Fires Of Abandonment” pasará sin pena
ni gloria ante nuestros oídos. Una vez que se consigue entrar de lleno en la
magia de la música del grupo, la hora de duración del disco se convertirá en un
largo viaje, estimulante e interesante, que te dejará exhausto, pero si no
consigues traspasar la barrera inicial, probablemente dejarás que el disco
acumule polvo en tu discoteca, pues se te hará ardua la escucha, máxime si
tenemos en cuenta que no hay cortes entre tema y tema, con lo que se puede considerar
este trabajo como una obra de conjunto.
Las
composiciones del grupo, vistas desde un aspecto global, como de hecho debe
verse este extenso trabajo, se forman por complejas tramas de elementos muchas
veces antagónicos entre sí, y por qué no decirlo, con un espíritu psicodélico
que está presente en todos los rincones. Todo se ve envuelto de un gran número
de efectos y juegos de sintetizadores que contribuyen a la sensación de agobio
general del disco, y son las guitarras, sutiles en la mayoría de las ocasiones
las que irán conduciendo nuestros oídos a lo largo de este viaje. La voz se
vuelve muchas veces un mero susurro, un aliento que se clava en el cerebro y
que a veces me recuerda a las voces que meten TOOL en sus partes más
hipnóticas, aunque esta referencia sea distante en el resto de elementos de
MINSK, que se mueve dentro de otros derroteros. De vez en cuando, la tensión
acumulada en largas introducciones en donde la única variación se basa en la
unión de nuevos matices (un teclado, un efecto, un nuevo punteo...), se ve
desatada en forma de explosiones de fuerza donde las guitarras se distorsionan
y se llenan de rabia. Es en estos momentos en donde, si has conseguido dejarte
llevar por la música, el oyente puede llegar al éxtasis absoluto.
Desde
mi punto de vista, merece la pena hacer el esfuerzo, y aunque cuesta meterse en
el planteamiento del grupo, la sensación que te deja tras su escucha es muy
buena. Tienes la impresión de haber visto una película en tu imaginación, una
historia gris y agónica, pero muy estimulante si dejamos volar nuestra mente.
Temas de casi un cuarto de hora en muchos casos nos ayudarán a vernos envueltos
en este mundo de paisajes y texturas que recorre el disco, pero también
contribuirán a la dificultad de adentrarnos en el mundo musical de MINSK. Ya
“Ember”, tema de casi catorce minutos de absoluta atmósfera y claustrofobia nos
pone sobre aviso de todo lo que vendrá a continuación. Las guitarras son
predominantemente densas y llenas de matices, sólo en ocasiones, potentes
guitarrazos nos despertarán del viaje, mientras las voces de Tim Mead y sus
compañeros nos adentrarán aún más en la citada claustrofobia. La otra cara de
este disco viene de la mano de “White Wings”, donde el grupo adopta un aire
mucho más contundente y menos atmosférico, tomando un mayor protagonismo las
guitarras y los riffs pesados y de ascendencia Doom. Los elementos atmosféricos
siguen presentes, y la riqueza de matices en forma de detalles, melodías,
efectos de producción en las voces, pero todo se ve envuelto en un ambiente
mucho más directo e inmediato. Este tema en especial se convierte en uno de los
más duros del disco, con Mead vocerando a grito pelado, y soltando una tensión
acumulada en “Ember” que de alguna manera debía de salir.
“Mescaline
Sunrise”, a pesar de su corta duración (casi cinco minutos de todas formas),
volverá a devolvernos a las guitarras atmosféricas y los pasajes coloristas,
convirtiéndose en un preludio (al igual que lo será “Circle Of Ashes” con respecto
al último corte del disco) al mejor tema para mi gusto de todo el plástico,
“The Orphans Of Piety”. Nuevamente una larga introducción nos va metiendo de
manera creciente en un tema lleno de detalles, que gana con cada nueva escucha,
y donde las guitarras pasan por todos los matices que te puedas imaginar. A lo
largo del cuarto de hora que dura el tema, pasaremos por distintos estados de
ánimo, desde la paz inicial, pasando por la agonía y la rabia controlada de que
estallará en momentos puntuales, la locura y la rabia y un largo conjunto de
sensaciones muchas veces encontradas entre sí. En este tema hace aparición un
nuevo elemento que ayudará a aumentar la paleta de colores desplegada por
MINSK: un estimulante saxo, que volverá a hacerse presente en el nuevamente
extenso “Ceremony Ek Stasis”, un tema más emotivo, con lejanas influencias
orientales y que sirve para cerrar el disco con una sensación de cansancio,
pero también de haber asistido a un acontecimiento lleno de emociones de todo
tipo.
Un
largo y apasionante viaje, aunque con el problema de todos los viajes: que
acabas agotado. En tus manos está que este agotamiento haya sido gratificado
con la gran cantidad de buenas ideas que MINSK ofrece, pero ya aviso que no
será fácil, y que es probable que la impresión sobre este disco varíe según el
estado de ánimo con que lo afrontes. Muy recomendable para aquellos que no
padezcan dificultades para hacer frente a digestiones musicales pesadas.
"Triste" supone el
debut de una banda madrileña recién salida del horno musical, con muchas ganas
de entrar por la puerta grande y dar un soplo de aire fresco a la escena
española, y en verdad es motivo de alegría ver que el panorama español es capaz
de dar frutos distintos de las tendencias más populares en este país. En global se puede decir que han
conseguido llegar lejos, pero...
Me explico, DEIDRE, musicalmente
hablando son impecables. Un compendio de muchas influencias de todos los tipos:
TOOL, DEADSOUL TRIBE, TIAMAT en su etapa más gótica, y desde un punto de vista
más nacional, SÔBER. Mezcla de Metal contundente con pasajes de ambiente gótico
y un sonido bello, sensacional que transmite mucha fuerza y sutileza a partes
iguales. Desde luego, muchas bandas nuevas deberían aprender del sonido de
DEIDRE.
