ELYSIA - "Lion Of Judas": exuberancia alejada de lo común

Aunque siguen siendo insultantemente jóvenes, los californianos ELYSIA son una de las bandas que más cambios de formación ha sufrido en los últimos tiempos. Una colección a sus espaldas de una docena de músicos que han pasado por el grupo en su lustro de vida, es todo un record. Esto se ha traducido en no tener un discografía amplia de momento, siendo “Lion Of Judas” su segundo disco, lo que unido a sus letras incisivas y un poco demagógicas, les ha convertido en una de las bandas rebeldes de moda en EEUU. Sin embargo, y sin escuchar su debut, este segundo trabajo muestra a una banda por encima de la media en el terreno del Deathcore y sus derivados.

Se podría decir que ELYSIA han creado un buen complemento, más extremo y menos accesible a lo último que sus compatriotas CHIMAIRA sacaron, “Resurrection”, con una sutil diferencia: que CHIMAIRA evolucionó hacia este sonido recientemente y ELYSIA llevan así, según parece, desde su creación, haciendo que entren en el saco de bandas técnicas que usan a partes iguales elementos del Death y el Hardcore, léase ALL SHALL PERISH, DESPISED ICON o ANIMOSITY. En ELYSIA la parte Hardcore, sobre todo debido a la labor de su vocalista Zak Vargas, está más potenciada, pero la base Death es predominante en el terreno musical, y aunque se les nota muchas veces que miran a Europa en sus riffs (AT THE GATES, ENTOMBED...), en general la forma de estructurar los temas es mucho más propia del Death técnico americano. Hasta aquí, nada que no se haya escuchado antes, ¿dónde está el ingrediente que les hace destacar? En mi opinión, la forma que tienen de construir y de-construir los temas una y otra vez, sin dejar de sonar accesibles. 

No te esperes encontrar en “Lion Of Judas” un disco accesible, aquí no hay grandes huecos para momentos de exuberancia y sencillez para desmelenarse. Todo está mucho más calculado para que la intensidad vaya creciendo en cada tema a golpe de cambios de estructura y elementos atmosféricos. Sorprende en ELYSIA lo que en otros aburre. Mientras en otros grupos nos encontramos con elementos que se repiten una y otra vez pero en otro orden, en ELYSIA no hay espacio para el aburrimiento pues ningún tema sigue un patrón similar. El hecho de que dejen fluir muchas partes predominantemente instrumentales y bastante técnicas dice mucho a su favor: no buscan ser flor de un día sino que “Lion Of Judas” pueda ser analizado y degustado detenidamente. El único elemento “típico”, además de la tonalidad de Zak Vargas que no es ninguna novedad, es una producción que una vez más a veces puede llegar a saturar, pero que permite escuchar todos y cada uno de los matices e instrumentos con su espacio. Esto les puede restar personalidad, pero a alguien se tenían que parecer y en el resto ELYSIA demuestra tener buenas ideas. 

Salvo “Lion Of Judas”, último corte del disco y que es uno de los más accesibles y pegadizos, ningún tema tiene una duración más allá de los cuatro minutos y muchas veces a duras penas pasan de dos minutos. Esto incrementa el dinamismo y la variedad, aunque a lo mejor a veces puede forzar el desarrollo del tema. Eso sí, antes que con temas más arquetípicos como “Curse Of God” y “Fountain Of Life”, dos partes de una misma composición, donde los riffs son algo más familiares, me quedo con la gloriosa primera parte del trabajo, en especial con “Lack Of Culture”, que dentro de su accesibilidad, está llena de cambios y giros inesperados, “Box Of Need(les)”, una locura de tema en donde Steven Sessler se luce con sus acelerones y ralentizaciones, y el machacante y atmosférico al mismo tiempo, con cierto aire a MESHUGGAH “Crown Of Thorns”. El tema que le sigue “Plague Of Insects” profundiza en la faceta hipnótica y atmosférica, consiguiendo ambos efectos de manera magnífica, aunque a lo mejor puede resultar algo repetitivo al final. En cualquier caso cada tema tiene su personalidad, cada corte te ofrece algo inesperado y eso se debe elogiar.

Sinceramente, ELYSIA me ha sorprendido y eso que debo confesar que tardé en ponerme a escuchar el disco porque pensaba que sería “otro del montón”. No es así. Evidentemente tienen muchos “vicios” de este tipo de sonido tan de moda en EEUU, pero también ofrecen muchas ideas interesantes por las que merece la pena la escucha de “Lion Of Judas”. Tanto te guste el Deathcore, como si quieres dar un repaso a un grupo sorprendente, este disco puede que cubra tus expectativas.

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INFERNO - "Pompa Magna": una mezcla difícil.

Llegamos al grupo raro del día. Siempre pasa, cada vez que me llegan nuevos lanzamientos para comentar, no hay duda de que alguno de ellos hará que sude tinta para tratar de dar una idea al oyente de qué se va a encontrar si llega alguna vez a escucharlo. Unas veces el invento acaba en buen puerto, asombrándome ante la capacidad de inventiva de algunos proyectos, otras veces todo se trunca en una pieza de plástico de difícil digestión, que escucho varias veces, opto por dejar reposar y nunca llego a comprender del todo. Hete aquí el caso de los italianos INFERNO y “Pompa Magna”, su segundo disco completo después de un debut homónimo y un disco compartido junto a otros compatriotas suyos.

Hay ocasiones en que los grupos son benévolos y tratan de autodefinirse, aunque sea con la etiqueta más inverosímil que se pueda pensar. Este es el caso: nada más y nada menos que ¡Sci-Fi Grind And Roll! ahí queda eso. Bien, después de unas cuantas escuchas se puede desgranar paso a paso la definición. ¿Sci-Fi? El principal hándicap para mi gusto que tiene el grupo es que INFERNO se basa mucho en el Tecno y la Electrónica al uso para construir su sonido. En ocasiones tratan de adentrarse en un ambiente muy Trip-Hop que no me disgusta y hasta veo interesante, otras veces el sonido tiende hacia el Industrial accesible, recordándome en las melodías a SAMAEL (bien por ellos), pero en la mayoría de las ocasiones tratan de sonar como una mezcla entre PITCHSHIFTER y ATARI TEENAGE RIOT que no logró asimilar, pues aunque me gustan ambas bandas (más los primeros que los segundos), no soy fanático de ninguna. Así pues, antes de que sigáis leyendo, advertir que esta parte de la definición de la música de INFERNO es la más difícil de comprender. 

¿Grind? Han escogido este término, supongo que por el minimalismo de algunas estructuras, pero también habría valido Extremo en general. Aquí es donde INFERNO se dispersa más: unas veces sonarán a BOTCH, DILLINGER y similar, otras veces a IN FLAMES y otras veces a GOJIRA o MESSHUGGAH. Salvo la voz de V Fisik (supongo que será el vocalista, porque otra excentricidad de INFERNO es que no indican de qué se encarga cada miembro del grupo, sino que acompañan cada alias de una tarea difícil de descifrar, que he decidido reproducir en el apartado de personal de esta reseña), que bebe mucho de Tompa Lindberg, musicalmente, la parte extrema del grupo es difícil de localizar y a veces hasta se tecnifica y se vuelve ligeramente progresiva (no hay más que escuchar “The Man With Two Right Arms” o “Different Shades Of Zero And One”, dejando a un lado su larga introducción ambiental). Así pues estamos en un empate, un hándicap difícil que enriquece unas veces pero dispersa y enerva otras veces (la electrónica), y otra parte interesante y variada, difícil de catalogar pero extrema y directa. ¿Habrá desempate?