Y viene el pero. La voz. Fernando
Galindo tiene una voz profunda, pero en lugar de tratar de cantar de forma
natural, sin forzar la situación, dota a su voz de una teatralidad
sobreactuada. Es como si cogemos lo peor del Bunbury de los últimos años y lo
elevamos a la enésima potencia. Y ojo, porque los textos de las canciones, en
castellano, son tremendos, llenos de sentimiento, pero Galindo lo lleva a unos extremos
que hacen que desesperes. Si no fuera porque la música de DEIDRE es de
matrícula de honor, no me tomaría ni la molestia de criticar este disco. Pero
no sería de justicia no recalcar sus puntos buenos. Además, no dudo que habrá
gente que la tonalidad de Fernando le guste, por lo que si eres capaz de obviar
este párrafo y te fías de todo lo bueno que tiene DEIDRE, te recomendaría que
te hicieras con una copia de este disco cuanto antes.
Y es que si dejamos a un lado la
voz, tenemos un disco increíble. Temas tan efectivos como "Hadas" u
"Otra Vida" (dónde TOOL vienen a la cabeza) se mezclan con otros
llenos de sentimiento, de tristeza, de profundidad de espíritu como la genial
"Requiem", o "Calessa" una de las composiciones que más me
ha gustado por la cantidad de matices que nos ofrece. Las guitarras suenan
potentes, con riffs sencillos pero muy pegadizos, que se mezclan con pasajes
atmosféricos dónde la parte gótica del grupo más reluce. Musicalmente hablando,
DEIDRE dan una lección de buenas composiciones, variadas, para nada aburridas y
cargadas de buenísimos elementos que ganan con cada escucha.
Es su debut, pero casi se podría
decir que estamos ante un álbum más avanzado en la carrera de DEIDRE, pues la
madurez compositiva es muy alta. Porque aunque las influencias son claras,
también saben dotar a su música de una atmósfera muy particular. La labor de
todos los componentes del grupo es digna de mención, tanto las guitarras ya
citadas de Fernando, como la labor de Sandra en el bajo, manteniendo el pulso
de manera impecable, como David en la batería, dando una lección de como ser un
buen batería de Metal, sin necesidad de destrozar el kit.
Así que ya lo sabes. DEIDRE son un grupo muy notable, con muchas cosas
muy buenas y destacables y solo un pero. De ti depende que la balanza se
decante hacia un lado o hacia otro. Yo creo que merecen una oportunidad. Ya
quisieran otros grupos tener la calidad de DEIDRE en su debut, pero... En
cualquier caso un gran lanzamiento.
Con un nombre como el de MANO DE PIEDRA, uno puede entrever lo que pretende esta banda. Y efectivamente, lo consiguen: un puñetazo de rock, trufado de stoner, sludge, hardcore y crust, que son los orígenes musicales de los miembros de la banda. Se formaron en Vigo hace poco más de un trienio y acaban de editar un lujoso vinilo (y su versión en CD también) que desde el primer momento, para todos aquellos que somos aficionados a la música agresiva con groove y buenos riffs, te hará cabecear y disfrutar. Ese vinilo lo han llamado "Today's Ashes" y se convierte en el debut en largo de un grupo enamorado de aquello del "hazlo tú mismo", y de hecho hasta las guitarras son fabricadas por ellos mismos, por Nano, el guitarrista y uno de los vocalistas del grupo. Y desde el primer momento en que lo escuché estaba llamado a gustarme, pues recoge un puñado de influencias que están entre lo favorito de mi gusto personal.
Desde el primer corte tendremos un nombre en la cabeza. Un nombre que un poco más adelante, en las partes más ralentizadas se duplicará y hasta triplicará. Ese nombre es MASTODON, pero los primigenios, cuando aún tenían la esquizofrenia de LETHARGY y TODAY IS THE DAY en la cabeza. Los otros dos nombres son DOWN y BLACK LABEL SOCIETY. Pero si nos quedamos sólo en esta mezcla entre stoner, sludge y desarrollos relativamente progresivos, estaríamos cortos. Tanto por el uso de las voces más agresivas, como de ciertos ritmos, no en pocas ocasiones me han venido a la mente EKKAIA e ICTUS, adorados del crust melódico por mi parte, mientras que también tendremos en la cabeza en las partes más atmosféricas a BURST o incluso los primerísimos CULT OF LUNA, ISIS y NEUROSIS.
El primer corte es paradigmático y probablemente el que más engancha. Ese tema es "Ancient Gods" y entra directo en la cabeza con un inicio agresivo, que es perfecto para resumir el sonido de MANO DE PIEDRA, hasta que entran en juego las voces limpias dobladas y ese riff que está muy emparentado con "Iron Tusk" de MASTODON. Es uno de los cortes más dinámicos del plástico y su elección como single está más que justificada. Pero incluso el uso de estos clichés, les permite tener su propia personalidad en forma de un solo de guitarra muy clásico y los continuos cambios de voces a medio camino entre el sludge y el crust.
De aquí en adelante, no hay un tema igual que el anterior. "Storm Of Axes", por ejemplo, es mucho más stoner, más emparentado con la dupla de nombres que antes mencioné (DOWN y BLACK LABEL SOCIETY), si bien sin dejar a un lado la agresividad. Como también es más stoner "We Are The Sickness", con un riff inicial que se queda grabado a muerte y constantes cambios de ritmo. Sin embargo, MANO DE PIEDRA no pierde dinamismo y según avanza el tema aparece el crust perfectamente encajado en el resto. Mucho más atmosférico es "The Rapture", donde los retazos de post-metal o como lo queramos llamar hacen aparición con unas guitarras por momentos muy épicas. Algo que también pasa en "The Damned", uno de los temas más pesados y también el más largo de todo el disco, con un final in crescendo que a mi me parece apoteósico.
El final del redondo pasa por el sludge crudo de "Oroku", la agresividad y dinámica exacerbada de "Abyss Sleeper", y la propia "Today's Ashes" que es uno de los temas más "emotivos" en cuanto a atmósferas, efectos y guitarras, pero también de los más desgarradores, dejando bien claro la carga lírica de desesperación y pesimismo hacia la sociedad actual que tiene el disco en sus surcos, y al que este tema le pone una banda sonora perfecta: "this is the end of the world, this is the end of your time".
Como banda llevan muy poco tiempo, pero parece que tanto David en los parches y la voz, como los dos guitarristas, Mano y Nano (este además también con labor vocal), como el pulso constante de Fran en el bajo, estuviesen unidos desde hace décadas. El resultado de este debut es muy compacto y homogéneo, me refiero a composición y sonido (que por cierto es sobresaliente), no en sensación tras su escucha, pues el dinamismo y la variedad estructural es una de las claves de MANO DE PIEDRA. en cualquier caso, "Today's Ashes" es un disco que tirando de electricidad, dureza y agresividad, está llamado a asentar a MANO DE PIEDRA como una de las bandas a tener muy en cuenta en el futuro.
Con
bastante tiempo de retraso llega a la redacción el que fuera quinto disco los
suecos MAZE OF TORMENT, grupo en el cual milita Erik Sahlström de GENERAL
SURGERY, con lo que el primitivismo musical debería de estar asegurado, y
efectivamente así es. Aunque siempre pensé que este grupo era un homenaje a
MORBID ANGEL, en realidad estamos ante un tributo al Thrash y al Death
primigenio: imagina unos DESASTER, mezclados con revisionistas de la escuela
del Death Sueco como KAAMOS o VERMINOUS, es decir imagina a GROTESQUE,
MERCILESS, DESULTORY... en unión y armonía con SLAYER o POSSESSED y sabrás la
línea por la que se mueve MAZE OF TORMENT. Nada nuevo bajo el sol, puro
inmovilismo estilístico, pero tan efectivo y directo como para que no se
necesite más.
Eso
sí, el sonido es demasiado pulcro, demasiado “actual”, siendo ésta la única
pega que le veo a “Hammers Of Mayhem”. Cuando decides convertirte en un tributo
de un estilo tan clásico y primitivo, lo normal es que lo hagas no sólo
compositivamente, sino también en su envoltorio sonoro, y con esto no estoy
reivindicando que deberían haber buscado un sonido maquetero, pero sí que
deberían de haber intentado sonar más viscerales, más crudos y menos
sobreproducidos. En cualquier caso, la música tiene calidad suficiente como
para, imaginando que le han dado un lavado de cara, resuciten en el salón de tu
casa todos los dioses del Thrash y el Death de finales de los ochenta y de
principios de la siguiente década. Además la espeluznante y magnífica voz de
Erik, totalmente diabólica y maligna, en unión a los tipiquísimos riffs de
guitarra y los ritmos ideales para hacer headbanging, tienen la suficiente
fuerza por sí mismos como para que a lo largo de la corta duración de “Hammers
Of Mayhem”, el disco sea un no parar de buenos momentos, sin concesiones,
implacables, totalmente dirigidos a los amantes de lo más clásico.
Poca
o ninguna variación nos guarda “Hammers Of Mayhem”, que por momentos puede
sonar casi a un calco de los originales en los que se basa, pero a pesar de
ello, el quinto disco de MAZE OF TORMENT tiene sentimiento, agresividad,
calidad y dinamismo suficiente como para que los fans del estilo disfruten como
nunca. Y es como hay que tomarse a este grupo, como una banda que sólo busca
recuperar un sonido y una excitación que nunca sonará pasada de moda. Sin
introducciones de ningún tipo, sin aderezos, “Beyond The Infernal Gates” abre
el disco con un trallazo en la cara cargado de microsolos de guitarra, tan
característicos de estos sonidos, con ritmos Thrash directos a la yugular y la
voz de Erik escupiendo cada estrofa. “F.O.E. (Face Of Evil)”, que parece un
tema del último disco de DESASTER bebe mucho más del Thrash centrado en el riff
pegadizo y repetitivo que en los afilados sonidos del tema precedente, pero la
excitación no decae, manteniendo esta línea más Thrash, pero mezclado con el
Death sueco, en “Hammers Of Mayhem”, momento culminante del disco, con los
riffs más inspirados de todo el trabajo y una estructura clásica de continuo
vaivén absolutamente genial.
Con
cierto aire al “Bestial Invasion” de DESTRUCTION sobre todo en los riffs de
entrada (ya que luego la estructura del tema se mueve por otros derroteros),
“Servants Of Menace” mantiene viva la llama del Thrash con algún retazo Death,
ideal para romperse el cuello sin querer. Por su parte “Into The Bloodswarm”
deja entrever cierto aperturismo en las guitarras dando un ligero salto hacia
la mitad de los noventa, con unos riffs más melódicos y hasta cierto punto
épicos, aunque sea un hecho meramente anecdótico en el conjunto del disco.
Finalmente destacaría “Dead Soul”, más groovie, muy influida por los primeros
KREATOR y con un Erik desatado que se acerca a tonalidades casi Black, y el
trallazo escogido para cerrar el disco (o casi cerrarlo), “Catharsis”, que hace
honor a su título. Y digo “para casi cerrar el disco” porque al final del
trabajo MAZE OF TORMENT han decidido incluir una versión del “In League With
Satan”, uno de los muchos temas de VENOM manidos por tantos grupos para
recrearlos en forma de versiones. Muy cercana instrumentalmente a la original y
con la voz de Erik como elemento diferenciador fundamental, no deja de ser un
divertimento complementario a un gran disco.