Es en este momento cuando entra en juego la tercera parte de la autodenominación: ¿Roll? Debería interpretarse como la parte accesible de INFERNO. Si hasta ahora todo lo dicho convierte al combo italiano en un compendio de irritabilidad para algunos y genialidad para otros, el “Roll” les hace tener los pies en la tierra. Dejando a un lado el guiño a Johnny Cash en “The Weeping Saw”, este tercer elemento se conforma por melodías pegadizas, ritmos accesibles y un halo Electropop en algunos cortes como “Burn Paris Burn” o “The Second Triumvirate Of Lavonia” que, a mi personalmente, me parece la parte menos me atrae después de la electrónica pura y dura. Parece como si hubieran querido acabar por sonar para todos los públicos cuando su música es indigesta lo mires como lo mires desde el principio, salvo que te pongas a escucharlos con paciencia y mucha predisposición.

Recopilando lo que da de sí INFERNO: el grupo raro del día se ha convertido en el grupo menos atrayente. Ya no es que debas ser abierto de mente para escuchar “Pompa Magna”, es que este disco toca tantos palos y es tan personal que se vuelve irremediablemente un “lo amas o lo odias”. He tratado de ser benevolente porque me parece un grupo original e interesante, con algo PROPIO que decir, pero no comulgo con lo que me ofrecen. Puede que tú sí lo hagas.

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LEAF - "Circle Of Ways": revival hacia el metal alternativo.

LEAF son una banda alemana "prefabricada". Pero antes de que dejes de leer esta crítica por este inicio tan reivindicativo, me voy a explicar. Su nacimiento es debido a la banda sonora de una película que, aunque confieso que no soy muy cinéfilo, es la primera vez que oigo hablar de ella "The Amulett". Al parecer debió de tener más éxito la banda sonora que la película, porque los encargados de poner música al film formaron este grupo cuyo segundo disco, "Circle Of Ways" me dispongo a comentar.

Dicen de sí mismos que mezclan el Grunge con el Nu-Metal. Pero antes de que algunos os empecéis a poner el chandal para pegar saltos como posesos, un aviso: de Nu-Metal tienen más bien poco. De vez en cuando algún gritito agresivo del cantante, asimilables a los de DEFTONES (pero sin la genialidad musical de este grupo), algún riff un poco machacante por allá, pero poco más. Predominan mucho más las guitarras atmosféricas y suavecitas con un bajo omnipresente y unos estribillos más durillos en cuanto a guitarras se refiere (lo que me recuerda mucho a THE CULT). De samples y elementos electrónicos, más bien pocos, (lo cual por mi parte es de agradecer). Desde luego, globalmente, suenan mucho más a la onda que siguen grupos como AUDIOSLAVE o NICKELBACK desde su perspectiva más melódica, con algún que otro pasaje guitarrero influido por TOOL (la intro de "Floatin" está calcada del "Lateralus"). Vamos, que de originalidad no hablamos precisamente.

Las canciones son muy lineales, con una estructura muy previsible: introducción melódica con guitarras limpias y el bajo llevando el peso fundamental de apoyo a la poco innovadora voz  de Jaime Scholz, (y algún que otro efecto electrónico meramente anecdótico) y el típico estribillo pegadizo con guitarras potentes. Así se desarrolla el disco en cuarenta y cinco minutos que se acaban haciendo un tanto aburridos. Pocos temas hay que destacar que se salgan un poco de esta tónica. El tema que da título al disco "Circle of Ways", los muy influidos por TOOL "Floatin" y "Changin" (este último con el único pasaje un poco original del disco, con un solo de guitarra de Timo Brauwers sobre un fondo electrónico bastante raro en comparación con el resto del disco), o el "cañero" (por usar un poco esta palabra, ya que creo que hablamos de Metal) "Thank You" (de  nada hombre...)

En fin, poco más de sí da este disco, con dos o tres temas que escuchéis ya habéis escuchado todo. Pero eso sí, a todos los que os gusten esta rama más actual y no tengamos miedo a decirlo, comercial, del Metal no os defraudará. Pero tampoco os dirá nada nuevo.

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ROSSOMETILE - "Terrenica": una voz increíble.

Los cambios de formación continua pueden dar al traste con las intenciones de continuidad de un grupo, y eso ha estado a punto de pasar con los italianos ROSSOMETILE. Llevan más de una década formados, con varias demos a sus espaldas y un disco autofinanciado, pero los continuos vaivenes de personal han generado muchos silencios alrededor del grupo y su trayectoria discográfica, siendo “Terrenica” sólo su segundo disco completo y el primero de manera más “profesional”. Sin embargo, y lo digo sinceramente, no sé cómo sería la formación pasada del grupo, ni su sonido, pero los actuales miembros de ROSSOMETILE encajan a la perfección y gracias a tanto cambio se pueden vanagloriar de haber encontrado el elemento que les hace pasar a un nivel superior, partiendo de una base musical que al principio no me atraía mucho. Ese elemento es la voz de Angela Grassi, sin la cual este grupo no sería mucho más que una formación Dark con algún que otro toque progresivo.  

Les comparan con THE GATHERING, supongo que por la calidez de la voz de la cantante y por su trasfondo musical rico en matices, sin embargo aquí también hay mucho de grupos de Metal Gótico con fémina al fondo. De hecho, antes que Rock Progresivo con tintes Dark, como los define su discográfica, yo invertiría los papeles: la música de ROSSOMETILE hinca sus raíces en plena New Wave, con cierto sonido a lo SISTERS OF MERCY en los efectos y en la sección rítmica, pero lo enriquecen con elementos propios del Metal Progresivo como son guitarras contundentes y estructuras que se van desarrollando con continuos altibajos. Ciertamente la mezcla, sin ser original en sus cimientos, sí lo es en resultados, porque es difícil catalogar a a ROSSOMETILE y eso debería ser un cumplido. Además, para mayor abundamiento, y aprovechando las tesituras amables de la voz de Ángela, ROSSOMETILE sorprenderá a más de uno con estructuras más propias del Pop Rock que otra cosa, lo cual, lejos de lo que pueda parecer, enriquece el conjunto. 

Se podría decir que ROSSOMETILE es ahora una cantante con banda y no al revés. El notable viene, no voy a ocultarlo, de una voz que me ha enamorado: gracias en parte a su uso del italiano, más rico en tonalidades que el inglés, la candidez, la belleza, el alma y el aire Pop de la voz de Ángela ES por sí mismo TODO el grupo. El resto no son más que pinceladas que la acompañan, con mayor o menor complejidad y acierto, pero siempre como colchón para su belleza innata, y no me refiero a la física (que también). Por eso mismo, la producción del trabajo, dándose cuenta de dónde está el punto fuerte, se centra en Ángela, poniendo a su disposición todos los medios a su alcance, dando protagonismo y dejando a sus acompañantes como lo que son, meros acompañantes, eso sí, sabiendo poner matices y colchones rítmicos en donde Ángela puede brillar con distintos registros, pero sin grandes riesgos ni dificultades a la hora de ejecutarlos. Hablando de temas concretos, puede que “Terrenica” e “In Viaggio”, sean dos de los cortes que más gusten a los aficionados al Progresivo que se acerquen a este disco. Ambos temas, con unos juegos de guitarras muy propios de la New Wave, se desarrollan con continuos cambios que hacen arriesgar a la voz de Ángela para adaptarse y no perderse.