Inmovilismo, olor a cuero y tachuelas, tributo a satán a través de la
música de sus primeros adoradores a ambos lados del Atlántico... revisionismo
puro y duro, pero hecho con el corazón y con el único afán de divertir y
divertirse. MAZE OF TORMENT muestra en este “Hammers Of Mayhem” que no hace
falta salirse mucho del tiesto para conseguir transmitir energía. Un producto
para los fans del Thrash – Death más primigenio, a los que no defraudará de
ninguna manera.
En
Finlandia no aprenden. O se forman grupos que no sacan discos más que de vez en
cuando, o hay combos que están hasta en la sopa generando el agotamiento del
personal cuando no saben ofrecer más que autoplagios. Es el caso de AJATTARA,
AMORAL y está siendo el caso de DEATHCHAIN y para muestra, un botón, “Death
Eternal”. ¿Algo nuevo con respecto a “Cult Of Death”? ¿Algo nuevo con respecto
a su debut? Nada, más de lo mismo y la sensación de que acaban reciclando temas
o reestructurando cosas que han compuesto en el pasado (¿alguien dijo DEICIDE
en su etapa más monótona? Pues algo similar le pasa a DEATHCHAIN).
Partiendo
de esta base, del hecho de que “Death Eternal” no te va a aportar nada ni mejor
ni peor a lo que lleva haciendo DEATHCHAIN este último lustro, sólo queda
fijarse en si, por lo menos, mantiene la energía aunque te dé igual llegado el
caso ponerte este disco, que su predecesor, que su primer disco...
Afortunadamente se mantiene el gusto por el Death / Thrash mitad europeo, mitad
americano, de finales de los ochenta, recogiendo las enseñanzas de grupos como
THE CROWN en su faceta más melódica, y BLOOD RED THRONE, BLOODBATH o incluso
los ya citados AMORAL, en su faceta más mórbida. Con lo que sin entrar a
analizar mucho si la llama de la inspiración está bajo mínimos, no se puede
decir que para el aficionado medio al Metal Extremo en sus formas más clásicas
no vaya a sacar algo en claro de estos nueve temas. ¿Que deberían de tomarse un
descanso para no parecer un refrito de ideas o tratar de avanzar un paso más?
También es cierto, pero lo cortés no quita lo valiente.
En
consecuencia, en “Death Eternal” te gustará si eres aficionado al Death
cavernoso y diabólico, pues viene envuelto en un sonido pastoso y oscuro,
ciertamente parecido al del último disco de BLOODBATH, pero sin la genialidad
de aquellos y sin la portentosa voz de Akerfeldt (Khaos anda más limitado en el
terreno Death, pues aunque su procedencia de los grinders DEATHBOUND es
sinónimo y garantía de buenas cuerdas vocales en el aspecto más agresivo, ante
esta música más pesada y contundente, su voz se acaba haciendo monótona).
También te gustará porque aunque esta todo amarrado a partir de las
indicaciones más típicas del recetario del Death Metal, calidad tiene y transmite
fuerza, sobre todo en los momentos más groovies y de ascendencia mórbida
(entendido como alusión directa a MORBID ANGEL, por si alguno anda despistado),
como es el caso de “Awaken... Horrors Of This Earth” o “The Ancient And The
Vile”, dos cortes que comparten hasta la fisonomía de los riffs y la
estructura, aunque el segundo cuenta con la presencia de una tonalidad más
gutural que casa mucho mejor con este tipo de riff y este tempo más cadencioso.
No obstante, en los momentos más rápidos, donde la parte Thrash sale a relucir,
también hay pasajes bastante notables, particularmente “Sworn Beneath”, tema al
que sólo le sobra su repetitiva introducción que parece no arrancar nunca, pero
que acaba sacando lo mejor que puede ofrecer DEATHCHAIN en las velocidades más
altas.
La única sorpresa en mi opinión, viene al final, en el tema más largo
del plástico y que es lo mejor de todo el disco por su atipicidad. “Incantations
of Shub-Niggurath”, aunque alguno dirá que es una copia de NILE en versión
escandinava, consigue atraparnos en medio de atmósferas orientales y una
intensidad decadente que sacrifica lo tópico, para centrarse en evocar, y más
tarde, explotar en momentos de gran agresividad e ira desatada. ¿Que tiene
paralelismos con alguno de los temas de Sanders y compañía? No lo voy a
rebatir, pero al menos es algo “distinto” a lo que viene haciendo DEATHCHAIN
desde sus inicios. Si unes a este tema, el “más de lo mismo” del resto del
disco, te queda un trabajo notable más no brillante, que contentará a los que
conozcan al grupo, puede que incluso les haga ganar nuevos admiradores, pero
que no les consigue confirmar como una banda en la élite del Death europeo. A
ver si para la próxima...
Muchos
llevábamos bastante tiempo pendientes de la edición del debut en larga duración
de la banda madrileña HYBRID. Como algunos recordaréis, desde RockTotal llevo
siguiéndole la pista a este grupo desde que editó su promo en 2005,
considerándolo uno de los proyectos más interesantes del panorama nacional. Por
esta razón, había muchas ganas por mi parte de que el muchas veces anunciado
“The 8th Plague” saliera por fin a la luz. Por fin los ingleses Eyesofsound
Records se dieron cuenta del potencial del grupo, permitiéndonos escuchar los
casi cuarenta minutos de música intensa, desenfrenada y caótica, pero
milimétricamente planificada de este debut.
Los
referentes siguen siendo los mismos, CEPHALIC CARNAGE, ION DISSONANCE, THE
DILLINGER ESCAPE PLAN... pero siempre manteniendo un apego por las formas
primigenias de cada uno de los géneros que pisan: Death, Grind, Crust, Doom,
Math-core y un apego por el Jazz que estaba presente desde el principio en su
libertad de formas, pero que en este plástico se hace más evidente. Pero a
pesar de partir de estas raíces, HYBRID ha encontrado su camino, y de qué
forma. Ya se puede decir que tienen una personalidad propia y no son un grupo
más de una escuela ecléctica e inclasificable, pero escuela cargada de
integrantes al fin y al cabo. HYBRID se ha perfeccionado, se ha mejorado, ha
dado una vuelta de tuerca más y ha acabado por ser una máquina precisa y en
plena evolución que no sólo no pierde su brillo, sino que lo ha logrado
aumentar. Un trabajo compositivo más completo, una ejecución impecable, sin
fisuras en ninguna de las transiciones entre géneros, una producción y un
sonido increíble, conseguido a medio camino entre los estudios Sandman
madrileños, y los West West Side de Alan Douches (MASTODON entre otros) al otro
lado del charco. En una palabra: madurez.
En
el camino han tenido una importante pérdida, la de su versátil vocalista Unai
García, pero de no se sabe donde (por lo menos yo no sabía de su existencia) ha
aparecido un Albano Fortes increíble: contrastes brutales entre las voces,
ayudado por todos los miembros de HYBRID, pasando de gritos esquizofrénicos a
gruñidos ultraguturales, voces de herencia Hardcore y una paleta de tonalidades
que le lleva hasta a tener toques Black en momentos puntuales. Es sorprendente
la gran capacidad de Albano, y se comprueba en dos temas que HYBRID ha
regrabado de su anterior MCD, “Beyond Undeniable Entropy”. Me refiero a dos
composiciones que en su momento alabé como dos de las más representativas del
sonido del grupo, “Sun Burnt” donde es imposible seguir a Chus Maestro en el
mar de cambios de ritmo, y “Sleep Of The Defeated”, uno de los más adictivos
gracias a sus ritmos Thrash. En ambos temas el nuevo vocalista imprime su sello
personal adaptándose a la mecánica del sonido, y dando su propia visión al
respecto.
El
resto del disco, en unión con estos dos temas citados, se configura como una
obra conceptual alrededor de la destrucción del ser humano, visto a través del
nacimiento, desarrollo y decadencia de un insecto y su metamorfosis. La portada
de Seldon Hunt (NEUROSIS, ISIS, MELVINS), caleidoscópica e hipnótica, refleja
parte de este concepto que luego se desarrolla en la lírica del grupo y también
en la música, pasando de la agresividad inicial no exenta de referencias al
Jazz en “Hundred Years Ocean”, con saxo soprano incluido (en plena primera
parte del concepto; I Ovum: Alienation), al caotismo y la psicotropía de la
segunda parte, (II Larva: Narcotization), donde destaca enormemente su tema
“Post-Traumatic Stress Disorder”, cargado de disonancias y elementos
jazzísticos, continuando con la atmósfera y el aire primaveral con bossa nova
incluida de “Cocoon/Metamorphosis/Eclosion”, el único tema de la tercera parte
(III Chrysalis: Transformation) y finalmente la destrucción y la decadencia en
forma de Doom y Noise de la cuarta parte (IV Imago: Obliteration), en especial
su tema “Ashes Of Babylon” que cierra el trabajo. Creo recordar que previamente
los también eclécticos SUP tuvieron su disco “Imago” dedicado a este tema, pero
no desde la visión metafórica y apocalíptica que HYBRID le ha dado.
Siguiendo este proceso de metamorfosis, HYBRID debuta más híbrido que
nunca. Los cinco monstruos que forman el grupo, con Chus Maestro a la cabeza
detrás de los parches, los enormes J.Oliver y Miguel, procedentes de lo
mejorcito del Brutal Death patrio, el siempre indispensable Kike dando
coherencia a una rítmica despiadada y el descubrimiento de Albano Fortes como
vocalista de gran nivel, dan una lección de precisión, pegada y capacidad de
enganche en “The 8th Plague”. En mi opinión, y sin exagerar, lo mejor del
panorama nacional en lo que llevamos de año y uno de los mejores discos a nivel
internacional. Si te gusta la fusión sonora, pero siempre con el Metal Extremo
como vehículo de expresión, regresa la máquina híbrida por excelencia.
Impresionante debut.
ENTREVISTA A CHUS MAESTRO SOBRE HYBRID EN 2008
Después de un largo periodo
buscando sello, y tras dejarnos a muchos con ganas de escuchar material nuevo
del grupo desde la edición de su MCD “Beyond Undeniable Entropy”, el grupo
madrileño y niña bonita particular de Chus Maestro, HYBRID, debuta con “The 8th
Plague”, disco que cubre con creces las expectativas creadas entorno al grupo,
uno de los mayores referentes de la nueva escuela del Metal Extremo nacional, que
por fin encuentra los medios y las formas para hacerse oír como merecían.
Además de crecer en su sonido, HYBRID demuestra en “The 8th Plague” que se
puede decir algo más con las letras de un disco, desarrollando una metáfora
sobre la destrucción del ser humano vista a través de la metamorfosis de un
insecto. ¿Es el hombre una plaga para sí mismo?, Chus trata de contestar a esta
y a otras preguntas en esta extensa entrevista que espero que os sirva para
descubrir si no los conocías, o saber más cosas, de HYBRID, uno de los secretos
mejor guardados de este país.
Casi tres años después, vuelves a enfrentarte a las preguntas de
RockTotal... Parece un mundo, un año hasta que grabasteis nuevos temas, otro
año hasta que conseguisteis sello. ¿Tanto cuesta “parir” un disco hoy en día?
¿Estabais ya impacientes de ver en la calle “The 8th Plague”?