Sin embargo, las cosas empiezan a cambiar de registro con “L´Inizio Di Una Catastrofe”,  siendo entonces cuando llega lo mejor del trabajo, lo más comercial, lo más Pop, lo más accesible y bucólico, pero al mismo tiempo el mejor vehículo de lucimiento para Ángela: empezaré por el bueno y acabaré por el mejor. El bueno es “Le Strade Di Zoran”, un tema cándido, ingenuo y optimista al que sólo le falta un trasfondo armónico más pegadizo para triunfar. El mejor es “Novembre”, para el que la banda ha grabado un vídeo. Tema brutal, puramente Pop, adictivo, entrañable, tierno... Ángela brilla con luz propia en él. Casi al final se repetirá la fórmula con “Come Stai” y “Domani”, dos temas radiofónicos en su totalidad, y aunque en menor medida, también conseguirán hacernos encender los mecheros. Con posterioridad se retomarán los aires más progresivos, con las dos partes de “La Grande Piramide”, probablemente la composición más metálica y progresiva de todo el trabajo (e incluso así la voz no pierde su protagonismo, aunque lo comparta con el solo de guitarra con que se desmarca Rosario Reina), e incluso la experimentación vendrá de la mano de “L´Uomo Della Preistoria”, tema nervioso y con continuos cambios también de ascendencia progresiva. 

Escuchar a ROSSOMETILE es disfrutar con una voz en varios contextos: Pop, Dark, Progresivo... y en todos ellos tener tablas suficientes para brillar, acaparar el protagonismo y redondear temas que a priori, no tendrían mucho que decir pues compositivamente son del montón. La gran suerte para el grupo ha tenido que ser encontrar a Ángela cuando se quedaron sin vocalista hace menos de un año, con ello han conseguido ser un grupo con personalidad, sin tampoco explotar grandes recursos. “Terrenica” es un disco instrumentalmente aceptable con una voz de matrícula de honor. En conjunto, un trabajo notable que encandila y sorprende. 

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LIGHT PUPIL DILATE - "Snake Wine": dibujando círculos que te atrapan

En ocasiones un disco, sin saber muy bien por qué, consigue engancharte. Puede que no sea lo más original del mundo, puede que no sea un trabajo impecable, puede incluso que necesite maduración... pero a pesar de todo ello consigue hipnotizarte durante mucho tiempo y que no se vaya fácilmente de tu cabeza. El segundo disco de LIGHT PUPIL DILATE y primero con la compañía Lifeforce, “Snake Wine” es un ejemplo de esto que trato de expresar.

Nada más escuchar el primer corte, “Prana”, uno se da cuenta de la cantidad de influencias que rondan el plástico: MASTODON (de manera evidente en muchas ocasiones), HIGH ON FIRE o incluso TODAY IS THE DAY, nombres propios en lo que a la esquizofrenia sonora se refiere, se mezclan con pasajes atmosféricos, lejanos, hipnóticos al más puro estilo NEUROSIS o ISIS, y en ocasiones cierto matematismo a lo GOJIRA que le da un tecnicismo adicional que termina de redondear la amplia paleta de sonidos de la que beben los temas. Como se puede ver el contenido de “Snake Wine” es bastante ecléctico, pero tiene un denominador común, la densidad sonora. Todo ello envuelto en un sonido algo apagado, pero que cumple dadas las complejidades de ecualización del grupo y con algún que otro toque de intensidad añadida de la mano de unas guitarras muy originales y una voz que, sin rasgar demasiado, resulta agónica e inquietante. 

La estructura de los temas está bastante definida, si bien cada uno tiene su toque de personalidad propio. Aún así es evidente que la música de LIGHT PUPIL DILATE se construye con pausa, a base de círculos concéntricos que meten en materia al que los escucha y que buscan no tanto la sorpresa y la capacidad de impresión, como la experimentación en sonidos cada vez más poderosos e incisivos, que se combinan con momentos de calma aparente. Si bien temas como “Prana”, donde la música tiene cierto aire rockero, pasado por la batidora particular de texturas del grupo, “Twinkly”, donde Michael Green hace un trabajo excepcional tras los parches o “Shower Me With Your Love”, en un registro por parte de Eric Searle que roza el Noise Core, son ejemplos de temas de fuerte pegada, por momentos muy agresivos y directos, la música de LIGHT PUPIL DILATE navega en mejores aguas cuando saca a relucir todo su esplendor detallista en forma de guitarras atmosféricas y casi fantasmagóricas, como en “Big Open” y “Selfless”, los mejores temas del disco para mi gusto junto a “Dive”, excepcional corte que cierra el trabajo, alcanzando de forma sobresaliente la mezcla entre locura, intensidad y ambientación que busca el grupo.

No obstante, quizás falte un hilo conductor que haga que el oyente pueda seguir “Snake Wine” de una manera más atractiva, y digo esto porque muchas veces uno tiene la sensación de que a los temas les falta algo para ser redondeados, pero no hay duda del efecto que genera la forma de ejecutar las canciones: uno se siente atrapado ante tanto ritmo cíclico, ante tanta repetición mágica de sonidos y ante el desgarro general de la música del grupo. Así me hallo como al principio, ante la difícil tarea de sopesar el valor de este trabajo: ¿su irregularidad y su falta de asentamiento se compensa con la hipnosis en que parezco entrar cada vez que lo escucho?, yo pienso que sí y me atrevería a decir que LIGHT PUPIL DILATE es un grupo interesante, de buenas ideas, pues si no logrando un resultado brillante consiguen un efecto tan certero en el oyente, ¿qué harán cuando consigan madurar plenamente su sonido?

Lo mejor es que juzgues por ti mismo, pero creo que “Snake Wine” es un trabajo que muestra a una banda en plena ebullición, que empieza a recorrer la senda acertada, que logra encandilar aunque no brillar, pero aún así, con la suficiente materia prima demostrada como para estar atentos al futuro de esta banda, de género inclasificable, pero de grandes dotes musicales. Un descubrimiento recomendable que promete un futuro aún mejor.

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DEW SCENTED - "Invocation": otra piedra más en su muro de thrash death.

Ahí siguen, irreductibles. La segunda ola del Thrash Metal, antes de este resurgir “auténtico” que estamos sufriendo/disfrutando, tuvo su mirada puesta en Europa y muy particularmente en Suecia, recogiendo el testigo de AT THE GATES y dando al Death melódico un toque más agresivo y estático que lo conectaba con SLAYER, al mismo tiempo que recogía todas las enseñanzas de la primera mitad de los noventa. Ejemplos no faltan, pero probablemente dos bandas tuvieran el cetro, sobre todo THE HAUNTED y también CARNAL FORGE y DEFLESHED. No muy lejos de las tierras escandinavas, los alemanes DEW SCENTED surgieron como otra alternativa a tener en cuenta, y al final se han acabado por convertir en los más constantes y de producción discográfica más sólida y continuista, mientras CARNAL FORGE voló y THE HAUNTED se encuentra hace ya bastante tiempo reconvirtiendo su sonido a las tendencias más actuales del Tío Sam. “Invocation” es el octavo disco de DEW SCENTED y no es el mejor, pero defraudar no defrauda, ellos siguen a lo suyo.