La composición siempre es algo
laborioso tratándose del estilo que hacemos, podemos tardar varios meses en
terminar una canción y dejarla redonda; pero eso y la grabación aún dependen de
nosotros. Lo que aumenta la demora entre que el disco se termina y su edición
(en nuestro caso un año entero con ambos discos), es todo el proceso de búsqueda
de sello y negociaciones, ya que hay multitud de decisiones que no dependen de nosotros. Pero
una vez confirmamos el fichaje con Eyesofsound el proceso se aceleró bastante y
en apenas dos meses ha estado todo preparado y a tiempo cumpliendo con las
fechas previstas. Así que es cierto que al final parece un “parto”
interminable, pero cuando ves asomar a la criatura la sensación de felicidad es
absoluta.
Durante este tiempo también has estado envuelto en otros proyectos, principalmente
ONE LAST WORD, y Miguel tiene casi preparado el tercer trabajo de HUMAN
MINCER... No se puede decir que no seáis gente inquieta. ¿Vais a compaginar
bien HYBRID con el resto de vuestras bandas? ¿Le dais prioridad a algún
proyecto en particular o repartís el tiempo entre todo? Supongo que en tu caso
particular, HYBRID es como tu hijo.
Procuramos repartir el tiempo
asignando prioridad en cada momento a según qué proyecto dependiendo de las
necesidades. Es cierto que somos gente muy involucrada en la música, pero
cuando este mundo te apasiona tanto es difícil negarse a tocar en otros grupos
o colaborar en distintos proyectos. En mi caso HYBRID es la prioridad en lo
musical porque es dónde puedo dar rienda suelta mi parte más creativa y desde
el momento que decidí formar el grupo he sido como el padre del proyecto.
Desde que tengo en mis manos “The 8th Plague” me pica mucho la
curiosidad: sorprende lo bien que se adapta Albano Fortes al papel de
vocalista. Tiene los registros de Unai y un puntito de brutalidad mayor en
muchas partes. ¿De dónde ha salido este hombre? Es la primera vez que oigo su
nombre. ¿Cómo entró a formar parte de HYBRID? ¿Se encarga él de la mayoría de
las voces o todos aportáis en HYBRID algún registro?
Contacté con él a través de un
foro de música puesto que era fan del grupo y compartíamos gustos en cuanto a metal
técnico se refiere; hacía poco que se había mudado a Madrid y aprovechamos para
probarlo de cantante cuando Unai dejó la vacante de vocalista. Él se encarga de
la voz principal, pero como ya hicimos en “Beyond Undeniable Entropy”, los
demás también hemos cantando en muchas partes para dar más variedad al apartado
vocal; a parte de otras colaboraciones como las de Phlege de HUMAN MINCER y
GODÜS, Teto de LES OLE y también del propio Unai.
¿Por qué se marchó Unai? Según creo no está ahora mismo ocupado con
ningún otro proyecto musical, aunque sí sigue escribiendo ¿no?
Cuando Unai entró en el grupo
vivía en Bilbao y debido a las distancias no podíamos ensayar mucho con él,
pero íbamos tirando poco a poco. La situación se agravó cuando se fue a vivir a
Barcelona a finales del 2006, ya que la distancia era mayor y cada vez era más
difícil coincidir con él para ensayar y componer, con lo que no podíamos
preparar los conciertos ni las voces del disco. Así que fue una necesidad
cambiar de cantante si queríamos entrar a grabar en Junio, porque tres meses
antes ni siquiera teníamos letras ni líneas de voz para los temas nuevos. Él
ahora sigue escribiendo en algunas publicaciones y está involucrado en temas de
producción de eventos musicales.
De paso, ya que hablamos de este tema, me ha llamado mucho la atención
que Albano aporta un toque diferente a los temas de vuestro MCD que habéis
regrabado en “The 8th Plague”. ¿Se centró Albano en los registros que ya
estaban grabados por Unai o trató de cambiar la línea vocal desde el primer
momento?
Las líneas vocales se han
respetado, pero es inevitable que la propia voz de Albano aporte un matiz
diferente con respecto al registro de Unai en los temas regrabados de “Beyond
Undeniable Entropy”.
Es curioso, pero desde que escuché vuestra promo en 2005 y poco después
el MCD “Beyond Undeniable Entropy”, siempre consideré “Sun Burnt” y “Sleep Of
The Defeated” los temas más representativos de vuestro sonido. Me gustaba, la
locura absoluta por un lado del primero y los cambios de ritmo del segundo, con
ese toque Thrash que tan bien le queda. ¿Por qué decidisteis regrabar estos
temas? ¿Les tenéis un cariño especial? ¿No os gustó cómo quedaron en lo que a
producción se refiere en su versión original?
En efecto, no acabamos del todo
satisfechos con el sonido de nuestro primer EP, y cómo bien dices, también para
nosotros eran los dos temas que mejor representaban el sonido del grupo en
“Beyond Undeniable Entropy”, así que decidimos volver a grabarlos para poder
tenerlos con mejor producción en nuestro disco completo. No queríamos que
quedasen olvidados dada la falta de distribución que tuvo “Beyond Undeniable
Entropy”, y esta era la manera de hacer justicia con ambos temas.
Y siendo “The 8th Plague” un álbum conceptual, ¿Cómo lograsteis encajar
líricamente “Sun Burnt” y “Sleep Of The Defeated” en el concepto del resto del
disco?
Por un lado no fue difícil ya que
las letras que escribió Unai para “Beyond Undeniable Entropy” y las mías para “The
8th Plague” llevan una tónica parecida, pero aún así fue un reto encajarlas en
el puzzle de la historia y dejarla cerrada para que todas ellas contribuyesen
al desarrollo lógico del concepto del disco.
Título alusivo a uno de los pasajes bíblicos más conocidos, sólo que
esta vez supongo que esa octava plaga se extiende a todo el mundo. ¿Qué hay
detrás del concepto de “The 8th Plague”? ¿Una metáfora de la destrucción humana
vista a través de la metamorfosis de una mariposa?
Exacto, se trata de una metáfora
en dónde la metamorfosis de un insecto simboliza las diferentes etapas del
proceso de autodestrucción del hombre, por eso la octava y última plaga del
Apocalipsis sería desde este punto de vista la propia raza humana.
¿Es un concepto pesimista, derrotista... o verdaderamente se puede
llegar a evitar en el destino del ser humano ese último capítulo que habéis
titulado “Obliteration” y que acaba en cenizas, como bien refleja el sampler
final de “Ashes Of Babylon”?
Evidentemente se trata de una
distopía, pero advierte a modo de profecía ese no tan lejano y posible futuro
de auto aniquilación con el que concluye el disco.
La caleidoscópica portada es un reflejo también de todo el concepto del
disco. ¿Cómo la elaboró Seldon Hunt, artista de portadas de grupos como
NEUROSIS o ISIS? ¿A partir de la música del disco? ¿Sólo del concepto? ¿Cómo
contactasteis con él?
Contactamos con Seldon
directamente a través de internet, ya que soy seguidor de su trabajo y tenía
claro que su estilo era el idóneo para reflejar tanto el concepto como la
música de “The 8th Plague”. Escuchó el disco y le encantó, así que aceptó el
encargo y le empecé a proponer ideas sobre lo que me evocaba tanto la música
como el concepto de las letras; aunque es cierto que tuvo más peso el arco
conceptual a la hora de plasmarlo como diseño para el arte del disco.
Centrándome musicalmente en “The 8th Plague”, si ya era difícil
definiros, ahora lo es más. Habéis incluido influencias provenientes del Black,
del Crust, del Jazz y ¡hasta un pasaje de Bossa Nova en “Cocoon/Metamorphosis/Eclosion”!
Enhorabuena, acabáis de derrotar en la lista de bandas con más valentía a
ATHEIST, pensaba que sólo ellos serían capaces de incluir algo como lo de
“Samba Briza” en su “Elements”...
En “The 8th Plague” hemos
aprovechado para asentar influencias que ya probamos en nuestro anterior EP y
también para experimentar con otros estilos e instrumentos que han llevado al
grupo a un estilo más experimental e innovador dentro del género del Metal Extremo.
Curiosamente ATHEIST no ha supuesto influencia para HYBRID, más bien una
referencia para saber que ya ha habido bandas interesadas en la fusión con
estilos fuera del metal.
Hablando más en serio, la libertad estructural es algo que siempre ha
estado ligada al Metal Extremo y al Jazz en su faceta más libre (el Free Jazz).
No en vano uno de los mejores músicos de Jazz Avantgarde, John Zorn, desarrolló
una de las primeras fusiones entre ambas músicas en NAKED CITY. ¿Estás de
acuerdo conmigo en este paralelismo? ¿Tienes algún músico de Jazz entre tus
referentes musicales?
Totalmente de acuerdo, de hecho
John Zorn y NAKED CITY han sido una gran influencia durante el proceso de
composición de “The 8th Plague” por su arriesgada y desenfadada fusión de
estilos aparentemente tan dispares. Y sí, ha habido un paralelismo en muchas
bandas de metal técnico desde los mencionados ATHEIST o contemporáneos como
CYNIC y DEATH hasta bandas de ahora que han optado por innovar con nuevas
estructuras, compases y acordes más típicos del Jazz, en lugar de seguir saturando
el género extremo con los clásicos clichés. No suelo escuchar Jazz en casa, es
un estilo que prefiero ver en directo por la excitación que transmiten sus
músicos, que al ser todos de alto nivel hacen que cualquier combo merezca la
pena.
¿Hasta que punto la música de HYBRID, al igual que en el Jazz, se parte
de la improvisación para componer un tema? ¿Componéis y descomponéis una y otra
vez lo que va saliendo?
Eso es, componemos y
descomponemos en auténticas sesiones de improvisación en dónde damos rienda
suelta a la libertad creativa; de esta manera nos olvidamos de las cadenas que
impone ceñirse a un estilo, estructura o patrón para sacar lo que sentimos en
el momento. Aunque una vez va quedando definida la canción, hacemos revisiones
del tema para darle forma estructural y que no sea una amalgama de ideas
inconexas.
Por cierto, ¿quién es el que interpreta el saxo soprano en “Hundred
Years Ocean”? ¿Pensasteis en incluir este instrumento en el tema desde el
primer momento?
El saxo es un instrumento
apasionante, expresivo, lleno de dinámica. Algunos grupos relacionados con el Metal
como NAKED CITY, CANDIRIA o YAKUZA lo han usado en sus canciones y el resultado
es increíble, así que se me ocurrió la idea de incluir algún pasaje de saxo en
el disco. Un poco antes de entrar a grabar descubrí a un gran grupo de Jazzexperimental madrileño llamado DEAD CAPO y me
acerqué a hablar con su saxofonista, Marcos Monge, para proponerle una
colaboración. Marcos es un gran músico, abierto de mente y además fan de John Zorn,
así que aceptó la propuesta y se acercó
una tarde al estudio para improvisar unas líneas en un par de temas del disco
dejándonos a todos boquiabiertos. No hicieron falta segundas tomas, ¡todo fue
improvisado con tan sólo una escucha de la melodía de guitarras!
De lo que no cabe duda es que el sonido ha ganado enteros. La
producción es impecable. ¿No os daba Samu y los VRS Studios el sonido deseado y
por eso habéis probado con Carlos Santos en Sadman? Además lo habéis
masterizado con Alan Douches, ¿Qué nivel no?