Después de algún cambio de formación, pero sin afectar lo fundamental (la reconocible voz de Leif Jensen y los slayerescos riffs), “Invocation” aporta poco que no sepamos. Desde “Issue VI” DEW SCENTED adaptó el sonido a las producciones de la “era EXODUS”, es decir, apabullante rítmica, producción cargada de capas y algo saturante, pero también efectividad desde el primer minuto. Como sus composiciones son harto previsibles y al mismo tiempo “best sellers” del Thrash-Death en potencia, a poco que te dejes llevar, un disco de DEW SCENTED te generará diversión. Partiendo de estas premisas, sólo hay que fijarse en una cosa: si los alemanes consiguen en cada nuevo disco mantener la intensidad o no pasa del tercer tema. En esta línea, “Invocation” es de los primeros aunque con algo de lo segundo: el disco es muy completo, tiene muy buenos cortes y hasta se hace diverso, pero también tiene una parte final un poco más ardua o menos inspirada que deja un sabor algo amargo. Aún así, la valoración final es bastante buena, aunque ya no sorprendan a nadie.

Cabe preguntarse si lo que hace DEW SCENTED puede ubicarse hoy en día en algún lugar. Están en tierra de nadie: cuando THE HAUNTED y su “Made Me Do It” triunfaba, salían otros grupos del estilo como churros. Sin embargo, hoy en día o suenas clásico o directamente haces Metalcore. DEW SCENTED se mantiene en las premisas del Thrash-Death, a pesar de la renovación sonora, y eso les hace jugar con cierta ventaja, pues aunque a veces puedan recordar a los grupos de Metalcore que menos “core” tienen, lo que ahora hacen por denostado, es único. Es una paradoja que el copiar riffs de SLAYER y adaptarlos a la melodía y la agresividad del Death sueco, ahora resulte “único”, cuando en su momento todos estos grupos y en particular THE HAUNTED fueron criticados, pero el mundo de la música está lleno de paradojas. Dejando análisis imaginarios a un lado, lo cierto es que “Invocation” es volver a la segunda mitad de los noventa, pues como decía antes DEW SCENTED sigue a “lo suyo” y eso se traduce en temas cortos, bien estructurados, centrados en el riff y con algún solo melódico interesante, junto con la voz de Jensen, monocorde pero con identidad.

El conjunto es bastante completo: tras la intro de rigor, la tríada inicial de “Arise From Decay”, “The Invocation” y sobre todo “Have No Mercy On Us”, esta última puramente SLAYER (aunque las otras tampoco es que anden muy lejos), concentran la mayor energía del disco, que sin embargo sabe dosificarse en lo que le resta, por lo menos antes de “A Critical Mass”. Riffs y más riffs superpuestos, efectivos y cabeceantes y acelerones combinados con medios tiempos aplastantes y llenos de groove, culminan con “Rebel In Contempt”, de inicio atmosférico y segunda mitad bastante “americana”, pero sin resultar rupturista con el resto. Sólo al final uno nota cierto agotamiento: “Global Hysteria”, pese a su buen inicio, nuevamente a lo SLAYER a medio tiempo, resulta un poco insulso y simplón y la excesivamente larga “Slaves Of Consent” se pierde demasiado en extender una estructura que con la mitad de duración habría dejado mejor sabor de boca. Sin embargo, globalmente “Invocation” es un disco dentro de la media de DEW SCENTED y como ya he dicho, al estar bastante solos en el desierto, eso se traduce en un trabajo energético y recomendable.

Esto es como los concursos de la televisión: si escoges una opción, aunque te ofrezcan mucho dinero para que cambies, si eres firme en tu corazonada inicial, lo mejor es seguir apostando por ello. DEW SCENTED es lo que ha hecho. Mientras unos desaparecían, otros se reconvertían y el resto sobrevivía en el anonimato, ellos han mantenido sus cartas y han seguido apostando a chica. ¿Frutos?, previsibilidad pero madurez en lo que hacen: ya van ocho discos e “Invocation” no pasará a la historia, pero los sigue manteniendo como la banda de referencia en este género, ahora extravagante, que es el Thrash-Death en su sentido clásico.

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ROBA ESTESA - "Desglaç": La alegría que te llena la vida.

Lucha, reconocimiento, empoderamiento y sobre todo alegría, positivismo y ganas de seguir adelante. Todo eso es lo que quiere transmitir ROBA ESTESA. Este grupo català íntegramente femenino parte del folk y lo trufa de otras muchas influencias con un único objetivo, visibilizar la lucha de las mujeres por vivir cada día en un mundo machista desde los pies hasta la cabeza. Pero lo hace con energía y frescura, sin perder la solemnidad de su lírica, pero buscando con la alegría y el buen rollo que transmite su música, que todo el mundo se posicione en una situación que necesita más cambios de los que muchos pensamos. "Desglaç" es el segundo disco de este joven octeto integrador (incluyen entre ellas a una intérprete del lenguaje de signos para el directo) y es un disco energético que será difícil, si lo escuchas del tirón, que no acabes tarareando alguna de sus canciones y sobre todo, que no se te encienda un poquito más la conciencia.

Partiendo de las raíces de la tierra, y como ya en su momento hizo el GRUP DE FOLK, en Catalunya la música folk tiene muchas caras y muchas reencarnaciones. Te puedes quedar con el aire festivo, pero siempre se puede ir más allá y grupos como ROBA ESTESA es un buen ejemplo, una nueva vuelta de tuerca a la ya lejana nova cançó catalana, que sin dictador en vida, sigue de actualidad por desgracia, pues las sombras son demasiado alargadas. Las componentes de ROBA ESTESA parten de su propia realidad y del entorno de acogida que es, ha sido y siempre será Catalunya, por su particular situación geográfica y por su propia tradición humanitaria, y ponen voz con fuerza al feminismo y a la integración cultural. Rock, reggae, ska, swing... y por supuesto tradición folk, se dan la mano para hacer música de compromiso y el resultado es un adictivo "Desglaç" en el que no hay canción floja, ni relleno que valga.

Trazan un círculo empezando y acabando con "Diuen". El primero es una adpatación musicada, sobria y llena de solemnidad de un poema de Maria-Mercè Marçal, que además da título al disco. El último, parte del mismo intimismo pero como canto de esperanza. La fuerza que se necesita para seguir, caer, levantarse y volver a coger el camino hacia la cumbre de la montaña por muy alta que esta sea: "No, no desesperis. No, no tinguis por. Si és que es repeteix la història, potser l'hem d'escriure de nou". Entre medias, ROBA ESTESA empujan a las mujeres a la valentía y al autoreconocimiento. Se contagia la energía ya con "La nit és nostra", con la colaboración del grupo MAFALDA llamando a las mujeres a la guerra contra el sistema, pero esta no decae, ni en los momentos más profundos.

Así ocurre en "Governar-nos", donde los aires jamaicanos y latinos buscan hacer un llamamiento a las calles y a la revolución, o sobre todo en "L'alegria" que es una de las canciones más alegres, valga la redundancia, con aire de verbena al más puro estilo ORQUESTRA PLATERÍA: "L'alegria que t'omple la vida, l'alegria de viure el demà, l'alegria d'una tonteria, l'alegria de seguir avançant.". Pero también se contagia en un tema tan sentido y tradicional como "La presó de LLeida", donde colaboran un montón de artistas relacionados con el folk català más joven como Germà Negre o EL DILUVI. Tema tradicional que ya en su momento adaptó Marina Rosell y que ROBA ESTESA reinventa como metáfora de la lucha feminista, cambiando a los presos por presas. 