VRS está bien para grabar una
maqueta o un primer trabajo modesto, pero para un disco debut necesitábamos un
sonido potente y una producción a la altura de los grupos extranjeros que VRS
no podía darnos. Carlos llevaba poco tiempo con su estudio pero el resultado de
las bandas que había grabado hasta la fecha era muy convincente, así que
apostamos por él. Después del gran resultado de grabación y mezcla en Sadman
queríamos terminar con una masterización también de alto nivel, así que contactamos
directamente con el masterizador de muchos de nuestros discos preferidos para
rematar la producción de forma profesional.
¿Tanto Alan Douches como Seldon Hunt fueron contratados por vosotros, o
ya habíais fichado por Eyesofsound y ellos propusieron la idea? Estuvisteis
mucho tiempo tras la caza de un sello ¿Por qué os decidisteis por este
ecléctico sello inglés?
Trabajamos con ambos antes de
fichar por el sello, con lo que lo financiamos nosotros mismos para tenerlo
todo listo y que el sello tuviera una impresión definitiva del trabajo
terminado. Nos decidimos por Eyesofsound porque fue el único sello que
realmente demostró interés en el disco más allá de planes comerciales, índices
de ventas o popularidad del grupo. Ryan ha demostrado su fe en el grupo
haciendo un trabajo excepcional con nosotros, ya que, a diferencia de lo que
pasa en sellos más grandes, para él no somos una banda más del largo catálogo
de una discográfica si no un nuevo miembro en su selecta familia de grupos.
Siempre me vienen bandas como CEPHALIC CARNAGE, ION DISSONANCE,
MESSHUGGAH al escucharos, pero ahora también otras como DON CABALLERO o DYSRHITHMIA.
¿Qué opinas de todas estas bandas? ¿Las consideras una influencia? ¿Crees que
HYBRID va mucho más allá de las etiquetas y las comparaciones?
Es todo un honor que nos compares
con dichas bandas, porque todas las que has citado nos gustan y merecen un gran
respeto por lo arriesgado de su propuesta en una escena tan dada a etiquetar
por géneros. Pero tan sólo MESHUGGAH es una referencia directa, incluso también
para los demás grupos que nombras, que tienen en común con nosotros esa
necesidad de desencasillarse de etiquetas y comparaciones.
Lo que me maravilla de todos estos grupos, incluyendo HYBRID por
supuesto, es que podáis llevar con un mínimo de coherencia toda vuestra música
al directo. ¿Cómo preparáis un concierto? ¿Os encerráis muchas horas antes del
mismo para tenerlo todo atado y bien atado y que nadie se escape en mitad de la
actuación?
Realmente no ensayamos tanto como
parece, de hecho apenas lo hacemos una vez por semana; esta forma de tocar la
llevamos dentro y las habilidades se van desarrollando y fortaleciendo con el
paso del tiempo, con lo que tan sólo es necesario una cierta periodicidad de
ensayos y el clásico repaso pre-concierto.
Y ya que hablamos de los directos, ¿tenéis planificados muchos
conciertos este año o todavía no tenéis nada concretado?
De momento vamos a esperar a que
se mueva bien “The 8th Plague” y luego elegiremos bien los conciertos, ya que
el estar dispersos en tantas bandas no deja todo el tiempo que quisiéramos para
tocar con HYBRID en directo.
En tu caso particular, escuchando temas como “Sun Burnt” uno se
pregunta cómo no se te escapan las baquetas... evidentemente mis conocimientos
de técnica musical no llegan lo suficientemente lejos, pero me parece imposible
que puedas repetir eso en directo. ¿Ensayas mucho cada día? En algún que otro
concierto he observado que antes de salir a escena estás bastante inquieto
moviéndote de un lado a otro con las baquetas en la mano... ¿Te pone nervioso
que se te pueda olvidar algo entre tanto cambio de ritmo?
Aunque parezca mentira no es
difícil mantener todos esos cambios en la cabeza cuando los has ensayado tanto;
además es raro que se olviden por mucho tiempo que pase sin tocar las canciones
porque acabas interpretándolos casi de forma automática y pero natural a la
vez, como si ya formaran parte uno. Más que ensayar, procuro estudiar para
afianzar y mejorar la técnica, pegada, velocidad, el tempo y los recursos. Lo
que hago antes de los conciertos es calentar, así que tengo que moverme para
estirar y desentumecer los músculos y tendones. Apenas me ha pasado eso de
quedarme en blanco y olvidarme de algún cambio de las canciones de HYBRID porque
estoy muy concentrado cuando las toco; me pone más nervioso no oírme bien,
estar incómodo en una batería que no es mía o no tener referencia de guitarras
atrás porque ahí sí puede haber caos aún sin perderme.
¿Sigues dando clases de batería? Recuerdo que no hace mucho acabaste la
carrera de Comunicación Audiovisual, tu otra gran pasión. ¿Qué tal te va en
este aspecto? ¿Has conseguido trabajar en lo que te gusta?
Claro, llevo trabajando en lo que
me gusta desde que empecé a ser profesor de batería y músico de sesión para
otros grupos. En cuánto al campo audiovisual, está tan turbio, falto de
industria y de buenas ideas como el musical, así que imagino que para prosperar
en ambos habrá que salir fuera de España.
Esto es todo Chus, muchas gracias por tu tiempo, espero que no se te
haya hecho larga la entrevista. Este espacio está reservado para que le digas
lo que quieras a los lectores de Rock Total. ¡Todo tuyo!
Gracias a ti Raúl por la
entrevista (que en ningún momento se ha hecho larga si no interesante y bien
documentada) y a todos los lectores de RockTotal por el apoyo e interés. Para
más información del grupo podéis visitar nuestro myspace www.myspace.com/hybridmetal Y a
partir del 08/08/08 estará a la venta “The 8th Plague”, que podéis conseguir
contactando con nosotros o a través de la web del sello: www.eyesofsound.com.