Musicalmente ROBA ESTESA cuidan todo mucho, para que las voces de Gema, Anna, Clàudia, Clara y Neus brillen más. El punto macarra y rockero lo pone Helena, ya sea con riffs distorsionados o punteos reggae, mientras que el aire folk festivo y bailón lo incorpora Clàudia y Clara con su violín y su acordeón respectivamente. Pero no se quedan sólo en eso, pues se atreven con los aires electro swing como los de "Sense Por", o la influencia austral de la preciosa "Dona Bonica", cuya letra es una oda a la sororidad en contra de la violencia machista. 

Si hay algo que achacar a "Desglaç" es que se hace muy corto. Todo lo demás y ya si lo comparamos con el debut de ROBA ESTESA, "Descalces", es madurez compositiva y un ir más allá en lo que a influencias y sonidos se refiere. El disco cuenta además con un trasfondo técnico estelar, al haber sido grabado en Bucbonera Studios y masterizado en Londres, en los Abbey Road Studios bajo la batuta de Alex Wharton. Todo buenos ropajes para un alma musical con mucho contenido y que coge de las manos a todas las mujeres para que sepan que no están solas en la lucha contra una sombra muy alargada y difícil de traspasar: la de una sociedad machista por educación y espíritu. Poc a poc esperem que sigui part del passat.

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HEY COLOSSUS - "Project: Death": un coloso de atmósferas claustrofóbicas.

¿Tres guitarristas? ¿Sludge? ¿”Colossus”?, solo con esta información uno podría hacerse una idea de lo que esta banda inglesa que lleva poco más de 4 años en activo, es capaz de realizar. Si eres amante de la música de digestión pesada, que camina por la frontera entre el ruido, la atmósfera claustrofóbica y la genialidad musical, te interesará mucho todo lo que en las siguientes líneas te voy a contar. 

Con algunos trabajos menores a sus espaldas, HEY COLOSSUS ataca con un disco de Sludge de libro, realmente duro, ácido, pesado, casi impenetrable y extremo en lo más amplio del término. Ellos se definen como una mezcla entre BLACK FLAG y BLACK SABBATH (ahí es nada la comparación), y en el fondo puede que no les falte razón, ya que ambas bandas estarán siempre en la mente de todos los grupos que practican un estilo tan enfermizo como el Sludge, pero para que la comparación sea más efectiva, la banda inglesa se mueve por terrenos mastodónticos y electrizantes ya penetrados con anterioridad por bandas como los MELVINS, PORN o nuestros queridos MOHO, entre muchos otros. La nota de originalidad es un sonido realmente claustrofóbico y agónico, en donde las voces se tornan chillidos casi inaudibles y las guitarras son pesadas bolas de acero capaces de derrumbar los muros más gruesos. 

Música difícil, con gusto por generar atmósferas opresivas, más que virtuosismos, cargando el ambiente de electricidad y psicodelia. Rock fofo que dicen algunos en España, pero hecho con una gran maestría pues consiguen inquietar y mantenerte atento por poco acostumbrado que estés a estos sonidos. Los temas se estructuran de manera muy básica, combinando escasos riffs y pétreos ritmos que se repiten una y otra vez, pero consiguen recrear un amplio abanico de sonidos gracias a distorsiones y juegos con sus instrumentos, haciendo que aumente aún más la acidez que rodea su música y ese aire setentero que tanto se respira en estas bandas. Todo ello rodeado de unas voces que son gritos desesperados y cargados de dramatismo, realmente extremos, lo que gracias a la producción gélida conseguida, genera una sensación fantasmagórica. 

El tema de apertura, “Do They Ever Return”, es una auténtica prueba de fuego. Sin aderezos, sin florituras de ningún tipo, los aullidos y el muro creado por las tres guitarras en unión con los sonidos eléctricos recreados por Ian, hacen que el oyente tenga un ahogo en el pecho, que le falte el aire para respirar. Cada nota, cada riff, cada ritmo... está pensado con precisión matemática, decayendo hasta límites de lo humano. Esta línea atmosférica y difícil de digerir se ve rota para nuestro asombro en  “I Am The Chiswick Strangler”, corto tema que en pocos segundos soltará toda la rabia contenida en los más de siete minutos del tema de apertura. Un ritmo rápido, rockero y unas voces desatadas nos acompañaran hasta la parte más dura y exigente del trabajo, formada por “45 Pounds” y “Frozed”, dos temas cargados de efectos en voces, guitarras y ambientaciones, que generarán una sensación de agobio difícil de explicar. La psicodelia y el aire setentero de los que hablaba tienen también un hueco muy particular en “Rope Assassin”, un corte donde el estatismo de las guitarras llega a exasperar, haciendo que deseemos que acabe de una vez. Los efectos y los teclados no nos abandonarán, pero ahora se tornarán mucho más accesibles gracias a unas guitarras más limpias y una voz fantasmagórica difícil de describir en “The Book Of Disquiet”, junto a los tres primeros temas, de lo mejor de todo el disco.

El problema de “Project: Hate”, es que es agotador para el oyente, cuesta llegar hasta el final manteniendo la cordura, porque aunque nuestros oídos se hayan acostumbrado al contundente sonido del grupo, la riqueza en detalles hace que nuestro cerebro empiece a dar muestras de cansancio. Y desde luego, no es un disco para no prestarle atención, porque entonces será difícilmente soportable. Si consigues llegar entero al final, te encontrarás para cerrar el disco con dos piezas muy interesantes: la locura sónica de “On The Pleasure Of Hating”, donde la velocidad y el odio desatado son las notas predominantes hasta su decadente final y la instrumental “Grow Still At Last”, tema cuyas guitarras me recuerdan a NEUROSIS y que sirven de bálsamo para acabar nuestro tortuoso viaje por el universo musical de este grupo.

No estamos ante una revolución en el género, pero HEY COLOSSUS consigue su objetivo de maravilla. La opresión y claustrofobia generada por su música en unión con su interesante forma de componer y de llenar de detalles sus temas, de tal manera que en cada escucha, siempre arriesgada, se descubren cosas nuevas, nos deja ver una gran calidad en este grupo, pero también tiene el problema de que el encorsetamiento estilístico es muy palpable, haciendo que “Project: Death” sea un disco muy minoritario, sólo apto para los que somos amantes de las sonoridades difíciles de digerir. Si es tu caso, HEY COLOSSUS no te defraudará.

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CHARING CROSS - "We Are...": Pegadizo y fresco como ingredientes principales.

Cada vez que recibo un lanzamiento de Metal Heaven (tanto en su filial metálica, como en su filial más Hard Rock), suelo descubrir buenas bandas. Ya me pasó hace un tiempo con ANCARA y ahora me ha vuelto a ocurrir con los suizos CHARING CROSS. Ellos se comparan con DOKKEN y compatriotas como KROKUS y GOTTHARD, pero de los citados grupos hay más bien poco, si acaso en el hecho de que con los primeros comparten su pasión por el Hard y el Heavy de raíz ochentera a partes iguales. En cualquier caso, “We Are...” es la carta de presentación de este quinteto helvético y muestra a un grupo muy compacto, adictivo y con buen nivel compositivo, que entra en la enorme lista de bandas a tener en cuenta de éste que suscribe.

Empezaré por lo que más me ha llamado la atención del grupo, y en esto ciertamente pueden tener paralelismo con sus compatriotas KROKUS: la capacidad camaleónica de combinar sonidos distintos sin dejar la coherencia a un lado. Sonido moderno y actual, guitarras contundentes que navegan por terrenos muy Heavys, y una combinación de voces que coge lo mejor del Hard y del Metal... todo ello en temas que no repiten esquemas, que suenan frescos y directos, sin grandes dosis de virtuosismo ni sorpresa, pero ejecutados de manera precisa y sin dejar flecos, haciendo canciones redondas. En mi opinión la música de CHARING CROSS es ideal para el directo porque es honesta y directa, sin dejar espacios para la vaguedad y el “no ir a ningún lado”, y en “We Are...” consiguen este efecto, esa sensación de que el grupo está sobre las tablas y no en un estudio. El resto lo completa una labor de guitarras que sin ser la octava maravilla cumplen la labor tanto rítmica como solista con creces, y una labor compositiva sencilla que contribuye a la sensación de frescura y honestidad que uno tiene con la escucha del disco. 

En el apartado de las canciones, lo que verdaderamente importa, tras una breve introducción integrada en el primer corte, “Final Day”, el disco comienza sin quemar todos los cartuchos, con un riff que se queda desde el primer momento, a medio camino entre el Hard y el Heavy de velocidad media. Mucho más movida y Heavy es “Kick Ass Rock N´ Roll”, con buenas guitarras dobladas y mucho feeling, mostrando la cara más alegre y adictiva del grupo gracias a unos coros que dan mucha fuerza al estribillo. En “Burn The Sun” y “Ain´t Got No Time” por su parte, Peter Hochulli me recuerda mucho al Kiske de los HELLOWEEN más reposados, demostrando como ya indiqué al comienzo de esta reseña que la capacidad camaleónica de CHARING CROSS es total. Menos conseguido está el aire más “moderno” que le han pretendido dar a “Voices”, un tema con buenas guitarras solistas, aunque sin terminar de ser redondeado. Afortunadamente, ya pasado el ecuador del trabajo dos composiciones más merecen un lugar especial, por un lado “Goin´ Down”, que vuelve por los fueros de “Kick Ass Rock N´ Roll”, directo y moviéndose en terrenos Hard and Heavy. Por otro lado, “Forever Rockin´” uno de los temas que más se acerca al contexto del Hard Rock, con un estribillo estratosférico, pero sin perder la fuerza de las guitarras eso sí.

Nuevamente Metal Heaven sorprende y saca a la luz a un grupo que se estrena después de casi quince años de existencia sin producción discográfica (dejando a un lado un breve EP que sacaron hace tres años). “We Are...” es un disco que será disfrutado por los amantes del Heavy no exento de melodía y que no le hagan ascos a las producciones de nuestros días. Valga la redundancia, un disco redondo, no exultante, pero sí con la calidad necesaria como para hacer pasar un buen rato.

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DISGORGE (MEX) - "Gore Blessed To The Worms": una nueva oda a lo grotesco.

Por fin tras bastante tiempo en silencio vuelven a escena los mejicanos DISGORGE. Autores de obras de portadas tan horrendas como “Forensick”, una de las bandas más conocidas del Death / Grind más gore de Méjico, regresa con una nueva obra, que como a continuación relataré es continuista de “Necrholocaust”, tras un tiempo de incertidumbre en la banda por las idas y venidas de alguno de sus miembros. 

Recuperando los fotomontajes en la portada, esta vez a cargo del cantante de WORMED, Phlegeton, y mucho más moderada que los dos primeros discos de DISGORGE, los mejicanos vuelven, ya sin Antimo en sus filas, con un disco que confirma el camino tomado en su anterior disco y lo conecta con la locura y el caotismo de sus primeros discos. Con una producción limpia, pero a la vez cruda, el Death / Grind de la banda sigue intacto, si bien tirando más de su parte Grind que en “Necrholocaust” donde se apoyaron en unas estructuras más pegadizas (lo que les sirvió a muchos para decir que se habían vendido). 

Temas como “I Watch Myself Rot” o la bestial “Next Mortuary Division”, llenan el aire de cambios de ritmo, cajas de batería tocadas a todo trapo, estructuras caóticas y los riffs típicamente Grind del grupo, esta vez multiplicados en potencia por la adhesión de un segundo guitarra. Es curioso ver como una de las señas de identidad del grupo sigue intacta: la voz, esa fabulosa combinación de una voz ultra gutural con otra que parece sacada de un gorrino en plena matanza, se mantiene haciendo aún más enfermos los temas, que ya es decir. 

Se aprecia, de todas formas, una intención por meter elementos nuevos en las guitarras en forma de riffs más variados como en el tema título del disco, “Gore Blessed To The Worms”, todo ellos integrado en una estructura aún más caótica de lo que ya son las composiciones de DISGORGE. Esta evolución de las guitarras se ve también en uno de mis temas favoritos del disco, “Cadaveres”, siendo este hecho lo más llamativo de este trabajo, que para mi gusto es lo mejor de la banda.

Los que no conozcan a los mejicanos, avisar de que no son precisamente la mejor manera de acompañar unas sobremesa. Hay que estar bastante acostumbrado a estas sonoridades para disfrutar al máximo de una pieza tan brutal como esta. No es fácil, pero siendo DISGORGE una de mis bandas favoritas y de las primeras extremas que escuché en mi vida, no puedo dejar de recomendar sus discos. Una vez que sobrepasada la muralla sónica te darás cuenta de los buenos que son cortes como la rockera (a su manera) “Pest. Blood. Metal”, nuevamente con una forma de componer sorprendente. 

Una auténtica sinfonía enfermiza como en su momento dijeron los dioses CARCASS, ya que además los temas no tienen apenas separación entre sí, golpeando sin descanso nuestra cabeza con sangre, vísceras y delicadezas afines. Todo con un regusto old-school indispensable como los ultraveloces ritmos Thrash de “Beneath The Lugubre...” demuestran, o nuevamente, en las variadas guitarras llenas de riffs superpuestos que rozan la perfección en “Necromarch”, con una estructura que te dejará exhausto. 

Una advertencia antes de acabar. Que nadie confunda a DISGORGE mejicano cono los americanos de igual nombre, pues las propuestas musicales de ambos son bastante diferentes aunque sean exponentes los dos de sonoridades extremas. Una vez aclarado este punto para los no iniciados, no me queda más que recomendar este disco. DISGORGE consigue perfeccionar su estilo y alcanzar una madurez ya entrevista en anteriores trabajos. Una obra de arte, enfermiza sí, pero arte al fin y al cabo.

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FLEVEN - "The Wreck Of You": en pleno revival del grunge.

Si hace ya unas cuantas semanas decía que los estilos de moda se degustan mejor cuando pasan unos años desde que dejan de estar en auge, escuchando a los italianos FLEVEN me reafirmo completamente en esta afirmación. Estos chicos, aunque envueltos en sonidos actuales y con cierto aire “emocional”, beben directamente de la cumbre de los noventa que en bandas tan variopintas como NIRVANA, PEARL JAM, SOUNDGARDEN, ALICE IN CHAINS y demás tuvo su esplendor, para disgusto de muchos y descubrimiento de las guitarras y la contundencia para otros.  Y el resultado en “The Wreck Of You” es fresco y actual, aunque con cierto aire “clásico” (y se me hace raro poner esta palabra para hablar de algo que “he vivido”) en las guitarras que engancha fácilmente.

El debut de este cuarteto italiano se puede calificar de eso que algunos llaman Post-Grunge y que no deja de ser un Rock Alternativo reformado en sonido, pero igualito a los primeros noventa en sus formas. Con un vocalista que tiene una tonalidad muy radiofónica pero al mismo tiempo suena garajero, el resto se deja para ritmos sencillos, guitarras fáciles de memorizar y estructuras muy políticamente correctas, pero he aquí el punto fuerte de FLEVEN, el aspecto solista de las seis cuerdas y los riffs de inspiración casi Stoner hacen que “The Wreck Of You” contagie su energía al oyente que tenga en sonoridades desérticas y al mismo tiempo alternativas, su punto de referencia. Y lo mejor de todo es que FLEVEN, aunque indudablemente retrotrae a quien los escuche a otra época, consigue sonar actual y potencialmente comercial, aunque parezca que hoy en día los derroteros de marketing comercial se dirijan por otro tipo de sonidos. En cualquier caso, anacrónicos, desfasados o no, FLEVEN se ha apuntado un buen tanto con este buen debut.

 El sonido ayuda mucho, y no es un tópico. La producción deja el peso de la música en la sección rítmica, destacando la labor de Mad en el bajo, pero el aire retro de las guitarras y esa tonalidad correosa tienen mucha culpa de que se puedan sacar muchos puntos positivos a “The Wreck Of You”, y sólo destacando como principal punto negativo, totalmente secundario dicho sea de paso, una presentación muy de andar por casa que resta mucha capacidad de atención al grupo. Temas como “Peyotl”, con un buen estribillo y unas guitarras muy dinámicas, o la lejanamente nirvanera “A Crack In The Room”, son ejemplos de las claras referencias hacia las que FLEVEN mira, pero también de cómo poder sonar de rabiosa actualidad con un estilo “pasado de moda”. No obstante hay hueco para más cosas: destacando muchos elementos propios del Stoner a lo KYUSS que aparecen también de vez en cuando en temas como “Learn To Listen”, cuya introducción está entre lo mejor de todo el plástico, o en la propia “The Wreck Of You”, con una estructura muy variada que mezcla comercialidad, con contundencia Stoner y algún que otro elemento atmosférico que termina de redondear la composición. 

Ni son revolucionarios, ni tampoco lo pretenden, pero FLEVEN sigue alimentando la máxima de que cuando un género pierde “la paja” y se queda con “el grano”, realmente consigue explotar todo lo que da de sí. Para afrontar la escucha de “The Wreck Of You” saca tu camisa a cuadros del armario (no te sonrojes, que seguro que la tienes aún), desmelénate un poco y déjate llevar. No se puede pedir más, pero aún así estos cuarenta minutos dejan muy buen sabor de boca.

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NIHILIST - "Demos 1987-1989": Una joya imprescindible.

¡Una joya!, no se me ocurren más palabras para resumir la fabulosa reedición con la que la compañía Threeman Recordings nos sorprende este año. Ni más ni menos que las tres demos que NIHILIST grabó en 1988 - 1989 y la primera y única demo que grabara ENTOMBED antes de "Left Hand Path".

Corría el año 1987 cuando Nicke Andersson, Leif Cuzner y Alex Hellid, adolescentes de mentes inquietas apasionados por el Thrash y el Hardcore, crearon NIHILIST. El grupo, como otros muchos, empezó haciendo versiones de sus dioses particulares, SLAYER, D.R.I., REPULSION... Pero también componían temas, lo cual les llevó a plantearse el grabar una demo. Encontraron en Lars Goran Petrov y Uffe Cederlund, ambos en MORBID (de dónde también saliera Dead Ohlin, el infortunado vocalista de MAYHEM), los refuerzos que necesitaban y grabaron "Premature Autopsy", la primera de las demos de esta colección, con un sonido más sucio, y dónde los gustos más Hardcore de sus miembros se ven reflejados en sus frenéticos riffs. Todavía no tenían su famoso sonido conseguido por el entonces desconocido Tomas Skosgberg, pero el grupo ya apuntaba maneras.

Con un nuevo bajista en sus filas, Johnny Hedlund, NIHILIST se terminó de convertir en una banda seria, componiendo más temas y haciendo multitud de conciertos, lo que les llevó a finales de 1988 ha grabar su segunda y aclamada demo, esa joyita que se llama "Only Shreds Remain", esta vez ya en los Sunlight Studios de Skosgberg. Ese sonido grave, profundo y lleno de mala leche que ENTOMBED haría famoso, junto a otras bandas que pasaron por los Sunlight, como CARNAGE, DISMEMBER, MERCILESS... es único e irrepetible. Y qué decir de los temas, puro Death Metal de Estocolmo, tres himnos que marcaron época, como el temazo "Face Of Evil", con esas guitarras únicas.

NIHILIST ya no son desconocidos, y el status que atesoran ya es más que respetable, así que deciden realizar una nueva demo, "Drowned" que empezó a circular por discográficas para dar el salto definitivo. Corría ya el año 1989 y el sonido de las sesiones de "Drowned", de nuevo en los Sunlight, estaba ya más depurado. El grupo, dentro de su insultante juventud, deja verse de una forma más madura y reflexiva, con unos riffs más oscuros, pero con esos ritmos Thrash tan característicos que ENTOMBED desarrollaran más adelante. Dos excepcionales temas, "Severe Burn" y "When Life Has Ceased", más largos y elaborados, que son ya clásicos para cualquier fan del Death Metal europeo más crudo. En esas mismas sesiones de grabación, y también recogidos en esta reedición, descubrimos un nuevo tema "Morbid Devourment" (otro clásico dónde los haya), una versión de REPULSION, "Radiation Sickness" y el "Face Of Evil" de su segunda demo regrabado.

Johnny Hedlund no se llevaba muy bien con sus compañeros, lo que generó que después de un periodo de incertidumbre, Nicke, Alex, Petrov y Uffe y un nuevo bajista, David Blomquist, grabaran una nueva demo, esta vez bajo el nombre de ENTOMBED, con tres nuevos temas que más tarde formarían parte del histórico debut de la banda sueca, "Left Hand Path", y que ya cuentan con el sonido insignia del grupo, sirviendo de muestra de lo que en sus primeros discos nos ofrecería una de las bandas más influyentes de Europa.

Poco después de editar la demo, Digby Pearson, de Earache, que ya había entablado relación con el grupo y estaba al día de sus movimientos, les ofrece un contrato con el sello inglés. Todos tenían menos de 18 años, así que tuvieron que firmar sus padres, sellando con ello el inicio de una carrera que nos daría grandes alegrías en el Death Metal.

No hay mucho más que decir. Aunque gran parte de este material se editaría después en el "Left Hand Path" de ENTOMBED, el trozo de plástico que contiene estas tres demos es un documento histórico único, que es estrictamente necesario en cualquier colección metálica que se precie. NIHILIST, CARNAGE, DISMEMBER... el Death Metal europeo nació con ellos, no dejes pasar la oportunidad de hacerte con esta joya!!!!

PREMATURE AUTOPSY

1.- Sentenced To Death 

2.- Supposed To Rot 

3.- Carnal Leftovers 

ONLY SHREDS REMAIN 

4.- Abnormally Deceased 

5.- Revel In Flesh 

6.- Face Of Evil 

DROWNED 

7.- Severe Burns 

8.- When Life Has Ceased 

DROWNED SESSIONS 

9.- Morbid Devourment 

10.- Radiation Sickness 

11.- Face Of Evil 

BUT LIFE GOES ON 

12.- But Life Goes On 

13.- Shreds Of Flesh 

14.- The Truth Beyond 

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NACHTGESCHREI - "Am Rande Der Welt": devoción por el folk más dinámico

La fuerte personalidad de determinadas bandas suele anular la de otras que tratan de seguir su sonido con mayor o menor cercanía. Es el caso de IN EXTREMO, grupo cuya fama ha generado que otras bandas enclavadas dentro del Folk tengan que conformarse con segundos planos y hasta padres del género como SKYCLAD sufran audiencias modestas, cuando debería ser al revés. En cualquier caso, NACHTGESCHREI es consciente de la situación y antes que despegarse falsamente de sus influencias prefiere reconocer que lo suyo es devoción por IN EXTREMO y SUBWAY TO SALLY. Decir lo contrario sería no ser honesto con uno mismo. En cualquier caso con “Am Rande Der Welt” el joven grupo alcanza su segundo disco y los resultados son entretenidos y trabajados, aunque no lleguen al nivel de excitación que suelen alcanzar los citados.

La base musical parte de un Rock / Metal sencillo, pegadizo, fácil de retener y le añade toda la constelación de sonidos Folk con gaitas e instrumentos afines que se suelen usar en el género. Eso sí, a diferencia de IN EXTREMO, en NACHTGESCHREI las voces son mucho más relajadas, no tan incisivas y duras, aún a pesar de utilizar el alemán como lengua madre. Esto redunda en una accesibilidad incluso mayor, pero también se pierde parte de la magia de la mezcla pues suena todo demasiado políticamente correcto. Por poner un ejemplo, “Fernweh”, un tema lento y melancólico, en donde las voces desarrollan un estribillo muy radiofónico (me recuerda a Celine Dion con eso os lo digo todo) que no termina de encajar con el trasfondo musical, pero no es el único ejemplo. Así pues, se puede considerar que NACHTGESCHREI es un grupo que, a priori, tiene muchas papeletas para ser un pelotazo comercial, pero al que le pesan demasiado los lastres de las comparaciones. 

En mi opinión personal, lo que mejor sabe hacer el grupo es el medio tiempo rockero y dinámico. Las guitarras no pasan de ser meros acompañantes del viaje, donde las melodías principales son recorridas por los instrumentos Folk, pero temas como “Muspili”, precedida de una introducción instrumental “Fiur” que me parece sobresaliente, o “Niob” con un registro de voz más centrado en los medios tonos, enganchan y funcionan sin grandes dificultades ni exigencias al oyente. La sencillez rítmica de los temas, su duración corta, las voces menos ásperas y una producción que reduce la potencia de las guitarras... todos estos elementos convierten a NACHTGESCHREI en un grupo de esos a los que se les suele llamar mainstream, con lo que sólo cabe terminar de alabarles por sus buenos resultados compositivos o no. Y este es el punto más “del montón”. Lo tienen todo de cara pero creo que han querido simplificar demasiado las cosas y no saben redondear los temas para que suenen totalmente adictivos, agradables de escuchar sin duda, con capacidad de enganche también, pero van perdiendo puntos según avanzan los minutos. 

En este estilo hay algo que acaba por hacerlo triunfar: el aire fiestero de sus canciones. En este aspecto IN EXTREMO triunfa como otros no lo han conseguido porque cada tema del combo es un festival juglaresco que en directo entretiene hasta al más pasmado. Sin embargo, es sintomático el hecho de que “Am Rande Der Welt” no invita a tararear. A lo mejor es algo premeditado, pero en mi opinión, creo que no ha sido así, porque es evidente que NACHTGESCHREI busca los mismos ingredientes y la misma mezcla que sus compatriotas, pero lo hace a medio gas y sin el brillo necesario. El resultado es que temas como “Herz Aus Stein” o “Windfahrt”, cuyas melodías en principio dan mucho juego y se quedan clavadas en seguida, sin embargo, no consigan ensimismarnos y hacernos repetir la escucha con premura según acabe el trabajo. A lo mejor un poco más de variedad instrumental, como ocurre en el seno de IN EXTREMO, no repitiendo tanto la fórmula tema tras tema habría ayudado.

Pienso que si te gustan IN EXTREMO, te tienen que gustar con total seguridad NACHTGESCHREI. Los paralelismos son claros y evidentes, además de que no son ocultados por los miembros del grupo, y aunque no consiguen alcanzar el nivel de los citados, “Am Rande Der Welt” es un disco entretenido y divertido. Con un poquito más de energía e inspiración habría sido un trabajo sobresaliente, pero aún así la notabilidad es indudable.

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KILLING THE DREAM - "Fractures": llevando el hardcore más allá

Envueltos en un artwork hipnótico y elegante, firmado por Jacob Bannon, la banda californiana KILLING THE DREAM lanza su tercer trabajo a través del sello especializado en Hardcore, Deathwish. Sin embargo, “Fractures”, en mi opinión es algo más que Hardcore de libro al uso, acabando por resultar un trabajo instrumentalmente muy bueno y algo más normalito en el aspecto vocal, aunque, como más adelante diré, tampoco este elemento es de lo peor que se puede escuchar en este tipo de sonidos. En cualquier caso, si te gusta el Hardcore “avanzado”, este disco te puede resultar interesante.

Campeones por goleada son sin duda la pareja de guitarristas. Con unos temas que navegan entre dos aguas: la sencillez del Hardcore con la melodía del Neo-Crust o Crust Melódico, recordándome en estas partes a los españoles ICTUS, aunque desde un punto de vista algo más agresivo, la pareja de guitarristas de KILLING THE DREAM llevan todo el peso de las composiciones, junto a la labor de cambio constante de Isaac tras los parches. Los temas no se casan con estructuras sencillas y constantes, usan y abusan de recovecos pero sobre todo pasan por transiciones entre lo más agresivo y hardcoreta y lo más melódico y accesible. Y en medio de estos cambios, tanto Dj como The Boss (curiosos sobrenombres) saben desarrollar melodías típicas del Crust actual que se quedan grabadas a la primera, y también buenos riffs esquizofrénicos que les sirven para enlazar con su parte más Hardcore. Así pues, rítmicamente y sobre todo, en el aspecto melódico, KILLING THE DREAM es un grupo muy sorprendente y entretenido, dando una variedad difícil de encontrar a los temas. 

Otra cosa es el aspecto vocal, salvo los coros que de vez en cuando llenan los temas dando una mayor sensación de fuerza, como ocurre en “Part II (Motel Art)” (uno de los mejores temas del disco sino el mejor), Elijah tiene un tono bastante monótono que acaba por resultar prescindible en la labor de desmenuzamiento del colchón musical de KILLING THE DREAM. Aún así, su registro no acaba por resultar “molesto” como en otros casos, pues no abusa de los registros agudos ni de las voces cuasi-limpias, lo cual no quita para que a veces tengas la sensación de que KILLING THE DREAM añade las voces cuando ya los temas están acabados con lo que lo tienen más como un elemento secundario que como algo en lo que fijarse al componer. Dejando a un lado este “pero”, el resto del trabajo, tanto en los momentos más veloces, como en los más atmosféricos (siendo un buen ejemplo de este tipo de temas “Fractures” que da título al disco, donde se da un buen contraste entre ambos aspectos, o más adelante “Consequence (What Comes Next)”, donde vuelven a usar la antítesis entre velocidad casi inhumana y atmósfera emocional), tiene la suficiente enjundia como para gustar a los que disfruten de las nuevas tendencias tanto del Hardcore como del Crust.

Jóvenes y con energía, los miembros de KILLING THE DREAM han facturado un disco, “Fractures”, que sin destacar como un lanzamiento imprescindible, sí que está por encima de muchos grupos del estilo. Con un poco de moderamiento vocal y profundizando en las melodías, este grupo californiano logrará un producto más que notable. Hasta entonces, “Fractures” ya es un buen pedazo para dejarse llevar y disfrutar.

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